Chim↑Pom y el arte de cazar súper ratas radioactivas en Tokio

Ya hemos hablado anteriormente del colectivo japonés Chim↑ Pom pero, esta vez, vamos a contaros la historia de cómo este grupo de jóvenes cazadores de ratas, y artistas de Tokio, dan su primer gran salto y comienzan a ganarse el reconocimiento del gremio. Esta es la historia de Super☆Rat「スーパー☆ラット」(Súper☆Rata), la primera gran exposición de Chim↑Pom y la que podría considerarse un antes y un después para este colectivo de artistas japoneses. Bueno, y también un punto de inflexión en nuestra percepción, como sociedad vulnerable a lo kawaii, de la malditamente adorable figura de Pikachu.

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En esta historia, es imprescindible el papel de la galerista Fujiki Rika 藤城里香 (n. 1970) que anteriormente había trabajado en la Mizuma Gallery de Tokio. En mayo de 2006 montó su propia galería, en pleno corazón de Kôenji y a la que le dio el nombre de Mujinto Production. Fue entonces cuando, ese mismo año, Rika, seguidora del arte de este grupo de jóvenes y lo peculiar de sus performances, ofrecería a Chim↑Pom realizar una exposición. Desde entonces, y hasta la actualidad, el colectivo forma parte del elenco y plantilla titular de artistas de esta galería, que también funciona como una compañía que gestiona y promociona a otros artistas del país. En marzo de 2010 la galería se trasladó a la céntrica zona de Kôto, cerca del MOT Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, y a día de hoy  se constituye como una de las más interesantes y activas de la ciudad. La existencia de Mujinto Production es esencial para Chim↑Pom, es una de sus principales sedes de operaciones y un gran número de sus exposiciones y proyectos se dirigen desde esta galería.

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Colectivo Chim↑Pom

Ante el hecho de realizar una exposición en una galería y verse de lleno metidos en un ambiente más oficial, donde el grupo tenía, y quería, dar la talla. Chim↑Pom tuvo que replantear la profundidad, el contenido y la forma de sus acciones artísticas. El grupo llegó a la conclusión de que la fórmula de grabar sus performances en vídeo y proyectarlas no era suficiente. Tenían que “meter substancia” y empezaron a emplear el término en japonés busshitsu 物質: un elemento que otorgase calidad y empaque a su obras, sin perder en ningún momento su actitud pueril y festiva a la par que punk y crítica.

Mujinto Production como decíamos, continúa dirigiendo muchos de los proyectos de Chim↑Pom y un gran número de sus exposiciones tienen lugar en esta galería. 

“Mujin-to Production no es el nombre de una galería. Promocionamos a artistas con propuestas y expresiones interesantes. Proporcionamos un espacio donde los artistas puedan expresarse libremente, y mostrarlo al público.”

“Nuestra misión es acaparar conjuntamente todos los aspectos de la sociedad con estos “distinguidos” artistas trabajando codo con codo. Ellos son capaces de manifestarse a la sociedad y de crear relaciones con las personas que conforman un público con nuevas perspectivas a través del que ser revela las diferentes caras de la sociedad. Nosotros apoyamos a estos artistas, su promoción y exposiciones con la misión de dirigir sus “puntos de vista” a la sociedad.” 

En este entorno de libertad creativa, fruto del hermanamiento con Mujinto, Chim↑Pom realizará su primera exposición a la que titularían Super☆Rat (2006). Así, con la estrellita incluida. Super☆Rat (2006) les serviría como presentación del primer manifiesto escrito por colectivo. Un “ahora vamos en serio”, donde el grupo dejaría constancia de su particular visión sobre el arte y los que son sus cimientos ideológicos. Leyéndolo puede una darse cuenta e imaginar el rumbo y la deriva artística que el grupo estaba decidido a tomar. imageSin embargo, tratándose de artistas poco conocidos por aquel entonces, la exposición no contó con mucha asistencia. Tampoco fue de ayuda la propia elección del nombre del colectivo. El nombre de Chim↑Pom hace referencia a ‘pene’ en la jerga japonesa como coloquialismo. En el diccionario encontramos ちんぽ(chinpo) o ちんぽう(chinpô) que se traduce como “órgano sexual masculino” y más concretamente como expresión usada por los niños para referirse a este. Luego, en este caso, Chim↑Pom podría traducirse como “colita”. ‘Chin’ significa pene y ‘pom’ es un diminutivo que denota además algo bonito, simpático. 

 

Afortunadamente, una vez superado el trauma social de tan vulgar vulgaridad, poco a poco, y gracias al boca a boca, se empezó a hablar de ellos y la gente comenzó a acudir a sus exposiciones.

CP_SuperRat_2006_02En Super☆Rat (2006) se podían ver piezas audiovisuales en las cuales el colectivo aparecía cazando ratas en Shibuya. Estos ejercicios de limpieza urbana de “plagas” quedarían plasmados en fotografías y esculturas, cerrando un proceso completo de creación multimedia multidisciplinar. El término super rat fue acuñado por los exterminadores para referirse a un tipo de ratas que, en las últimas décadas, proliferan masivamente en las áreas urbanas y que han desarrollado inmunidad a los distintos venenos que se venían utilizando. Desde 2006 Chim↑Pom, como parte de su performance artística, ha cazado ratas por las calles de Shibuya, pero con un objetivo bastante diferente del de liberar la ciudad de esta plaga. Es aquí donde, sin entrar en debates moralistas, el colectivo realiza su acción más impactante. Chim↑Pom captura a estas ratas, las diseca y las pinta de amarillo para crear inquietantes figuras de Pikachu, el icónico ratoncillo eléctrico de la serie de videojuegos Pokémon, creada por Satoshi Tajiri para Nintendo en 1997.

superrat_yoshimitsu_umekawa01sr_kb_03Chim↑Pom busca reflexionar sobre cómo coexisten los seres humanos dentro de la sociedad y en el día a día. Sus super ratas quieren representar a los propios japoneses, quienes viven diariamente expuestos a una contaminación radiactiva ambiental.  Es una forma de lanzar un mensaje a todas esas personas que viven inmersos en el día a día ignorando esta realidad, que no es otra que la suya propia. Es difícil quedar indiferente ante una obra así. El impacto es inevitable y la polémica está asegurada, sobre todo teniendo en cuenta lo sensible de los temas que el proyecto toca. SuperRat es una dura y contundente crítica a la sociedad japonesa, a su capitalismo exacerbado y a su ignorancia, pero también a un gobierno completamente entregado a los favores de la energía e industria nuclear. 

Chim↑Pom busca reflexionar sobre cómo coexisten los seres humanos dentro de la sociedad y en el día a día. Sus super ratas quieren representar a los propios japoneses, quienes viven diariamente expuestos a una contaminación radiactiva ambiental. 

Sin embargo, SuperRat no es una mera transgresión adolescente para captar la atención. Es un verdadero ejercicio de reflexión a través de un juego de dobles sentidos. La noción de la supervivencia de las formas de vida, como la humana o la animal, está implícita en esta obra, pero a su vez también la propia supervivencia del arte y la cultura. Chim↑Pom resalta el antagonismo y la coexistencia de las formas que mutan y se desarrollan en el arte. Podría parecer que Chim↑Pom, con la elección del nombre del proyecto, esté realizando cierta burla u oposición al concepto de arte que describe el manifiesto artístico Superflat que formuló Murakami Takashi en 1999, el rancia y popularmente conocido como Andy Warhol japonés. Según Chim↑Pom, no tratan de oponerse ni contrariar al concepto Superflat, ambos discursos son compatibles y contrarios a la vez, lo que al mismo tiempo supone una metáfora entre el arte y la sociedad actual. En definitiva, no se trata solo de la similitud de las palabras o del chiste, aunque también, sino de la convivencia y la paradoja entre todos estos conceptos.
CP_SUPERRATshowcase_2011-01A pesar del impacto de SuperRat y la consecuente crítica, si obviamos el hecho de las ratas disecadas, el empleo de la imagen de Pikachu como metáfora del arte y, sobre todo, de de la sociedad, no debería resultar extraña. 

En Japón, sobre todo en Tokio, existe una plaga aún más evidente que la de las ratas, y es la de los muñequitos kawaii en todas las formas y manifestaciones posibles que la mente humana y la mercadotecnia puede imaginar. Figuras, peluches, disfraces, videojuegos, animación, comida o incluso campañas políticas. Todo aquello que se pueda consumir y vender a través de los medios de comunicación.

 

Al tratarse de su primera acción artística importante, se convirtió automáticamente en símbolo identitario y marca del grupo. Siempre que viajan o se reúnen para desarrollar nuevos proyectos, recuperan a estas ratas radioactivas y no es raro verles posando con ellas en las fotos que suben a sus redes sociales. De esta forma, Chim↑Pom quiere mantener presente y actualizado el mensaje que lanzaron en su primera exposición y así mantener vivo el proyecto. En un contexto más general, si pensamos en ratas y arte urbano,  es evidente el homenaje al reconocido artista callejero Banksy, uno de los más conocidos dentro del Street Art e importante precedente del arte vandálico, reivindicativo y crítico (o incluso catalogado como terrorista). El colectivo no planea dejar de cazar ratas por la ciudad, lo que también es una forma de decirle a Banksy y por extensión a los artistas de todo el mundo que hay que reivindicar el poder crítico del arte callejero. 

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En su página web podemos leer el manifiesto que, anexo a la obra, han escrito entre todos los miembros del colectivo. Con cierto grado de infantilidad en el registro que emplean en su discurso, declaran que su único propósito es el de reproducir estas figuras, sin ninguna otra excusa. Sin embargo, en sus textos posteriores y entrevistas, muestran abiertamente esta idea y objetivo de una elaborada crítica social y política que envuelve a la obra. Con este manifiesto pretenden por tanto llamar la atención y ser directos sin dar explicaciones y, como ya os he contado unas cuantas cosas, os dejo que leáis mi humilde traducción del manifiesto SuperRat: 

Culturas como la del arte, el rock o el punk, que aspiran a la belleza que tienen las ratas de alcantarilla;

Culturas como la animación japonesa o las gals, son llamadas Pop Japonés o Superflat,

todas se cruzan, en bandada, en el cruce de Shibuya.

Decididos,

y convencidos,

tras haberlo pensado mucho, cogimos el último tren al centro de Shibuya.

Nos toca ser los jóvenes del ahora, en tanto que los adultos nos desaprueban.

Hoy en día las personas de la ciudad se asemejan a ratas gigantes emergiendo desde nuestra vida urbana y manteniendo su encorvada coexistencia con los seres humanos.

Nosotros capturamos una por una con trampas que compramos en el Donki.

No se trata solo de capturarlas, nuestras sensibilidad humana es tal, que somos incapaces de tocar los cuerpos muertos de carne animal que consumimos cada día.

Nuestro propósito es simplemente producir figuras reales de Pikachu. Por este propósito, pateamos pilas de bolsas de basura y corrimos tras las ratas que escapaban entre huecos de las paredes.

Esperad super ratas, no somos vuestro enemigo, ¡somos Chim↑Pom!

Las perseguimos… Se hizo medianoche, en el centro de Japón, donde todo parecen excusas.

Así debe de ser nuestra obra: cazar sueños y ratas.

© Chim↑Pom, Noviembre 2006

 

Página web de Chim↑Pom
Instagram de Chim↑Pom

 

El viaje de Jun Chihara. De oficinista a tatuador en Barcelona

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Instagram de Jun Chihara.

Jun Chihara es un tatuador japonés con base de operaciones en Barcelona. Pero esto no siempre fue así. Hace siete años, Jun era un sarariiman más. Un chico trajeado que iba a su puesto de trabajo y volvía rendido a casa tras una dura jornada de oficina. Sin embargo, todo se torcería. O no. En cualquier caso, el destino decidió cambiar radicalmente su vida. Una mañana se enteraría de que su empresa se encontraba en la quiebra y que la vida que llevaba hasta ese entonces se había esfumado. Jun aprovechó ese momento de crisis para cambiar de rumbo y dedicarse a un trabajo más creativo y manual, a algo que le apetecía mucho más que las interminables hojas de cálculo, los aburridos procesadores de texto y las exigencias de sus jefes. Además, tenía muy claro que quería salir de Japón y conocer culturas de otros lugares del mundo. Tomó un mapa y a ciegas señaló un lugar. Su dedo fue a parar en la península ibérica y escogió Barcelona como su nueva ciudad.

Cuando llegó a Barcelona le fascinó la forma tan abierta con la que las personas mostraban sus tatuajes y empezó a brotar en él un interés creciente por este arte. En algún momento, casi sin darse cuenta, decidió dedicarse a este mundo del tatuaje y llamó a la puerta de varios estudios. Uno de ellos, llamado Void Barcelona, le acogió y allí encontró gente dispuesta a formarle. A día de hoy, el bueno de Jun, forma parte de la plantilla oficial del estudio y continúa trabajando allí.

Tras una temporada de aprendizaje empezó a viajar para tatuar por todo el mundo. Así, Chihara, pudo hacer contactos, conocer a muchas personas y traer a su estilo influencias de otras culturas. La personalidad de los tatuajes de Jun es de alguna forma reflejo de todo el aprendizaje y vivencia que este tatuador japonés ha recogido viajando alrededor del mundo.

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Cuando llegó a Barcelona le fascinó la forma tan abierta con la que las personas mostraban sus tatuajes y empezó a brotar en él un interés creciente por este arte.

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En cuanto a su estilo de dibujo, nos cuenta que intenta no dejarse llevar por otros tatuadores de referencia ni tendencias actuales o modas. Lo que le gusta es consultar libros antiguos de arte, robar ideas del pasado y probar a aplicarlas en sus diseños. Si uno se detiene a observar la iconografía de los tatuajes de Jun Chihara, se topará con una curiosa mezcla de elementos muy puramente japoneses que han sido combinados con otros de culturas distintas como la coreana o la azteca

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Para Jun el tatuaje es una forma de conocer a personas distintas y a distintas personas. A culturas distintas y a distintas culturas. Un medio que le permite abrirse al mundo y conocerlo y creando de esta forma piezas que conectan a culturas opuestas y/o lejanas en un mismo espacio.

Últimamente Jun compagina sus trabajos como tatuador con nuevos proyectos. Recientemente ha comenzado a atreverse con la pintura mural y sus encargos no hacen más que crecer. Por mencionar algunos, si vais al restaurante Fujitaka de Badalona o al Mikasa en Barcelona, podréis encontrar piezas suyas en las paredes del interior de ambos locales.

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Instagram de Jun Chihara.
Void Barcelona.
Restaurantes Fujitaka y Mikasa.

© Fotografías realizadas por Nelson Núñez y Pancho de León.

Entrevista a Lee Chapman. Las realidades de Tokio a través de sus fotografías

El fotógrafo Lee Chapman creció en Manchester, Reino Unido, y se lanzó a ir a Japón en 1998. Su plan no era para nada quedarse en el país y, cosas de la vida,  lleva ya más de veinte años. El plan original era estar unos dos años pero, con el tiempo, Japón se convirtió en su hogar. Empezó a fotografiar como forma de documentar la vida en el país y Tokio, la ciudad que le acogió. Sin darse cuenta la fotografía se convirtió en su pasión, y la pasión finalmente en trabajo.

Realiza tours fotográficos por la ciudad, buscando la belleza en lugares donde en principio no irías a buscarla. La lente de Chapman siempre nos muestra aspectos a menudos desconocidos y poco expuestos de Tokio y nos sorprende en cada instantánea que comparte en su blog online Tokyo Times. Sus fotografías a japoneses desfasados y algo perjudicados por el alcohol se han hecho bastante populares en las redes sociales. Pero hay mucho más. Lee Chapman es un extranjero ya veterano en Japón y un fotógrafo esencial para comprender los Tokios que habitan dentro de Tokio.

Portfolio: leechapman.photos
Tokyo Times: tokyotimes.org
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Twitter: twitter.com/tokyotimes

Comencemos.

¿Quién dirías que es tu fotógrafo japonés favorito?

L.C.: Es muy difícil elegir pero diría sin dudar que Daido Moriyama, Masatoshi Naito y Eikoh Hosoe son mis favoritos.

Gaijin y voyeur (broma). Tu serie de fotografías THE STARING muestra a personas mirando directamente a tu cámara, conscientes de estar siendo fotografiadas. ¿Se han enfadado contigo alguna vez?

L.C.: Sí, de hecho, se enfadan bastante a menudo. Pero al ser Japón nunca nadie se ha puesto agresivo ni me he sentido atacado. A decir verdad, en este país, con una sonrisa o una muestra rápida de disculpa se puede librar uno de una situación verdaderamente incómoda.

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¿Crees que tus fotos son más disfrutadas por público extranjero que por el propiamente japonés? ¿Pueden también los japoneses encontrarlas interesantes como reflejo de su sociedad?

L.C.: Creo que un poco las dos cosas. Ojalá sea así. Inevitablemente mi forma de ver Japón es diferente a la de los japoneses. Al fin y al cabo soy un extranjero. Por mi parte, me interesa mostrar elementos que no son muy manifiestos o evidentes. Por ejemplo, suelo prestar atención a las personas mayores, que en muchas sociedades parecen tener un papel más secundario y olvidado. La belleza en su máximo exponente puede encontrarse también en estos elementos, por poco convencionales o interesantes que parezcan.

¿Cómo de diferente es tu vida con la que recoges en tu proyecto de TOKYO TIMES?

L.C.: Una pregunta muy interesante y difícil de contestar. La verdad es que nunca me lo había planteado. Diría que casi todo lo que aparece en mis fotografías es simplemente lo que veo pero también hay bastante de mí y de mi vida en ellas.

El proyecto Tokyo Times consiste básicamente en un blog de fotos. Es básicamente una forma de registrar mis paseos fotográficos, de recopilar mis mejores instantáneas y también, por qué no, de promocionar mi trabajo. Podéis visitar el sitio web de Tokyo Times haciendo click aquí.

¿Cuál es la zona de Tokio que más te inspira? Como muestras en tus fotos, Tokio es una ciudad diversa y con muchas caras. ¿Cuál es la más interesante para ti?

L.C.: Desde las zonas más viejas a las más modernas, en todas encuentro algo fascinante e inspirador. Las zonas más antiguas transmiten una sensación del pasado que nunca más volveremos a ver y las más nuevas la incógnita de cómo serán en el futuro.

Probablemente, la zona que más trabajo es el área de Shinjuku.  Aunque en el moderno Shinjuku cada vez pueden encontrarse menos elementos del pasado, existe una mezcla increíble y única de contrastes y personas.
La diversidad es una de las mejores cosas de Tokio. Hay de todo y para todos. Solo tienes que descubrir lo que más te interesa y allí podrás encontrarlo.  

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Tu fotografía se interesa y pone de manifiesto el papel de los ancianos en la sociedad, cuya imagen contrasta fuertemente con la del Tokio joven, acelerado y cambiante. ¿Cuál es el papel crucial que tienen los ancianos en la envejecida sociedad japonesa? ¿Qué mensaje deseas transmitir con esta serie de fotografías?

L.C.: Para ser sincero, no tengo ningún mensaje. Simplemente intento mostrar cómo es Tokio y como es la vida de estas personas mayores en el Japón en la actualidad. De alguna forma es un intento por mostrar otras realidades del país que a menudo son ignoradas.
Por supuesto, de una forma u otra el creciente número de ancianos en Japón va a jugar un papel crucial en el futuro del país. Cuál será este papel está aún por verse.

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Tus fotografías sobre borrachos y resacosos se han hecho muy populares en las redes. ¿Cómo te sientes cuando haces este tipo de fotografías?

L.C.: Aún me sigue fascinando eso de una ciudad tan grande como Tokio. La ciudad es tan segura que la gente puede quedarse dormida tirada en la calle, incapaces de llegar a casa tras una noche de excesos. Por una parte toda esa seguridad está muy bien pero por otro lado da un poco de pena que no sean capaces ni de moverse para llegar a la estación de tren más cercana (risas).

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En tu serie fotográfica THE NATIONALISTS hay fotos muy directas con unos protagonistas conscientes de que están siendo fotografiados. ¿Tenías permiso para hacerlas? ¿Fueron amables contigo? Cuéntanos alguna anécdota de tu visita al santuario de Yasukuni.

L.C.: La verdad es que no tenía permiso para hacer esas fotos. Simplemente supe que estarían en el santuario de Yasukuni y decidí que tenía que fotografiar el momento.
No diría exactamente que fueran amigables, pero la verdad es que no tuve ningún problema. De hecho a parte de una conversación con el hombre de esta fotografía, nadie más me dijo nada ni hubo queja alguna.

Solo tengo una anécdota de cuando fotografié por primera vez el Santuario. No sabía que iba a haber un evento. Yo solo pasaba por allí. Afortunadamente, empezó el evento y cuando llegaron los “devotos” comenzó a nevar, dando un resultado en las fotografías con una atmósfera muy especial. Sentí como si se hubiera detenido el tiempo y que nunca más tendría la oportunidad de hacer fotografías como estas.

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¿Puedes contarnos sobre proyectos en los que estés trabajando o tengas en mente?

L.C.: Mis reportajes sobre ancianos y partes antiguas de Tokio son proyectos que sigo desarrollando. Además he comenzado un proyecto que consiste en fotografiar vías de tren abandonadas. Cada vez hay más vías en desuso debido al creciente urbanismo combinado con el descenso poblacional, lo que hace insostenibles muchos servicios de tren.

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Licuando colegialas. ¿Quién es Makoto Aida? Padre de una generación de artistas

Makoto Aida, nacido en Niigata en 1954 y ganador del galardón de Maestro de la Universidad de Bellas Artes de Tokyo, es bien conocido en Japón por sus pinturas y grandes murales, que manifiestan tabús y problemas patentes en la sociedad japonesa tanto rural como urbana. La temática que abarca Aida es amplia y va desde el ero guro hasta el tratamiento de los sucesos acontecidos en la Segunda Guerra Mundial. Ha conseguido también gran popularidad gracias a sus videos, fotografías y performances en las que con gran polémica encarna a personajes reales, como pueden ser Shinzo Abe u Osama bin Laden. Este artista multidisciplinar es reconocido como uno de los más importantes en la historia de Japón y es padre de una generación de artistas que le han seguido sin dudar por considerar que, más allá de su gran técnica, Makoto Aida es el artista que mejor representa la idiosincrasia del mundo actual, y que además es el más divertido y excéntrico del panorama japonés.

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Es considerado un artista radical e incluso se han realizado peticiones para que no se exhiban algunos de sus trabajos. Este es el caso de Inu Ningen 《犬人間》 (Perros Humanos), un buen ejemplo de ero guro, es decir, una representación de complejos y deseos que, por lo general, separamos de lo “humano” y  que no suelen manifestarse abiertamente y menos ser representados. En estas series de pinturas podemos encontrar cierta parodia en el uso de características propiamente japonesas, como la importancia de las distintas estaciones. Así combina un estilo macabro con elementos tradicionales de la representación simbólica japonesa, como podría ser la caída de los pétalos de sakura, lo cual nos situaría en primavera.

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Inu (tsuki) (1996)

Entre otras polémicas en las que se ha visto envuelto Aida, él mismo destaca la crítica de los grupos feministas, quienes critican el hecho de que el autor tan solo retrata a mujeres adolescentes. En su obra de 2001 Jûsaa Mikisaa《ジューサーミキサー》 (Licuadora) retrató a mujeres jóvenes siendo trituradas en una licuadora.

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Jûsaa Mikisaa (2001) Acrílico sobre lienzo, 2,9 m x 2,1 m. 

En relación a esta crítica por su supuesta fijación con las chicas adolescentes, asegura que además de por su simplicidad a la hora de dibujarlas, es una simple cuestión de gusto y preferencia. Sin embargo también se trata de una manifestación de la condición general en la que se encuentra la sociedad japonesa actual. El artista relaciona los conceptos de masculinidad y feminidad con el Japón imperialista y militarista por un lado, y el Japón durante la ocupación americana (1945-52) respectivamente. Es muy interesante el símil que realiza entre la mujer y el Japón de la ocupación: las adolescentes en sus pinturas son violadas y mutiladas, algunas muestran intenciones suicidas y otras tan solo aparecen como perversión para con la figura del hombre. Se trata por tanto de un tratamiento personal del trauma de la guerra, de las consecuencias de las vejaciones sexuales y del lamentable constructo sexual que recae sobre la identidad femenina y que el Japón contemporáneo ha heredado de aquel tiempo.

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Mimi-chan o Edible artificial girls (2001)

También fue criticado el sexismo reflejado en Haiiro no Yama《灰色の山》 (Montañas de color ceniza, 2009-2011), donde tan solo aparecen hombres asalariados en traje y ninguna mujer, dando lugar a malinterpretaciones o ideas arcaicas como la de que las mujeres no tienen este tipo capacidad de trabajo fuera de la casa. si bien podríamos interpretarlo como que nos está mostrando la realidad: aún no existe igualdad de género en lo referido mundo laboral. Aun así, según el artista declara él no pinta “realidades para determinar lo correcto del mundo” y en cualquier caso también está buscando expresar la incomprensión que siente por la sociedad y modos de vida actuales. Aida ha mencionado en más de una ocasión que es incapaz de imaginarse a sí mismo convertido en un oficinista o saraariman サラリーマン.

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Haiiro no Yama (2009-2011) Acrílico sobre lienzo, 3 x 7 metros
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Detalle de Haiiro no Yama (2009-2011)

A pesar de la controversia que levantan sus pinturas, en Japón existe una gran producción de material de temática similar, tanto en manga y anime, como en circuitos artísticos más prestigiosos, que sería el caso de Aida. Makoto Aida considera que lo importante a la hora de elaborar sus pinturas es crear lo oportuno, lo que la sociedad requiere en un momento determinado, como declara en la conferencia TED de Tokio. En dicha conferencia se muestra explica su visión artística propia resaltando en un cartel la palabra tekitô 適当, expresión japonesa que usualmente se emplea para expresar «lo apropiado» o «lo adecuado», pero que posee otros significados ambiguos y contrapuestos como aleatorio, irregular o «lo natural».

Muchas de sus obras muestran una clara influencia del manga y el anime, de acuerdo con su aspiración cuando era un niño de convertirse en mangaka. No es raro encontrar gran cantidad de representaciones eróticas, de muy distintos gustos, en estos géneros. Sin duda este rasgo de la subcultura otaku hace que las obras de Aida tengan cabida aquí y disfruten de gran aceptación y popularidad en estos círculos.

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Mutant Hanako (2005)

Un ejemplo de esta influencia lo vemos en su único manga publicado, Mutant Hanako (1998). Aida lo pensó como un simple panfleto para repartir en una de sus exposiciones,  lo cual puede inferirse observando el estilo de su dibujo, sin embargo ha acabado convirtiéndose en un manga de culto y en 2005 se lanzó una versión más larga y a color. Se trata de un manga ambientado en la Segunda Guerra Mundial, que funciona como una alegoría distópica sobre la globalización, la explotación, la energía nuclear y la locura humana. 

Más allá de las polémicas, su figura como artista es importante e imprescindible como “padre” de parte de las nuevas generaciones de artistas japoneses. Ejemplo de esto es su periodo como maestro (2001-2004) al cargo de la Escuela de Arte en Jinbôchô, la cual tiene sus orígenes en las vanguardias de los años 60 del siglo XX. Algunos de los artistas que participaron de esta época fueron radicales tanto en la concepción y forma de entender el arte, como en las consecuencias y mensajes de sus obras. Ejemplo de ello encontramos a artistas como Akasegawa Gempei o Natsuyuki Nakanishi, quienes fundaron en 1969 la academia de arte Bigakko 美学校 como alternativa a Tōkyō Geijutsu Daigaku 東京藝術大学 (Universidad de Arte de Tokio) estableciendo desde ese momento dos líneas de estudios y práctica del arte en Tokio: por un lado Tokyo Geidai, elitista y privilegiada; y por otro la Bigakko, alternativa y experimental, que contaba con artistas voluntarios como profesores. Makoto Aida es considerado también el maestro y mentor del cada vez más reconocido colectivo artivista Chim↑Pom, del cual ya os hemos hablado alguna vez en acchiKei.

Actualmente está trabajando en un nuevo proyecto: a partir del 17 de marzo de 2019 se llevará a cabo una exhibición titulada “Heroes and People in Japanese Contemporary Art” en el Museo Prefectural de Arte de Hyogo en Kobe. Uno de los pilares fundamentales de la exhibición es la reflexión sobre el concepto de héroe. La exhibición busca cuestionar esta figura que priori disfruta de gran aceptación y que se encuentra inserta en la psique de una sociedad que no reflexiona sobre la misma.

Makoto Aida presenta aquí uno de los platos fuertes de la exhibición con una escultura de siete metros de altura que representa a un esquelético y fantasmagórico soldado japonés que flota por la habitación del museo señalando con su huesuda mano el edificio de la Dieta Nacional de Japón. Esta pieza constituye la quinta entrega de su polémica serie de obras conocida como Monument for Nothing y supone la crítica personal de Aida al lamentable estado físico y mental de los supuestos héroes que lucharon por el país durante la Segunda Guerra Mundial.

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