El rapero Moment Joon: historia de un pasaporte a Japón, un niño y una entrevista

por Pablo R

© Moment Joon / GQ JAPAN

Es un día gris y anodino de principios de año. En la calle hace frío y acabo de volver a casa con los ánimos por los suelos a mi vuelta al trabajo tras casi dos semanas sin poder hacerlo a pesar de estar sano y en condiciones de ello por un asunto relacionado con la enfermedad de nuestros días: COVID-19. Un asunto en el que, como casi cualquier desgracia que ocurre en Japón, la responsabilidad pasa a ser exclusivamente individual. Las medidas a tomar, más que preventivas, son punitivas. Y eso sin contagio de la enfermedad. Prefiero no pensar lo que sería con un positivo…

Al llegar a casa y saludar a mi esposa y a los niños me siento mejor. Voy a entrevistar a Kim Beom Joon, también conocido como Moment Joon, rapero coreano natural de Seúl y estudiante de la Universidad de Osaka que vive en Iguchidou, barrio de la ciudad de Ikeda, en la prefectura de Osaka.

Descubrí a Moment Joon gracias a una entrevista de Japan Times en 2020, al inicio de la pandemia de COVID-19. Joon vivió durante un tiempo en Estados Unidos antes de volver a Corea del Sur y comenta en una entrevista a block.fm que empezó a escuchar música hip hop allá por el 2003 y que su primer referente del hip hop japonés fue Zeebra, integrante del mítico grupo King Giddra (ahora KGDR), al escuchar su cuarto álbum, The New Beginning.
Otro de sus referentes es el difunto ECD, uno de los pioneros del hip hop japonés y de los primeros que habló abiertamente de política y discriminación en sus canciones y ensayos. Figuras influyentes del hip hop en Japón como K-Dub Shine, también integrante de King Giddra, lo han considerado como una gran influencia.
Antes de su primer disco, MOMENTS (2015), ya había publicado una ingente cantidad de maquetas y mixtapes, antes y después de hacer el servicio militar durante casi 2 años en Corea del Sur. Hasta la fecha, además de sus dos álbumes y el EP Immigration, ha colaborado con artistas como SKI-HI, Jinmenusagi, KEN THE 390 o Ace Cool, además de hacer incluso una sesión en Red Bull Studios en Tokio.

Para mí fue especialmente llamativo que un chaval coreano rapeara sobre su vida, sin la ostentación de lujos y excesos que viene a la mente nada más pensar en el hip hop y el rap, que denunciara aspectos en la sociedad japonesa como la discriminación en los que mucha gente no se para a pensar… y el hecho de que somos casi de la misma edad (tiene 29 años) y de que rapea en japonés. Me sentí muy identificado con él y lo primero que hice fue escuchar su álbum, Passport & Garçon.

Me impactaron muchísimo temas como IGUCHIDOU, KIMUCHI DE BINTA o Hunting Season, temas en los que, aparte de hablar sobre su vida como extranjero, critica los estereotipos japoneses con respecto a los extranjeros. Pensé que no era el típico álbum de egotrip y de vídeos con coches caros y bling bling, sino más bien cercano a grupos de rap americano de los 80 y 90 con más mensaje y denuncia social que pose.
Seguí a Joon en redes sociales. Hubo un momento en el que incluso hablamos en privado pero en esta ocasión le pedí hacer una entrevista con él para hablar sobre la edición DX de Passport & Garçon (que al cierre de su campaña de crowdfunding ha recaudado la nada despreciable cifra de 3,350,302 yenes para la edición en formato físico) y para dar a conocer a la comunidad en Japón y al mundo hispanohablante en general un mensaje más que interesante.

Al hacer la entrevista por Zoom la conexión se nos cae varias veces al hacer pruebas y tiramos de otros métodos más caseros. Mi hijo pequeño incluso se mete en medio y se me sienta en las piernas. Joon tiene una paciencia infinita. Le gustan los niños y no se molesta para nada aunque haya interrupciones. Habla de forma pausada, clara y muy tranquilo. Optamos por hablar en inglés matizando algunos puntos en japonés, en vista de las dificultades técnicas.

Empezamos…

Para empezar, me gustaría felicitarte por el éxito que ha supuesto la campaña para editar Passport & Garçon DX en formato físico. De igual forma me gustaría darte la enhorabuena también por la presentación de tu tesis.

¡Muchas gracias, de verdad!

Conseguiste alcanzar el objetivo de los 2 millones de yenes en tan solo 9 días. ¿Esperabas alcanzar la meta tan rápido? ¿Cómo te has sentido con la respuesta de la gente?

La verdad es que esperaba una buena respuesta cuando lanzamos la campaña en Campfire porque entre mayo y junio del año pasado publiqué en redes que quien quisiera Passport & Garçon de forma gratuita sólo tenía que escribirme por correo. Hubo 1200 solicitudes y muchos correos de seguidores, algunos de ellos muy largos y profundos. En su momento me llegó al corazón y en esta ocasión no ha sido menos. Le dimos bastante promoción al álbum.

Además también lo regalaste con el número de la revista japonesa HARDEST en su número de septiembre. De hecho la tengo en casa y esta vez he querido contribuir porque me salió casi gratis y me parecía justo aportar algo.

Claro, también. Pues muchísimas gracias.

Passport & Garçon es el último álbum de Moment Joon junto con la edición DX. Previo a su lanzamiento, también publicó el EP Immigration en 2019, MOMENTS en 2015 y en su perfil de SoundCloud se pueden escuchar multitud de singles, colaboraciones con otros artistas y temas anteriores.
En el caso de Passport & Garçon la producción ha corrido de forma íntegra a cargo del productor NOAH y Yu Asashiba (aka Shiba-san, responsable de Grow Up Underground Records, el sello de Moment Joon) es el productor ejecutivo. La portada es obra de Tadaomi Shibuya.

Tienes una buena lista de colaboraciones para este álbum. Young Coco, Gotch de ASIAN KUNG-FU GENERATION, Sai-Chung Ho de bonobos, Kiano Jones, Hunger de GAGLE, AKKO GORILLA, Chinza Dopeness…¿Cómo ha sido trabajar con esta gente?

También recuerdo que en HARDEST hablabas de la poesía del poeta zainichi Kim Si Jong, ya que encontraste en la biblioteca uno de sus libros e incluso fuiste a verlo. En TENO HIRA with Japan has introducido versos de Yume mitai na koto, uno de sus poemas. ¿Cómo ha sido para ti colaborar con él?

Todas las colaboraciones han sido especiales pero digamos que la más especial de todas fue la de Kim Si Jong porque fui personalmente a su casa en Ikoma a visitarlo. Este señor tiene un estado de salud delicado y 94 años, y aun así me atendió y quiso colaborar en el álbum. Lo que más hondo me ha llegado es que no es una colaboración del mundo de la música, sino que es otro tipo de arte. El hecho de que mi música consiga llegar a gente fuera de este arte ya es especial en sí. Además, su poesía me inspiró para escribir TENO HIRA.

Moment Joon junto al rapero japonés Chinza Dopeness

Para el álbum has incluido dos temas extra: Apocalypse y el remix de BAKA, un single que publicaste el año pasado. Mientras que en BAKA hablas más de ser “un tonto” por no hacer lo que la gente espera de uno o lo que se debería hacer, Apocalypse tiene una atmósfera bastante agresiva y no precisamente optimista respecto al futuro de Japón dada la situación actual. Los bajos niveles de contagio en el país han sido objeto de alabanza al gobierno y también de crítica por algunas medidas polémicas como el GoTo Travel. El gobierno también se ha visto en un escándalo mayúsculo con el Sakura no Kai y la COVID-19 ha tenido un impacto devastador y le ha puesto las cosas muy difíciles a la gente en general y a muchas familias. Teniendo en cuenta que has reflejado algunos de estos aspectos en este tema, ¿crees que el inamovible statu quo de Japón va a tocar a su fin?

Para ser sinceros, es la pregunta de siempre: ¿cuándo va a cambiar Japón? Y creo que la respuesta es que no, que no va a cambiar de forma radical. Sí, ha habido pequeños cambios en la sociedad como pueda ser el teletrabajo, las medidas implantadas para frenar la COVID…pero a nivel general nada ha cambiado realmente. Apocalypse tiene ese tono pesimista y de destrucción porque al escribirla tenía en mente una cosa: ahí fuera hay una amenaza seria y nos está matando. El tema es además puro cinismo por mi parte porque en él deseo que todo se vaya a la mierda. Si nada cambia, la destrucción en sí ya supondría un cambio.

En cuanto a los temas extra de esta edición, teníamos intención de incluir tres temas con diferente orden. En el CD se incluirán pero en la versión de streaming que salió en diciembre de 2020 hubo ciertos problemas de derechos de autor y no se pudo incluir el último tema. Es el colofón del disco y el orden será diferente con respecto a la versión en streaming. No es hip hop, sino una especie de poesía, una suerte de esperanza en contraposición a la visión tan negativa de Apocalypse.

Claro, aunque no necesariamente tiene que ser hip hop sí o sí. Fíjate en KOHH, que en el último disco que ha sacado (worst) el último tema es simplemente una carta a su abuela que escribe y lee en el mismo.

Sí, claro, es algo así.

La discriminación en Japón adopta muchísimas formas y dar positivo por COVID-19 ha resultado ser una más. Hay compañías que han forzado a sus empleados a pedir disculpas en público por contagiarse, cuando no los han despedido directamente. Se han dado casos de gente que incluso ha llamado a guarderías, centros educativos e incluso a residencias de ancianos en los que se habían dado brotes preguntando quiénes eran los infectados como si estuvieran buscando a criminales.

¿Qué opinión te merece todo esto? En Japón se tiende a pensar que ponerse enfermo o tener una desgracia es una responsabilidad exclusivamente individual pero esto no es exactamente así…

Este tema está muy relacionado con lo que decía antes. Con la COVID no es que hayan cambiado las cosas en Japón, simplemente a la gente se le han visto las costuras de cómo son en realidad. Conceptos como el omotenashi, la hospitalidad y amabilidad japonesa que incluye, entre otras muchas cosas, evitar conflictos, han desaparecido de golpe. Simple y llanamente se han cerrado.
Japón no se ha caracterizado nunca por los sentimientos a la hora de cooperar cuando vienen mal dadas. Esto no es nada raro; yo diría que incluso es habitual no sólo en muchas parejas japonesas sino también entre parejas de japoneses y extranjeros, donde muchas veces no prima el amor a la hora de estar juntos sino otros sentimientos e intereses.

De acuerdo con los datos de la Agencia EFE, Japón ya ha registrado 410 mil contagios de COVID-19 y más de 6,600 fallecidos desde el inicio de la pandemia. El gobierno japonés ha sido alabado por los medios por el reducido número de contagios y defunciones respecto a otros países pero también criticado por querer seguir adelante con la celebración de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 y el escándalo de los eventos para ver las flores de cerezo financiados con dinero público para el apoyo político de los seguidores del ex-primer ministro Shinzo Abe.
Las campañas nacionales GoTo Travel y GoTo Eat para fomentar el turismo nacional también han sido consideradas inapropiadas desde muchos sectores, así como el veto a muchos extranjeros residentes en el país que se vieron en la imposibilidad de regresar a sus hogares en Japón tras las severas restricciones de viaje impuestas en marzo de 2020 hasta más de medio año después.

Pasemos al inicio de Passport & Garçon en sí. Empezamos el viaje con KIX/Limo. ¿Cuál era tu intención aquí? ¿Querías intentar representar la incertidumbre y el miedo a no pasar el control de Inmigración para, una vez cruzas las puertas, pasar a la euforia más absoluta? ¿Tuviste en cuenta también a todos los extranjeros residentes en Japón que comparten ese sentimiento cada vez que van a la oficina de Inmigración? Personalmente me pareció un concepto muy original y con el que cualquier extranjero se podría identificar.

Exactamente, esa era la idea. Se trata del hecho de pasar de cero a 100, representar la incertidumbre del principio antes de pasar por Inmigración y luego gozo de pasar por las puertas y decir “lo tengo, me lo he ganado” (que se refleja luego en KACHITORU).

En este tema quería alienar un sitio que todo el mundo conozca, particularmente uno que fuese anodino. Normalmente hay lugares muy frecuentados y en los que la gente, por lo general, no se para a pensar. Obviamente en este tema también he metido aspectos de mi vida personal pero mi objetivo es que quien escuche la canción sea capaz de ponerse en mis zapatos y tener algo de empatía, compartir ese mismo sentimiento.

© Moment Joon / ototoy.jp

Voy a remontarme al EP de Immigration para hablar del siguiente corte, IGUCHIDOU. En el álbum nuevo ya es la tercera versión desde el EP. En él, con “Osaka, Ikeda, Iguchidou, Green House 25” haces pública tu dirección. No era nuevo porque ya lo habías hecho en Name Tag con SKY-HI y el primer rapero que hizo pública su dirección en Japón fue ECD. No obstante, en ese mismo EP en Maji Manji (MAJI卍) pillan todos: la politóloga Ruri Miura, Abe, Trump… No dejas títere con cabeza y con unas rimas de miedo que me imagino que no dejan indiferente a nadie.
En la era de Internet y del doxxing por las razones más nimias, ¿no te asustó que alguien pudiese ir a tu casa para tener algo más que una “charla amistosa”? ¿Fue alguien de hecho a recriminarte lo que cantas? Porque yo pensé que se te había ido la cabeza, pero también que los tenías muy bien puestos.

Bueno, ¡gracias! No te voy a negar que he tenido miedo, la verdad. De hecho han pasado cosas a raíz de decir mi dirección y en KIMUCHI DE BINTA se puede ver parte de ello, no es una simple ristra de estereotipos. El hecho de enseñar mi dirección tiene un motivo: cuando alguien tiene ideas diferentes o quiere insultarme, a mí me gusta hablar con esa gente. Creo que lo peor que se puede hacer es ignorar y minimizar a la gente. Yo soy de hablar, de convencer a quienes me insultan o me critican sin razón de que sus ideas o insultos no van por el buen camino. Además el sentimiento de verte cara a cara con la gente es muy diferente al de hacerlo por Internet.

Por desgracia para mí, pocos de los que me critican o se ríen de mí han venido a tocar a mi puerta. Esta gente lo único que quiere es ridiculizarme, reducirme a la mínima expresión y reírse de mí. Debo decir que me encuentro muy decepcionado por la respuesta. Imagino que pensarían que al abrir la puerta tras una retahíla de insultos me iba a poner gallito con ellos y a plantar cara, pero nada más lejos de la realidad.

En IGUCHIDOU repartes bofetadas con el pasaporte verde de Corea del Sur, en ImmiGang con un ladrillo y en KIMUCHI DE BINTA con un kimchi bien rojo. ¿Se te pasaría por la cabeza hacerlo con una pata de jamón ibérico?

(Carcajadas) Bueno, parece que la gente se puede llevar una imagen de mí un tanto negativa y violenta por dar tantas “bofetadas”. Realmente en mis canciones hago y digo cosas que no haría en la vida real. En absoluto soy una persona violenta. Hay un personaje que expresa su rabia por la discriminación y las injusticias en los temas mediante estas “bofetadas” (que la verdad, meto muchas, todo sea dicho), y luego hay una persona, esto es, yo mismo. Sin embargo la bofetada es un recurso que me gusta emplear porque implica un cambio en las posiciones de poder, esto es, lo que yo querría en situaciones de discriminación donde hay alguien que abusa de otra persona, que es quien sufre la opresión y discriminación.

Escena de la telenovela coreana Everybody’s Kimchi de donde procede la famosa bofetada de kimchi

Consideras el barrio de Iguchidou como el sitio en el que quieres estar (algo que se repite más tarde en Seoul Doesn’t Know You al decir que eres 100% de Iguchidou) y hablas también de ello en HOME, mientras que en CHON te muestras no sólo orgulloso de tus raíces coreanas sino que señalas todas las críticas recibidas anteriormente, como “¿estás pagando impuestos en Japón?” o “¿qué tienes tú de hip hop japonés, si tú sólo quieres soltar mierda sobre Japón?”. ¿Qué pasa exactamente con esto? ¿Es algo habitual en la escena japonesa?

El personaje de HOME digamos que es cualquier persona aficionada al hip hop clásico (en este caso un hombre de 40 y tantos años que experimentó lo que era el hip hop en Japón en los 90) pero no tiene por que ser precisamente una persona concreta. Sí que hay referencias de varias personas reales en este personaje.

En este tema lo que se ve al principio es un intento de entablar una conversación con alguien que sale mal en cuanto sale a relucir el hip hop. No diría que el tipo de gente que se mete conmigo en el hip hop es de derechas en sí, aunque si que hay gente con esa ideología dentro de la escena en Japón. La verdad es que me parece difícil de creer que precisamente exista gente así en la escena japonesa pero sus motivos tendrán para pensar así. Ese intento frustrado de conversación se torna en CHON, donde descargo mi rabia contra todos los estereotipos que se vierten sobre los coreanos y los extranjeros, al igual que en KIMUCHI DE BINTA.

¿Cuántos de los insultos y estereotipos que aparecen en KIMUCHI DE BINTA y en CHON has sufrido en la vida real?

Diría que el 60 o el 70 por ciento de los que menciono. Lo gracioso de esto es que cuando me puse a investigar sobre el tema y muchos de esos insultos o estereotipos ya los conocía, como lo de que los coreanos comemos perro o que olemos constantemente a ajo, pero otros pocos eran completamente nuevos y me sorprendieron muchísimo.

Chon (チョン) es un término despectivo que se usa en japonés para referirse a los coreanos de manera muy ofensiva. Algunos de los estereotipos que aparecen en el corte, además de las referencias a la carne de perro y al olor a ajo, hacen referencia a que un número de zainichi coreanos pertenecen a la mafia japonesa, operan salones de juego (pachinko) o incluso que son espías norcoreanos encubiertos con posibilidad de causar ataques terroristas, como aseguraba la politóloga Ruri Miura.

En Losing my love hablas de tu desencanto con la escena del hip hop japonés, tanto con los fans como con los artistas y la industria en general. Dices algo parecido en TENO HIRA cuando mencionas que “los raperos dicen BITCH sin pensar, porque sí”. Además me llama la atencion que artistas como DOGMA digan que “hablar sólo de marihuana, marihuana y marihuana no es hip hop”. ¿Qué opinas de la escena japonesa y de su situación actual? ¿Crees que hay mucha gente en Japón que se lleva una imagen errónea del hip hop por el abuso de drogas, las apariencias y el lujo?

¿Que te diría yo? Losing my Love es una vision muy infantiloide de la escena hip hop de Japón. Hay algo que a veces me sorprende y es que la gente se toma mis canciones muy en serio. Realmente esto no es así. Aunque hablo de temas serios en mi música, no deja de ser un show artístico. Quien habla en esa canción es un personaje infantil y luego estoy yo como persona. Hay gente que me ha escrito correos kilométricos y muy profundos sobre mis canciones. Agradezco muchísimo estas cosas pero a fin de cuentas es simplemente un espectáculo.

Me gusta la escena japonesa, estoy al tanto de lo que sale, escucho bastantes cosas de las que van saliendo y también tengo muy buenos amigos. También respeto a quienes hablan de la marihuana con libertad e incluso luchan por su legalización, no es algo que me parezca negativo. No obstante, si que hay algo que mencionas que me lo parece y es el uso de la palabra BITCH. Hay gente que la usa sin más, desprovista de un significado concreto, de acuerdo, pero hay otras personas que hacen un uso de la palabra con connotaciones y consecuencias bastante perjudiciales.

© Moment Joon. Todos los derechos reservados.

Rick & Morty, Aggretsuko, Lego… Hablas mucho de tus gustos en MIZARU KIKAZARU IWAZARU, ¿eh?

Claro, hombre, ¡me encanta jugar con LEGO!

Comentabas en la entrevista de block.fm que escribiste este tema tras hablar con Jinmenusagi debido a la influencia excesiva de los medios y las redes sociales y decirte él “pues no hagas caso e ignóralos”. Uno de los versos dice “en vez de hablar de subidas de impuestos, vamos a follar/ pero esto no va solo de sexo, el show de Japón en sí es lo más”, citando un tuit de la actriz de cine para adultos Kirara Asuka. ¿Crees que la gente en Japón está más preocupada del entretenimiento y de los programas de comedia y variedades que de cosas importantes y problemas serios?

Realmente, ¿que es lo importante para la gente? Como lo diría… Es cierto que la gente consume mucho entretenimiento, sí, pero esto no tiene que ser algo malo per se. En los años 60 hubo mucha gente que formó parte de movimientos de izquierdas en Japón y que participaron de forma activa en las protestas estudiantiles. Cuando todo esto se acabó, se pasaron al mundo del entretenimiento como mangakas o novelistas. Gracias a ello no solo crearon mundos aparte del que tenemos ahora en forma de fantasía y de ficción sino que además crearon su propio sentido de la justicia. Macross y Gundam son ejemplos de ello.

Por otra parte, como te decía antes, lo que yo hago también es entretenimiento y arte, con contenido mas profundo pero a fin de cuentas viene a ser entretenimiento y arte en forma de espectáculo. Ahora bien, si me dices que la gente presta demasiada atención a los medios sin pensar en problemas serios, en algunas ocasiones tengo esa impresión.

Seoul Doesn’t Know You es el único tema en el que hablas de tu ciudad natal y de tu país. Aun así, mencionas una serie de malas experiencias y recuerdos como puede ser, por ejemplo, el infierno de los exámenes para acceder al SKY, al trío de universidades más prestigiosas de Corea del Sur (Seoul National University, Korea University y Yonsei University). También dices que huiste de Corea del Sur para refugiarte en Japón en alguna ocasión. ¿Cómo de diferente es Japón de Corea del Sur para querer venir a vivir aquí?

Creo que Japón y Corea se parecen muchísimo, demasiado. Tienen bastante en común, si bien Japón tiene algo que Corea no tiene: en Japón, mientras no te salgas de un patrón determinado, te van a dejar vivir. Seas buraku, inmigrante, extranjero o lo que sea, sí, es cierto que te discriminan, pero todo el mundo tiene un lugar para vivir, tenga o no discriminación. Por eso en Japón hay tanta gente con aficiones consideradas extrañas, otakus. En Japón se busca más mantener las distancias y no meterse donde a uno no le llaman. Fue una de las razones por las que a los 19 años me fui de Corea para venir a Japón e incluso me supuso un choque cultural, ya que lo que esperaba que me dijesen por mis gustos y mis aficiones nadie me lo dijo.

Esto no es así en Corea, donde o comes o te comen. Es la ley de la jungla, una especie de capitalismo salvaje. Desde que entramos en la escuela nos mentalizamos a que los compañeros no son compañeros de clase sino enemigos. He visto a senpais (en japonés, compañeros mayores) pelearse y que uno dijera “te voy a crujir con mejores notas que tú”. Era algo exagerado. Creo que en este aspecto también influye mucho el hecho de que nuestros abuelos y padres en Corea sufrieron situaciones muy duras que inevitablemente condicionaron su forma de pensar cuando era un país completamente diferente. Corea no es el país en desarrollo que era; ahora es un país rico y próspero pero la mentalidad de la gente mayor ha ha influenciado de forma innegable cómo piensa y se comporta la gente joven coreana.

Algunos coreanos tienen también una costumbre un poco diferente: es más habitual el criticar y meterse con la gente de forma más directa, y esto se ve mucho en las cadenas de televisión de allí, algo que no es en absoluto frecuente en Japón.

La verdad es que no, pero no puedo evitar recordar los debates de política de cadenas como La Sexta e Intereconomía que se ven con frecuencia en España, en los que la gente sale gritándose y faltándose el respeto constantemente, o incluso programas de prensa rosa y reality shows.

Exacto. Por otra parte también hay coreanos que se sienten superiores a los japoneses, pero es algo a lo que no le encuentro el sentido.

Moment の居場所、どこ?(“¿Dónde está mi lugar?”) Creo que con esta frase (que me hace recordar a Mother Tongue cuando dices “I feel like I have no place that I can go” en ese corte) has definido perfectamente lo que le pasa a la gente que emigra a otro país en el que pueden tener pensamientos negativos y pensar que no pertenecen a él pero que cuando vuelven a su país notan que tampoco pertenecen allí. ¿Crees que esto es algo frecuente? Porque me recuerda mucho a Sugihara, el personaje de la novela GO, de Kazuki Kaneshiro, que no se sentía aceptado en Japón por ser zainichi y en Corea del Sur tampoco…

Éste es uno de los motivos por los que quiero que se me conozca como el 移民ラッパー (imin rapper, el rapero inmigrante). Me identifico con el término inmigrante porque es lo que somos mi novia Natasha y yo. También me gustaría que este término sirviera para crear un sentido de unidad entre todas las comunidades de inmigrantes que vivimos en Japón para poder cooperar entre nosotros.

Desde siempre han existido etiquetas y grupos que han diversificado a los inmigrantes, fuesen los nikkeis brasileños en los 90 o cualquier otra persona que viniese a estudiar o a trabajar y vivir en Japón. Pasa también en que muchos de los grupos de inmigrantes no se mezclan: los chinos tienden a estar con chinos, los coreanos con coreanos… Sin embargo, todas las comunidades pasan por experiencias comunes y sería muy enriquecedor que la gente tomase conciencia de este término y tuvieran cierta unidad en lugar de, simplemente, ser considerados extranjeros o gente de fuera.

Respecto a una de las cosas que comentas, lo he estado pensando durante un tiempo, hasta el punto de querer escribir un ensayo sobre el tema: ¿seré zainichi algún día? ¿Me reconocerán como tal? Ya he pasado aquí un tercio de mi vida y no tengo la experiencia de haber vivido en muchos países en el extranjero. Pienso que Japón es el lugar en el que quiero estar, aunque lo que realmente considero mi hogar son las conexiones y experiencias que tengo con la gente. Supongo que llegará el día en el que pueda decir que soy zainichi, sea dentro de 10, 20 o los años que sean.

Lo que no se es como se lo tomarán los verdaderos zainichi. Ellos nacieron en Japón y se han enfrentado a una existencia muy dura. Experiencias como la masacre de coreanos tras el Gran Terremoto de Kanto en 1923 bajo rumores infundados de que habían envenenado las aguas después del desastre así lo demuestran. Yo, sin embargo, vine a Japón por decisión propia y he tenido experiencias diferentes. De todos modos la pregunta está ahí: ¿podré ser zainichi?


Zainichi, 在日, signfica “que reside en Japón” y se refiere a los residentes coreanos que perdieron la nacionalidad japonesa tras perder Japón el territorio de Corea en la II Guerra Mundial, además de los hijos de coreanos nacidos en Japón que no poseen nacionalidad japonesa pero sí permiso de residencia. A diferencia de otros países, en Japón no existe el ius solis y sólo se puede considerar a una persona japonesa de nacimiento si al menos uno de sus padres tiene sangre japonesa. La comunidad zainichi ha sido objeto de discriminación durante muchos años y personajes como el ex-gobernador de Tokio Shintaro Ishihara o Makoto Sakurai, el líder del partido de derecha nacionalista Zaitokukai, han hecho de esta comunidad su objeto de odio y discriminación. La película パッチギ!(Pacchigi!), una comedia romántica con protagonistas zainichi ambientada en un Japón de los años 70, y la novela GO de Kazuki Kaneshiro, cuyo protagonista es un adolescente zainichi discriminado por sus orígenes, tocan esta temática.

DOUKUTSU, junto con Garçon in the Mirror, me parece uno de tus temas más personales. En la entrevista con HARDEST decías que tiendes a ser negativo y a encerrarte en casa sin que nadie te vea pero ¿cuánto hay de personaje y de persona en esto?

Pues justamente éste es el tema mas acertado en lo que a mí se refiere. Tuve una época de depresión constante, en la que no quería ver a nadie y me encerraba en casa a hartarme de patatas fritas. Esto pasó en repetidas ocasiones e incluso provocó que me desmayara un día en la calle porque no comía más que patatas fritas de bolsa. El médico me diagnosticó malnutrición y, tras ver mi estado, me dijo entonces que por que no regresaba a Corea, que ya fue la puntilla. Por fortuna, esta época forma parte del pasado.

En el tema, sin embargo, hay una parte en la que digo 鍵が開けっ放し 外は誰もなし, esto es, el candado no está echado y fuera no hay nadie. Realmente en aquella época yo no quería estar encerrado en mí mismo: lo que quería era que alguien viniese a rescatarme y me sacara de la cueva. Nadie vino a hacerlo. Y es que aprendí que en esas situaciones no puede venir nadie a sacarte y a ayudarte, sino que tienes que salir tu por tu propio pie.

En Garçon in the Mirror hablas de una parte infantil de ti mismo que no te gusta (de ahí lo de garçon en el nombre del álbum) cuando te miras al espejo en ese corte. Sin embargo luego aparecen varios personajes, entre ellos Subash y Tejun, dos chicos que asistieron a tus clases de rap en tu voluntariado en el instituto Osaka Fukui, de la ciudad de Ibaraki. Subash, un adolescente hijo de nepalíes en Japón, apareció este año en el programa バリバラ(Baribara) de NHK hablando sobre su vida como estudiante y decía que su aspiración era dedicarse al rap. ¿No es algo de lo que sentirse orgulloso, el cambiar las vidas de la gente a mejor? ¿No crees que también hace falta cuidar un poco al niño que llevamos dentro para cambiar nuestro mundo y mejorar las cosas en general?

En Garçon in the Mirror veo en el espejo lo que no me gusta de mí. Entre otras cosas, veo que tengo una faceta muy infantil pero que, a pesar de no ser de mi agrado, intento proteger porque es como soy. También recuerdo en la segunda estrofa a mi novia, a estos alumnos (que, por cierto, Subash quería ser rapero antes de conocerme) y todo esto me hace pensar mucho.

A pesar de que me gustaría tener mi propia familia algún día y me gustan los niños, creo que no podría hacerlo. Pienso que le tengo miedo a hacerme mayor y por eso trato de escapar, de evadirme de mis responsabilidades. Con la música no, por supuesto, ahí tengo una responsabilidad que es mía, pero con la gente es otra historia. No obstante, tengo gente a la que no puedo decepcionar, como pueden ser Subash y Tejun, y por ellos tengo que esforzarme.

Vídeo casero del programa Baribara, en donde se puede ver a Moment Joon con los estudiantes que participaron en el programa y que también asistieron a sus clases de rap.

En Hunting Season y en tu Diario de Inmigrante (移民日記) hablas sobre el trabajo en Japón (y del trabajo a tiempo completo en el caso de Natasha, tu novia). De nuevo aparecen frases estereotipadas como “¿cuándo te vuelves a tu país?”, “hablas muy bien japonés” o “si eres extranjero, compórtate como tal”. Hablas de las diferencias de salario entre lo que se paga a profesores occidentales y a asiáticos sólo por su aspecto o procedencia, sin importar el nivel de inglés que tengan. ¿Qué es lo peor que tu novia y tú os habéis encontrado en un trabajo en Japón?

La verdad, viendo mi situación (ya que he trabajado solo a tiempo parcial) y la de mi novia (que no está en la peor de las empresas, aunque sí que le hacen mucho hacer de gaijin en reuniones de negocios, etc.), nos han discriminado, sí, pero de una manera fácil de sobrellevar. A mi me han llamado chon a la cara, vale, pero fue algo muy directo y en un trabajo diferente al de profesor de idiomas. Ambos hemos tenido mucha suerte en comparación con los inmigrantes que vienen a Japón con el 技能実習制度 (el programa de capacitación de pasantes técnicos). A esta gente, generalmente inmigrantes de países y zonas en desarrollo en Asia, sí que les tratan como objetos de usar y tirar en Japón y tienen condiciones leoninas en su empleo.

No obstante, como profesor de ingles sí que me he encontrado con cosas que muestran, una vez mas, discriminación y falta de contacto con la realidad. He visto textos con palabras difíciles de entender para niños pequeños y, al sugerir a supervisores japoneses cambiar las palabras por otras más fáciles de entender, simplemente han hecho llegar la petición a los mandamases… ¡o no! Hay mucha gente en esa industria a la que no le gustan las opiniones o que se les cuestione lo que hacen o piensan, y menos si quien lo hace es un extranjero.


El programa de capacitación de pasantes técnicos (技能実習制度se estableció por primera vez en 1993 como un programa de prácticas para personas de países en desarrollo. El programa tendría como objetivo formar y educar a estas personas con habilidades técnicas y experiencia en diferentes ámbitos para poder hacer uso de ellas una vez regresaran a sus países de origen. Según el Ministerio de Justicia, China, Vietnam y Filipinas son los países que más pasantes han tenido en Japón. Este programa ha sido objeto de duras críticas por parte de organismos internacionales debido a las condiciones laborales abusivas de los pasantes, usados como mano de obra barata y tratados de forma discriminatoria, con horas extra no pagadas y salarios por debajo del mínimo legal.

Me recuerda a alguna experiencia que he tenido dando clase, donde tampoco me permitían hablar japonés con los niños aunque no entendieran nada y se echaran a llorar…

Es que es eso. A los extranjeros se les considera en la enseñanza como una especie de bufones. Siempre deben estar felices, con una sonrisa de oreja a oreja, para servir a los niños. Al mismo tiempo son casi como un ídolo pero, en el momento que hablan japonés, el mito se cae, aunque no hable de forma perfecta. No hablo un japonés perfecto, también me equivoco. Esto es algo que mucha gente se niega a aceptar. El hecho de tener que ceñirse a un patrón sin flexibilidad para poder salirse de él es muy difícil de sobrellevar…

Por otra parte, también te diré algo: lo que me saca (y me sacó de mi cueva) es la realidad tocando a la puerta. Hay que trabajar para vivir y por eso hago música, porque es mi trabajo.

En TENO HIRA haces una distinción clara entre el 日本語ラップ (rap japonés) y el hip hop japonés, cuando dices que si pudieras hablar con ECD le dirías que “este puto chon es precisamente hijo del hip hop japonés” y que los raperos tienden a esconderse en el pueblo del rap. ¿Tú crees que hay que considerar al rap japonés y al hip hop japonés como dos cosas distintas? ¿Crees que tu visión del hip hop se asemeja más a la de la cultura hip hop de Estados Unidos, más centrada en las injusticias y las dificultades de la vida de la clase obrera?

¡Si! Mucha gente piensa que tengo un problema con el rap japonés y que por eso hablo de hip hop japonés. Ahora está en todas partes y es algo popular pero hace unos 10 años el hip hop en Japón era underground. No estaba en los medios ni en todos lados. Ahora se podría decir que hay gente en la escena que, al igual que los blancos que se hicieron su propia “isla” en el hip hop yanqui con el boombap cuando ya existía, han hecho algo parecido.

El principal problema de todo esto viene derivado del rap japonés en si. El hip hop es algo mas, representa ese espíritu de querer cambiar las cosas a mejor y es por ello por lo que amo el hip hop. Pero en cuanto se pasa al rap, a la pose y a la imagen, esa esencia del hip hop se evapora. La gente no ve lo que es el hip hop de verdad, simplemente ve una imagen distorsionada de música de tíos duros. El hip hop es mucho mas que eso. Hay artistas que incluso desde los 90 en Japón han hecho temas y denunciado injusticias y problemas en algunos temas, pero al final siempre sale a relucir el rap japonés. Es por eso que he querido hacer este álbum con la idea de que represente el espíritu hip hop, aunque luego me digan que soy un tío raro.

Fotografía por © Kazuko Uemoto

TENO HIRA tiene como a uno de sus protagonistas a ECD, que falleció el 24 de enero de 2018. Para Joon éste fue un momento duro, ya que a pesar de que solo se vieron una vez en un concierto de Moment Joon en Tokio en 2014, fue un impulso lo suficientemente grande como para que ECD retomara su actividad en el hip hop japonés. Por ello el tema es un homenaje a su figura.

En los últimos años está aumentando el número de artistas de ascendencia extranjera en la escena o que han pasado un tiempo considerable viviendo fuera de Japón. AKLO, por ejemplo, tiene sangre mexicana y su infancia la pasó allí, en México. SEEDA también estuvo un tiempo largo en Inglaterra, Awich hizo lo mismo en Estados Unidos y últimamente han aparecido GREENKIDS, un grupo de chavales de Iwata entre los que se cuentan miembros que descienden de inmigrantes brasileños y peruanos. ¿Crees que con esta internacionalización de la escena se podrían conseguir cambios?

¡Lo que dices es cierto! Cada vez la escena es mas diversa y sí, creo que se puede cambiar Japón a través del hip hop. Eso es lo que me gusta del hip hop: que puede cambiar las cosas. También a Japón… bajo una condición: que los artistas se amparen bajo el mismo paraguas del hip hop.
Muchos artistas triunfan y hacen su vida gracias a la música, le dan un toque cosmopolita a la escena, si…pero muchas veces escucho sus letras y no me da la impresión de que realmente consigan un impacto lo suficientemente fuerte para lograr cambios. No hablan con la profundidad y la dureza de, por ejemplo, Kendrick Lamar o J. Cole. En la escena hip hop japonesa haría falta un Illmatic y unidad bajo el hip hop. El dia que eso pase se podrá decir que puede haber un cambio.

No obstante, te diré una cosa: no espero cambios drásticos en poco tiempo. Si yo quisiera eso lo último que debería haber hecho era meterme en el mundo de la música: ¡me tendría que haber metido a político o haber iniciado una revolución! (risas)

Te hemos escuchado rapear en japonés y en coreano, estás hablando conmigo en inglés, tu novia es rusa…¿Cuántos idiomas hablas? ¿También hablas ruso?


El ruso lo llevo así asa… Sé algunas cosas y palabras, cierto, pero realmente nunca me he puesto a aprenderlo en serio y me gustaría hacerlo. Fue mi propósito de año nuevo para este 2021: aprender ruso. De modo que lo intentaré, aunque ya veremos en qué queda.

En este momento hago algo que me hace sentir culpable, ya que cierro la entrevista de manera algo brusca. Me la cargo. El aficionado que tengo dentro se come al entrevistador y se la carga, mejor dicho. Le pido a Joon un favor. Le cuento cómo me he sentido después de sufrir un castigo discriminatorio por la psicosis de la dichosa enfermedad que trae al mundo de cabeza. Cómo ha cambiado mi percepción de sus temas en esta situación, cosas que no entendía y que ahora sí… y que su música me ha cambiado. Que antes no percibía tanto esas diferencias autoimpuestas por la sociedad y esa discriminación y culpabilidad y ahora sí. Mi deseo de que, por favor, hable de ello en algún tema, que ya no es sólo discriminación a extranjeros e inmigrantes sino a las personas en sí por cierta falta de humanidad. Creo que entiende lo que le quiero decir.

Han pasado casi 3 horas. Le doy las gracias repetidas veces, él hace lo mismo, le digo que ojalá nos podamos ver algún día en persona por Osaka y nos despedimos. Y una vez está todo hecho… la grabación de la entrevista sólo tiene imagen y no sonido. No es posible transcribir todo. Me siento mal y maldigo, pero escribo todo lo que puedo a toda velocidad, incluso con faltas de ortografía que posteriormente corregiré. Anoto retazos de la entrevista que me vienen a la mente en cualquier momento para intentar subsanar el error.

Y en todo este tiempo no dejo de escuchar Passport & Garçon, de cogerme el pasaporte que es el álbum y hacer el viaje de principio a fin… pero con un significado distinto. Porque, a pesar de que cada vez que lo escucho lo sigo haciendo con la ilusión de un niño, todo encaja. He aprendido de lo que me ha contado y enseñado. No puedo evitar pensar, entre otras cosas, que, como Joon dice, lo bonito de Japón no es el Sky Tree, sino gente como él que, con la música y sin pretenderlo como tal, consigue cambiar a otras personas. Y así lo deseo: que lo que Joon me ha contado sirva a quien esto lea.

SKY TREE JANAKUTE,

KIMI GA IRUKARA

NIHON HA UTSUKUSHII

Passport & Garçon -DX Edition
Tracklist

01. KIX/Limo
02. KACHITORU feat. Young Coco
03. IGUCHIDOU
04. KIMUCHI DE BINTA
05. Home/CHON feat. 蔡忠浩
06. Losing My Love feat. Hunger from GAGLE
07. MIZARU KIKAZARU IWAZARU
08. Seoul Doesn’t Know You feat. Justhis
09. DOUKUTSU feat. Gotch & Kiano Jones
10. Hunting Season
11. Garcon & Babae In The Mirror
12. TENO HIRA with Japan
13. Apocalypse
14. BAKA REMIX feat. Chinza Dopeness & AKKOGORILLA


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GROW UP UNDERGROUND RECORDS 

Llega a España el primer festival online exclusivo de cine japonés: Japanese Film Festival Plus

Texto: Fundación Japón

JFF Plus: Online Festival llega a España entre el 26 de febrero y el 7 de marzo de la mano de la Japan Foundation para que podamos disfrutar online y de forma gratuita de una selección de treinta películas japonesas de todos los géneros, de la animación al documental, pasando por la comedia, el thriller o el drama.

Organiza: JFF Plus, The Japan Foundation.
Con el apoyo de: Embajada del Japón en España, Consulado General del Japón en Barcelona, JNTO, Casa Asia, CineAsia.

Del 26 de febrero al 7 de marzo se celebra por primera vez en España, y en formato online, Japanese Film Festival Plus, un festival dedicado en exclusiva al cine de Japón que nos permitirá disfrutar desde casa y totalmente gratis de una gran selección del mejor cine japonés.

Treinta películas de todos los géneros y para todos los gustos con las que explorar el fascinante mundo del cine japonés. De la comedia al drama, del documental al thriller, pasando, por supuesto, por una importante representación de la mejor animación japonesa, durante diez días podremos atender a tres estrenos por jornada o ver esas tres películas durante las 24 horas siguientes en el horario que más nos convenga. Una ocasión única de ver una serie de largometrajes y cortometrajes, muchos de ellos inéditos en España, con el mejor sonido y la mejor calidad de imagen y en versión original en japonés subtitulada en español.

Fácil y gratuito


Todo el Festival lo podremos disfrutar de forma completamente gratuita y fácilmente accesible a través de la plataforma online que JFF Plus ha creado para la ocasión. Tan solo será necesario registrarse creando una cuenta que dará acceso al visionado de todas las películas del JFF Plus: Online Festival durante los diez días de su duración. No esperes más para date de alta indicando tan solo un nombre de usuario, una dirección de correo electrónico y una contraseña.


Fechas: Del 26 de febrero al 7 de marzo de 2021.


Horarios de proyección:
Cada una de las treinta películas estará disponible para ser
vista online durante 24 horas desde su fecha y hora de estreno en JFF Plus: Online
Festival.


Acceso: Visionado gratuito previo registro. Información en español sobre el festival,
títulos incluidos, horarios de proyección y cómo registrarse y ver las películas
gratuitamente en http://www.fundacionjapon.es/jffplus.

Películas, fechas y horas de estreno

Viernes, 26 de febrero de 2021 

9:00h: Project Dreams – How to Build Mazinger Z’s Hangar (Tsutomu HANABUSA,  2020) Drama. 

11:00h: Stolen Identity (Hideo NAKATA, 2018) Misterio, Thriller. 

13:00h: Takeshi Yashiro Stop Motion Animation: GON, THE LITTLE FOX (Takeshi  YASHIRO, 2019) Animación (Cortometraje). 

Sábado, 27 de febrero de 2021 

9:00h: DANCE WITH ME (Shinobu YAGUCHI, 2019) Comedia musical 11:00h: Key Of Life (Kenji UCHIDA, 2013) Comedia 

13:00h: Takeshi Yashiro Stop Motion Animation: NORMAN THE SNOWMAN-The  Northern Light- (Takeshi YASHIRO, 2013) Animación (Cortometraje) 

Domingo, 28 de febrero de 2021 

9:00h: Café Funiculi Funicula (Ayuko TSUKAHARA, 2018) Drama, Fantasía 11:00h: One Night (Kazuya SHIRAISHI, 2019) Drama 

13:00h: Production I.G Short Animation: Drawer Hobs (Kazuchika KISE, 2011)  Animación (Cortometraje) 

Lunes, 1 de marzo de 2021 

9:00h: El sabor del té verde con arroz (Yasujiro OZU, 1967) Clásico

11:00h: Tremble All You Want (Akiko OHKU, 2017) Drama, Comedia

13:00h: Production I.G Short Animation: KICK-HEART (Masaaki YUASA, 2013)  Animación (Cortometraje)  

Martes, 2 de marzo de 2021 

9:00h: RAILWAYS (Yoshinari NISHIKORI, 2012) Drama 

11:00h: A Story of Yonosuke (Shuichi OKITA, 2013) Drama 

13:00h: Takeshi Yashiro Stop Motion Animation: NORMAN THE SNOWMAN-On a  Night of Shooting Stars- (Takeshi YASHIRO, 2016) Animación (Cortometraje) 

Miércoles, 3 de marzo de 2021 

9:00h: Peace (Kazuhiro SODA, 2010) Documental 

11:00h: 0.5mm (Momoko ANDO, 2014) Drama 

13:00h: Production I.G Short Animation: PIGTAILS (Yoshimi ITAZU, 2015) Animación  (Cortometraje)

Jueves, 4 de marzo de 2021 

9:00h: Project Dreams – How to Build Mazinger Z’s Hangar (Tsutomu HANABUSA,  2020) Drama. 

11:00h: Stolen Identity (Hideo NAKATA, 2018) Misterio, Thriller. 

13:00h: Takeshi Yashiro Stop Motion Animation: GON, THE LITTLE FOX (Takeshi  YASHIRO, 2019) Animación (Cortometraje).

Viernes, 5 de marzo de 2021 

9:00h: Ecotherapy Getaway Holiday (Shuichi OKITA, 2014) Drama 

11:00h: Production I.G Animation: Tokyo Marble Chocolate (Naoyoshi SHIOTANI, 2007)  Animación 

13:00h: Our 30-Minute Sessions (Kentaro HAGIWARA, 2020) Romance 

Sábado, 6 de marzo de 2021 

9:00h: TSUKIJI WONDERLAND (Naotaro ENDO, 2016) Documental 

11:00h: The Great Passage (Yuya ISHII, 2013) Drama, Romance 

13:00h: Production I.G Short Animation: Li’l Spider Girl (Toshihisa KAIYA, 2012)  Animación (Cortometraje) 

Domingo, 7 de marzo de 2021 

9:00h: Lady Maiko (Masayuki SUO, 2014) Comedia musical 

11:00h: Little Nights, Little Love (Rikiya IMAIZUMI, 2019) Drama, Romance

13:00h: Production I.G Short Animation: The Girl from the Other Side (Yutaro KUBO y Satomi MAIYA, 2019) Animación (Cortometraje) 

Más info en: http://www.fundacionjapon.es/jffplus

Tamanaramen: ángeles y carnets falsos en los clubes underground de Tokio [Entrevista]

por Noa Cid

Los magnéticos susurros de la música de Tamanaramen hipnotizan en los conciertos y raves de la escena underground de Tokio. Esta artista, nacida en 2001 en la ciudad, lleva publicando música desde 2018. El pasado 2020 fue su año más prolífico hasta ahora, con los lanzamientos de su tercer, cuarto y quinto EP —“Mabatake”, “Sour cream” y “Future”—, además del single “Sennyo” en colaboración con el artista estadounidense ZAH. 

En enero de 2021 publicó también un nuevo single, “Fake ID”, acompañado de un vídeo dirigido por su hermana, la artista visual Hana Watanabe. Desde el principio, Hana ha dotado al proyecto Tamanaramen de una entidad visual única en perfecta sintonía con su música. Tanto es así que ambas han decidido que Tamanaramen será a partir de ahora un proyecto conformado por ambas, en el que música e imagen siempre irán unidas. 

Portada de “Future”, el quinto EP de Tamanaramen, publicado en octubre de 2020. Artwork por Hana Watanabe.

Tamanaramen ha colaborado en las emisoras de radio online NTS y HKCR. Su música ha sido incluida en listas de reproducción de influencia internacional como “XL Play” del sello inglés XL Recordings, o la selección semanal de la revista i-D.  

Conocí la música de Tamanaramen poco después de mudarme a Tokio, y rápidamente se convirtió en mi artista favorita. Después de casi un año siguiendo de cerca su trabajo y el de su hermana, su música, sus directos y sus vídeos, acabé haciéndome buena amiga de ambas. Animada por hacer que el público español conozca y se enamore de Tamanaramen tanto como yo, les envié estas preguntas. 

Tamanaramen “Twitch pixie” por Hana Watanabe.

¿Cómo empezó el proyecto Tamanaramen? ¿Y de dónde surgió este nombre tan especial?

El nombre surgió a través del teclado predictivo [el que convierte hiragana en kanji al escribir en japonés] cuando creé mi cuenta de Twitter y me pareció apropiado. 

Comencé a hacer música porque quería recordar y grabar los eventos triviales y la atmósfera de la vida cotidiana. Desde el inicio, mi hermana Hana trabajó en el proyecto creando los artworks e imágenes. A partir de este año 2021, consideramos Tamanaramen como un proyecto de dos personas. Mi hermana y yo trabajaremos entendiendo sonido y vídeo como una unidad. 

En una ocasión leí que se referían a tu música como “ambient pop”. ¿Crees que es una definición adecuada? ¿Cómo defines tu música, qué géneros la inspiran? 

¡No sabía que mi música se considera “ambient pop” (risas)! Pero puede ser cierto. Mi género musical favorito es el ambient, y me han influido el techno, el house y el trap.

Tamanaramen actuando en la rave PURE2000 del colectivo SPEED en Kawasaki. Foto por © Noa Cid

Tus letras, que combinan frases en inglés y en japonés, son muy variadas: hay ángeles, hay fiestas, hay lugares evocadores. ¿Qué mensajes quiere transmitir al mundo Tamanaramen?

Lo que hacemos se centra en algo muy personal. No es un diario, pero se acerca a ese concepto. Por eso, me hace feliz que la persona que está escuchando pueda captar y conectar efímeramente con esos momentos.

Dime tres canciones de otros artistas o bandas que te gustaría haber creado tú.

“I’m Not In love” de 10cc, “Licking An Orchid” de Yves Tumor y “All The Things She Said” de t.A.T.u. 

Has colaborado ya con varios productores, como CVN o LSTNGT, y artistas como ZAH. ¿Con qué otros artistas, mainstream o underground, te encantaría colaborar alguna vez?

Me gustaría hacer una canción con Hikaru Utada.

Directo de Tamanaramen en la sala SPREAD en Shimokitazawa, Tokio, en octubre de 2020. Foto por © Noa Cid

En tiempos de pandemia, muchos conciertos y fiestas se están haciendo online, ya sea con restransmisiones en streaming o en espacios virtuales. ¿Cómo ves tú los conciertos del futuro? 

Creo que los eventos online serán más variados. Me pregunto por ejemplo si se popularizará la realidad virtual para este uso… ¡Pero yo quiero usar mi cuerpo y compartir espacio con otros a través de la música! 

¿Cuál es esa canción o disco que siempre escuchas cuando quieres sentirte bien? 

El mix de Salem de “I’ll Fly With You” y “Lifted” de Palmistry. 

Tamanaramen en concierto en la sala LIQUIDROOM en Ebisu, Tokio, en noviembre de 2020. Foto por © Noa Cid

¿Cuál es la música que más has escuchado en lo que llevamos de 2021? ¿Y cuál es el artista o banda de Japón que más te gusta actualmente?

He estado escuchando la música de Hideki Umezawa, él es mi favorito actualmente.  

Escucha a Tamanaramen en Spotify, Apple Music o SoundCloud.

Mira los vídeos de Tamanaramen en YouTube.

Sigue a Tamanaramen en Instagram o Twitter.

Sigue a Hana Watanabe en Instagram.

‘Japón en su Historia’ de la editorial Satori es la next-gen de los libros de historia japonesa

¿Por qué Japón en su Historia de la editorial Satori es la next-gen de los libros de historia japonesa?

Antes de nada. Este post va sobre un libro que cuenta TODA la historia de Japón. Se titula Japón en su Historia: De los primeros pobladores a la era Reiwa y lo edita Satori. Sus autores son Andrés Pérez Riobó y Gonzalo San Emeterio Cabañes. Ambos gallegos. Ambos doctores expertos en Estudios Japoneses. El formato es rústico con sus solapas. Tiene 528 páginas pero las dos primeras y las dos últimas están en blanco. Así que 524 páginas. Eso pasa en todos libros. No os rayéis. Cuesta 30 euros y era difícil pedir menos. Una obra esencial y recomendada tanto para quienes le interese introducirse en la historia y sociedad de Japón, como para aquellos ya más conocedores que quieran profundizar y contar con el manual de cabecera más completo que puede encontrarse en castellano.

Es una obra esencial para todo interesado por Japón. Podéis consultar su ficha y comprarlo haciendo click aquí.

“¿Japonismo qué es?” Te habrán preguntado. Me habrán preguntado. “¿Qué te gusta Japón?” Sí, podría ser eso, aunque ni de lejos es algo tan simple ni tan nuevo. Pero… va, tomémoslo por un sí. Japonismo es que te gusta Japón. Te dediques o no a aprender/investigar sobre el país. Abracemos esa idea hasta estrangularla y saquemos conclusiones precipitadas.

Me refiero a qué supone ser japonista (cringe intensifies). Qué supone ser japonista más allá de leer cada día sacadas de chorra en Twitter sobre cuánto sabe x supuesto estudioso sobre los kanzashi de las geishas. Más allá de enhebrar hilos sobre el cine de Ozu o Mizoguchi que la peña termina leyendo a medio gas. Porque, repámpanos, es imposible contar con la suficiente capacidad de concentración para recorrer tales distancias en Twitter sin distraerte con cualquier otra movida. Qué es ser japonista más allá de las deliciosas proclamaciones de expertólogos en todología sobre el valor del refinamiento de la tsuba de la katana que portaba el primo segundo de Toyotomi Hideyoshi (kokoro kara, gracias por traernos tanto). ¿La chavalería neotrapwavera que desde sus applicados teléfonos móviles collagean recortes manganime y los combinan con las músicas de la España más cañí también son japonistas? DEP oldschool otakus. También lo serían aquellos sabios influencers que dicen que el mejor yakitori del mundo es uno que se ha comido hoy en Omoide-pontocho (o el de un local secreto que han visitado en Google Maps). O aquellos otros que practican el techno bailoteo en una oscura esquina de la Liquidroom en Ebisu. Quizás ser japonista es disfrutar de esos locos del junk, cuyas cacerías de retro entretenimiento en tierras inhóspitas son lo mejor y a su vez el culmen del voyeurismo implícito en el consumo de videoblogs (#metaconsumo) ¡Oh señor Frodo, esto es lo más lejos que he estado nunca de Akihabara! También están los fotógrafos que… hacen fotos o la fresh peñita que no se hace un tokyo club tour si no lleva la suficiente batería en el móvil como para documentarlo todo en sus Instagram Stories (#postureo). Ojo, que estas pequeñas piezas audiovisuales están mejor rodadas que cualquier intento actual de cinema verité formulesco preparado para consumir en Amazon Prime Video (#publicidad).

Para mí, ser japonista es saber que las punticas de las pagodas se llaman sōrin. Tener instalado ese conocimiento concreto, esa parcela específica de la arquitectura monumental religiosa y asíatica. Estar en posesión de ese conocimiento, sin la previa consulta bibliográfica o el ya clásico fast check roguelikesco hecho de tapadillo bajo la mesa. Para mí, eso es ser japonista. Eso es lo que yo entiendo por que te guste Japón. Así que tú elige lo que te gusta, elige tu definición y deja de dar la brasa a los demás.

De hecho, el ser japonista fue lo que me ayudo a decidirme a convertirme en japonólogo y ya no sé realmente si me gusta Japón o no me gusta (sí que me gusta)… o qué es una cosa y cuál es la otra. Lo que tengo claro es que me interesa. Quizás ser japonólogo es ser todas o alguna de las paridas que he soltado antes a la vez y que no son más que un retrato muy desafortunado y prejuicioso de otras personas a las que en realidad sigo, por que las envidio, admiro o me dan pereza y soy masoquista.

No sé.

Me identifico un poco con todos (en realidad no). Así que, si tú también lo haces, deberías estar leyendo Japón en su Historia… o al menos consultándolo de vez en cuando. Porque es la biblia que necesitábamos en las tiendas de nuestro país y la que asienta un trasfondo y un bagaje cultural que justifica el tatuaje de Naruto que te hiciste aquel verano y la camiseta de estampado ukiyo-e que te pillaste rebajada en Uniqlo. Es aquella biblia que unifica a estos distintos pueblos japonistas y japonólogos. Minamotos, Tairas y Fujiwaras que de haber podido disfrutar de esta publicación (ojo Nolan) se hubiesen dado menos hostias con las yaris y que incluso hubiesen esquivado más de un flechazo por la espalda en las Guerras Nanbokucho (ojo, team Go-Daigo. ¿Quién más?¿Quién choca? Vaya…).

No sé.


No sé, pero cuando me propuse convertirme en “conocedor” de la cultura japonesa, su historia era uno de los desafíos más importantes a los que me tuve que enfrentar. Sorpresa. El libro que usábamos en nuestra carrera era infumable. No lo era por su contenido. Era rico en datos, seguía un orden y estructura lógica, pero no era un libro fácil, ni didáctico, ni apacible (tamaño de la fuente 6, interlineado 0.1). Con Japón en su Historia esto no pasa.

Sea como sea, esta publicación te interesa y aquí te contamos un poco el porqué en una review alocada y posmoderna cuyos epígrafes no tienen ningún sentido entre sí. Como esta web. ¿Dónde quedaron las reviews viejunas…? Bueno, en realidad son unas impresiones. Es complicado hacer una reseña de un libro de historia.

Sabor

Hemos lamido el libro. El sabor está bastante bastante bien. Mil veces más sabroso que Wikipedia. Un millón de veces más exquisito que otras publicaciones con las que comparte la empresa de sintetizar la historia de un país tan complejo como Japón. Sabe a “mucho texto” y a mucha ilustración para un libro que, juzgando por su grosor, no esperarías poder comprar por solo 30 euros. Es todo aminoácido y ácido glutámico, osea muy umami.

Textura

Muy bien. El papel es agradable. No es satinado. Gracias. Satinado dame. Eso mal. Este papel bien. Te quieres quedar.

Gráficos

Como decíamos, mucha foto. Y esto no puede ser visto de otra forma que como una muy buena noticia. No sabéis cuánto se agradece. Debería haber sido inimaginable haber leído sobre el periodo Heian, por decir uno, donde esos niveles de sofisticación que Japón alcanzó en lo social, en lo literario, en lo artístico y en tó, se entienden peor sin imágenes que respaldan al texto. El arte y la historia del arte, están presentes durante toda la obra y no olvida en ningún momento su relevancia durante el desarrollo de sus capítulos, que cuentan con muchas cesiones de museos, galerías y archivos de todo el mundo.

Nivel de detalle

Más que aceptable. A menudo los autores salpican el texto con secciones apartadas que profundizan en temas concretos. Por razones obvias se trata de una publicación que ha de ser generalista con muchos asuntos, pero en la obra abundan pequeños apartados incrustrados en sus páginas que funcionan como pequeñas dósis informativas que vienen a ampliar la información y los temas sobre los que versan los capítulos. La bibliografía de la que bebe la obra es obviamente muy útil y está presentada de forma muy clara. Del mismo modo son muy útiles y están muy guapos todos esos listados con emperadores, gobernantes, periodos de la historia japonesa y el índice alfabético que se han currado sus autores y han incluido en el apéndice de este Japón en su Historia. De aplaudir.

Jugabilidad

Muy top. La introducción a las cuatro partes es rápida y ágil teniendo en cuenta todo lo que nos van a contar a continuación. Estas partes se presentan en textos cortos introductorios enmarcados en círculos. Los autores prometen sintetizar esa parte con tan solo lo que quepa ahí. Lo dicho, su lectura sirve para saber de qué va la cosa de una forma bastante bien elegida y efectiva. Las cuatro partes abarcan: Los albores de la civilización japonesa, La edad clásica, El gobierno de la clase militar y, por último, La edad contemporánea. Aún así quizás hubiésemos optado por una división menos temática y estructurada por periodos en lo que respecta a los distintos capítulos que integran esas partes. En nuestra humilde opinión lo hubiese hecho todavía más intuitivo. Pero vamos, que sin esto funciona a la perfección y la progresión hacía nuestros días según avanza la obra es clara. Y es que el índice no abruma e invita a entrar en la obra, por lo que no podemos considerarlo otra cosa que un acierto. Bocato di… imperatore.

Sistema operativo

Lo último de lo último. Como bien reza el subtítulo de la obra. El recorrido llega hasta Reiwa, periodo de la historia japonesa en el que nos encontramos desde el año pasado. La obra de Andrés y Gonzalo está tan actualizada que hasta se menciona la pandemia del covid-19 que estamos viviendo ahora. No es broma y tiene su mérito en un compendio de esta envergadura.

Conclusión, si bien apresurada, rotunda

Joder, ojalá haber podido contar con esto durante la carrera. No podemos recomendar Japón en su Historia de manera objetiva. Son 528 páginas como 528 haniwas enterradas junto a un emperador tochísimo.

Te gustará si: Te pareció bien el final del periodo Tokugawa y la apertura de Japón (tanto en lo social como en lo político es la práctica más sana, admítelo), si has conseguido el platino en Ghost of Tsushima o si perdiste la vista intentando leer su homólogo El imperio japonés (1973) de John Withney Hall. Te gustará con poco que te interese Japón y te gustará si ya lo sabes todo del país (flipao).

No te gustara si: Si no tienes 30 euros. Pero si finalmente los consigues, (recuerda que el uso del ninjutsu podría conllevar consecuencias legales y/o penales), tienes buena lectura para rato y una magnífica obra de consulta que adorarás tener a mano en tu biblioteca. Abierta y sinceramente, lo mejor que puedes pedirle a los reyesu magosu o a otros seres fantásticos que sean más de tu predilección. Tampoco te gustará si te gusta más YouTube que leer.

Gracias a Satori y a los autores. Sois unos máquinas, cracks, titanes, samuráis.

Descubre todo el catálogo de Satori, editorial especializada en cultura y literatura japonesa, en satoriediciones.com

Hablamos con Makoto Nagahisa, director del film We Are Little Zombies

Makoto Nagahisa (1984) no solo es un gran director novel, con mucha proyección y futuro, sino que también estamos convencidos de que es uno de los directores más cool y oshares de Japón… y que además es al que mejor le sientan un buen par de coletas. Para muestra, una foto. Antes de llegar al cine ha pasado por el mundo de la publicidad y videoclips (¡incluso con las CHAI!) como realizador y director de arte, es compositor de música chiptune, le apasiona la fotografía e incluso le sobra tiempo para ser padre de dos criaturas. Todo esto con solo 36 años.

Hay que reconocer que estamos hablando aquí de Makoto Nagahisa gracias al éxito de su primer largometraje We Are Little Zombies, pero este director ya venía de ganar el Gran Premio del Jurado en el Sundance Film Festival de 2017 con el cortometraje, basado en ciertos hechos reales acaecidos en Saitama, And So We Put A Fish In The Pool (2016).

We Are Little Zombies es algo así como una orquestada orgía electrónica y nostálgica, muy pensada y minuciosa, donde ningún recurso estético ni narrativo es aleatorio ni accidental. Además, el marketing y carcasa exterior del largometraje esta dispuesto para que bajemos la guardia pensando que venimos a ver otra cosa. Y no lo hace en vano. Cuando ya nos tiene abajo, el producto estaca de manera muy efectiva nuestros corazones, y lo hace con altas dosis de una realidad que además de ser cruda y visceral, se presenta de manera inesperada. Cuatro adolescentes de trece años, sin padres ni futuro, deciden que el mundo es una mierda pero que hay que hacer una banda de música. El problema es que ellos ya no sienten nada. Han sufrido tanto que han perdido hasta la capacidad de sufrir. ¡Pero es que la música es alegoría de la esperanza! ¡Mientras haya música habrá vida! Hikari, Ikuko, Ishi y Takemura, los cuatro protagonistas de este We Are Little Zombies del director Nagahisa se fabrican instrumentos con componentes reciclados y basura, en lo que es una clara metáfora de sus vida, y lo petan con su actitud punk y desenfadada. El resto de la peli, y si recuperan o no la capacidad de sentir, lo descubriréis vosotros cuando esté disponible en España. Por cierto, el largometraje recibió el Premio Especial del Jurado en el Sundance 2019 y su protagonista Keita Ninomiya fue elegido mejor actor en el Festival BACIFI de Buenos Aires. Puede ver en algunos cines virtuales. ¡Os dejamos enlaces al final de la entrevista!

Cartel del largometraje We Are Little Zombies (2019. dir. Makoto Nagahisa)
Trailer del largometraje We Are Little Zombies (2019. dir. Makoto Nagahisa)

La típica pregunta pero reducida al mínimo: ¿cuál es el director japonés que más dirías que te ha influenciado? ¿y la película? ¿y del cine independiente japonés?

Makoto Nagahisa: Mis mayores influencias vienen de un grupo de directores independientes de los años 60, 70 y 80. Se hacían llamar ATG (Art Theatre Guild) y entre sus miembros podías encontrar nombres tan importantes como Nagisa Oshima, Kazuhiko Hasegawa o Shinji Somai. Además de ellos, diría que el celebérrimo Takeshi Kitano y Hideaki Anno, creador de Evangelion, también me han marcado muchísimo. En cuanto a pelis… Muchísimas.

¿De qué rincón de tu cabeza nace la idea de hacer We Are Little Zombies? ¿De dónde viene la inspiración para crear a los cuatro protagonistas y sus historias?

MN: Quería crear una historia que diese esperanza a los adolescentes. La idea surgió en un momento en el que no hacía más que toparme con noticias en la prensa que hablaban sobre adolescentes que cometían suicidio. Sentí que tenía que hacer algo por ellos. Para completar la temática, decidí partir de la base de mis experiencias de niño, expandir mi infancia y adolescencia para crear una historia y contarla a través de los cuatro protagonistas.

¿Por qué ese enfoque en la figura de los niños y adolescentes? ¿Cómo fue tu infancia y qué elementos de tu pasado te han marcado? ¿Hay mucho de tu infancia en el cine que haces?

MN: La forma de sentir y entender la vida que tiene Hikari, el protagonista, es exactamente como la que yo tenía de pequeño. El acoso escolar, la ausencia de padres o la soledad fueron elementos que estuvieron presentes durante mi niñez. Los sentimientos que producen estas situaciones también acompañan a los cuatro personajes de la película. Cada uno de ellos ha experimentado, de una forma u otra, este tipo de vivencias.

Además, tengo dos hijos. A medida que los he ido criando me he podido dar cuenta de cómo los niños tienen mayor capacidad de observación, reflexión e imaginación. Es algo que quiero transmitir en mis películas. Poner en valor esta sensibilidad tan especial que tienen y así protegerla como un bien preciado.

© Makoto Nagahisa sosteniendo la Mención Especial para We Are Little Zombies durante el 69 Berlin Internatonal Film Festival.

¡Hiciste la BSO para We Are Little Zombies!

MN: Sí, aunque hay que mencionar que la banda sonora de We Are Little Zombies la hice junto con Love Spread, un dúo japonés con base en Brooklyn que me encanta. Tenéis que escucharlos.

La banda de “Post J-POP/Bipolar Bitcore” Love Spread está conformada por Ryota y Narumi

La metáfora por la cual las vidas en los videojuegos funcionan como una metáfora de que en la vida tenemos más de una oportunidad para romper con todo y volver a empezar… nos ha parecido sencillamente brillante. Dicha metáfora se hace aún más evidente al final de We Are Little Zombies. Un final que te deja sin aliento. También es curioso que esto, de alguna forma, entra en consonancia con una visión budista de la vida y la reencarnación que no existe en Occidente. ¿Cómo de importante crees que son los videojuegos para los japoneses? ¿Y para ti?

MN: Creo que los videojuegos son muy importantes para muchísimos japoneses y, por supuesto, para mí. Géneros como el RPG y títulos como Dragon Quest o Final Fantasy, con un enfoque muy claro y potente en la narrativa, han sido tutores y dado importantes lecciones de vida a muchas personas.
Muy bien visto por vuestra parte el paralelismo con el budismo. Hay conceptos budistas que me atraen mucho y que de alguna forma he puesto en la película… El acto de renunciar, abandonar, pero aún así mantenerse positivo y optimista.

No solo en el sonido, empleas la estética y narrativa de los videojuegos RPG como vehículo para mover la trama de We Are Little Zombies de forma muy abierta y evidente. ¿Cuál es tu J-RPG favorito?

MN: Mis RPGs japoneses favoritos son Live A Live (1994, Squaresoft), EarthBound (1994, Ape y HAL Laboratory) y las sagas Final Fantasy (Squaresoft) y Dragon Quest (Enix).

El chiptune y los videojuegos son tan importantes en el universo que presenta el film que la edición Blue-ray lanzada en Japón tiene el aspecto de la Game Boy del protagonista

Más allá del mundo del cine, la música y los videojuegos, ¿qué otras artes o disciplinas te interesan?

MN: Estoy preparando la dirección de dos obras de teatro, una para el próximo septiembre y otra en abril de 2021. Además estoy trabajando en un proyecto de animación. Me gustaría también trabajar en algún tipo de evento performativo basado en la experiencia. Mi intención es la de expandir cada vez más el número de áreas de expresión artística que trabajo, de forma que las haga crecer individualmente pero también se alimenten las unas a las otras.

La animación pixel art de la intro es impresionante. ¿Quién está detrás de esto?

MN: Auné esfuerzos con el artista Kazuki Takakura, un pixel artist japonés realmente talentoso. Recomiendo echar un vistazo a su web e Instagram.

El pixel art, presente en muchos elementos de la película, es obra del artista Kazuki Takakura.

¿Has metido alguna vez a un “goldfish” en una piscina? Di la verdad, hahaha. El kingyou, el pez luchador, ¿qué simbolismo se esconde en la figura de los peces?

MN: ¡Nunca he metido uno de estos pececillos en una piscina, jajajaja! Aunque alguna vez se me ha pasado por la cabeza. (Quizás todos los japoneses han querido hacerlo alguna vez).
El kingyo, la carpa dorada, es un símbolo de lo ordinario y corriente de nuestra existencia. Yo lo he usado como metáfora de un estrés que necesita ser paliado, expulsado y calmado… La necesidad de salir de la pecera.
Cuando aparece el precioso pez betta (o pez luchador) la metáfora que quiero expresar es básicamente la misma que con el kingyo, pero añadiendo el componente de la soledad.

Frame del corto And So We Put A Fish In The Pool (2016, dir. Makoto Nagahisa)
Trailer de And So We Put A Fish In The Pool (2016). El cortometraje puede verse completo aquí.

La polémica, los tabúes. Pones de manifiesto muchos asuntos tan delicados como habituales como lo son el suicidio, los traumas infantiles, la orfandad, la depresión… ¿Has recibido críticas por ello? ¿Cómo crees que el público japonés se enfrenta a ser expuestos ante tales temas?

MN: Como en otros países desarrollados, en Japón, el suicidio o la depresión son bastante frecuentes, así que no diría que a estas alturas fueran temas demasiado tabú. En realidad, escuchamos y leemos sobre estas cosas todo el rato en las noticias, casi sin ningún tipo de aprensión. La verdad es que me sorprendió lo delicados e incómodos que pueden llegar a ser estos temas cuando los presentas al público occidental.

En ambas producciones, de una forma u otra, retratas la sociedad japonesa desde tu visión particular y con atención al mundo más joven, lo cual es sin duda una temática universal, sin embargo, ¿te gustaría rodar alguna vez fuera de Japón?

MN: Sí, sería genial poder hacer películas fuera. Mi perspectiva es que es bastante difícil producir películas artísticas aquí en en Japón. (Fue un milagro que consiguiéramos arreglárnoslas para terminar We Are Little Zombies)

Queremos más películas de Makoto Nagahisa… y más música. ¿Estás trabajando en algún proyecto actualmente? ¿Cómo has vivido estos días de la crisis del coronavirus?

MN: He aprovechado para trabajar en muchos scripts durante esta pandemia del covid-19. También fue una buena oportunidad para reflexionar sobre mí, sobre mi familia y sobre lo que estaba pasando en el mundo. Por lo que puede decirse que la situación me ha servido de inspiración. De hecho, la obra de teatro que está prevista para septiembre narra una historia sobre personas que deciden confinarse juntos en una sala de conciertos durante la pandemia del covid-19.
Quiero continuar por este camino de crear y contar historias que miren directamente a nuestra sociedad y sean universales y reflejo de la misma.

¡Gracias a Makoto Nagahisa y Sandra Berghianu por la entrevista! No dudéis en seguir a Makoto Nagahisa a través de su Twitter y web.

VISIONADO ONLINE: littlezombies.oscilloscope.net

EXTRA: Libro de colorear online de We Are Little Zombies.

Curso online ‘Arte Contemporáneo de Asia Oriental: mujer, poder e identidad’ – Universidad de Zaragoza

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¿En qué consiste?

En este curso abordaremos una visión panorámica sobre el arte contemporáneo de varios países de Asia Oriental (China, Japón, Corea, Vietnam, Indonesia, Tailandia…), desde sus primeros encuentros con la modernidad hasta la actualidad, donde ocupa un lugar singular dentro los mercados y sistemas artísticos globales. Este curso, pionero en su campo, explora las diferentes manifestaciones, movimientos y contextos artísticos de algunas regiones de Asia, y se centra en visibilizar la figura de la mujer (artista, coleccionista, modelo, etc.). En esta edición, nos centraremos en los ámbitos de identidad, representación y poder.

¿A quién va dirigido? ¿Qué necesito para participar?

A lo largo de varios días, realizaremos una serie de conferencias temáticas, en las que se proyectarán un gran número de imágenes y vídeos que permitan completar las explicaciones, así como varias actividades prácticas. El curso se realizará online, mediante diversas plataformas de acceso gratuito (el inscrito debe disponer de conexión a internet y de un equipo (recomendado, ordenador o tablet). Se proporcionarán los códigos de acceso a las plataformas para las sesiones y los materiales una vez formalizada la matrícula. Si las condiciones sanitarias y de seguridad lo permitieran, se establecerá una modalidad semipresencial en Zaragoza. Por su estructura y planteamiento, el curso está dirigido a todo el público interesado en la materia, tenga, o no, formación específica.

¿Cómo me inscribo?

¡Haciendo click aquí!

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Información y texto cedidos por Alejandra Rodríguez Cunchillos.

Obra de la portada: Kobayakawa Kiyoshi 

El fotógrafo Víctor Alonso. Aventura desde el Tokyo nocturno al Japón vacío

Víctor Alonso es un chico de Valladolid al que le flipa la fotografía y Japón. Se le da tan bien que exclamar un simple eeeee kakkoiiiii se quedaría corto al ver una de sus fotos. Comenzó estudios de informática que terminaría abandonando para dedicarse al arte de la fotografía a los 21 años y más tarde crear su propia empresa de publicidad. Su formación autodidacta en este arte le ha valido para ganar premios de fotografía, viajar por el mundo y realizar exposiciones en distintos países. De pequeño siempre soñó con ir a Akihabara. Pasó su infancia deambulando por el Mercado del Muro, en una Valladolid que parecía Midgar, y todas estas influencias de los videojuegos, y el anime, las plasmó en su popular exposición Tokyo Nights. En su primer viaje a Japón puso a prueba la capacidad fotográfica (y de almacenamiento) de su iPhone y de alguna forma se inició en la street photography. Desde que comenzara a interesarse en fotografiar Japón ha transitado por muchos estilos y ha aplicado a la foto algunos conceptos japoneses muy interesantes como el shibui o kasoka.

Hemos tenido la suerte de hablar con él y que nos contase un poco de su trayectoria.

La aventura de Víctor no ha hecho más que empezar… Insertamos el disco 1.

Mundo 1 – Tokyo Nights

Comienza el juego y toca ir a por la primera fase. Esta sitúa a nuestro protagonista en 2015, en lo que vendría a ser su primer viaje a Japón. Junto con su su mapa, brújula, el iPhone y dos amigos más, Víctor, el héroe de esta historia, recorre Tokio por primera vez.

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26/8/15: Yoyogi Uehara: 00:21 am.

“Recuerdo que cuando veía las películas de Takeshi Kitano siempre me fijaba en los callejones de las ciudades… Era algo que quería ver en la realidad desde hace años y la misma noche que aterricé en Tokio salí como hipnotizado a hacer fotos nocturnas. Lejos de transmitir agobio, los callejones de Tokio transmiten calma, paz, orden y sus luces parecen guiarte hasta un destino.”

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1/9/15 Shinjuku. 20:45 pm. Esperando el momento adecuado

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10/9/15 Haneda. 15:45 pm. This is the end

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3/9/15 Ginza. 18:59 pm. Tú aquí no puedes entrar

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4/9/15 Akasaka. 17:11 pm. Seguridad

De esta primera y fructuosa aventura, nacería la exposición TOKIO! TOKIO! TOKIO!, la cual sería expuesta en en Valladolid y más tarde en la galería The Piano Room de Hackney en Londres. Un gran logro desbloqueado que, sin embargo no agotaría sus ganas de ampliar el mapa, lo que le llevaría finalmente a regresar a Japón en 2016, solo seis meses después. Esta vez no solo con un iPhone, sino llevando también un equipo algo más contundente y con la única compañía de sí mismo. De la suma de algunas de las fotos del primer y del segundo viaje nacería Tokyo Nights, una serie fotográfica que supone un proyecto completo, multidisciplinar y, también, uno de sus más exitosos.

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No todo iba a ser pasear por la ciudad cámara y escudo a cuestas. También el prota, a veces se detiene a observar y disfrutar de la atmósfera del paisaje… y sus buenos gráficos. Ya sabéis, la lluvia que rellena un charco y refleja kanjis de neones azules y rojos y que… al que más o al que menos, nos despierta el alma cyberpunk que llevamos dentro. Tokyo Nights es eso y mucho más. Se trata de un proyecto que no solo abarca la fotografía, sino que propone el diálogo de esta con otras disciplinas. Con el objetivo de crear una experiencia sensorial completa, tres españoles forman equipo: Marcos Abad como ilustrador, Alberto Muñoz como compositor y, por último, nuestro main character, Víctor Alonso como fotógrafo. Una instalación que consta de seis secciones que muestran cinco fotografías en cada una de ellas, acompañadas de una BSO y lettering especialmente creados para las mismas. Capturas un QR, te colocas los auriculares y te adentras en esta propuesta inmersiva, en la que uno siente que pasea por los barrios principales de la ciudad a través de la visión particular de los creadores. Solo tienes que mirar, escuchar y dejarte llevar.

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BSO de Tokyo Nights.

Han sido varias ciudades las que han podido disfrutar de este proyecto de Víctor Alonso: Londres en 2016, Barcelona en 2017 y también, durante ese mismo año, en la conocida y peculiar galería Design Festa del barrio de Harajuku en Tokio.

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Víctor Alonso en Design Festa Gallery (Harajuku, Tokio)

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Y si todavía te quedas con ganas de más Tokyo Nights, el artista Gutty Kreum, como colofón y homenaje final, realizó una serie de increíbles piezas a lo pixel art inspiradas en el proyecto.

Mundo 2 – Kasoka y shibui o la quema del JR Pass

Se termina la mazmorra que pone punto y final al Mundo 1 y obtenemos una nueva arma fotográfica: la Ricoh GR II. En 2016, Víctor, nuestro aguerrido fotógrafo, emprendería un viaje a Marruecos, para así cambiar de aires y experimentar con nuevos estilos. También, este viaje, sería el inicio de su verdadero interés por el street photography y sus protagonistas. Con la experiencia ganada en este viaje, volvería a las andanzas por tierras japonesas con dos viajes en 2017. Y bueno, el día venció a la noche y al neón. Ya nos hemos pasado Shinjuku y Shibuya. Ahora toca jugar en un mundo abierto y con un renovado interés por cosas que antes pasaron quizás desapercibidas. Víctor Alonso comenzaría a buscar lugares, de forma aleatoria, sin ningún plan, dejando caer su dedo sobre Google Maps. Tenían que ser sitios alejados del jaleo de Tokio y otras grandes ciudades. Víctor nos habla del concepto japonés de kasoka 過疎化 que refiere al despoblamiento de las zonas rurales de Japón, donde la decadencia, la vejez y el abandono tienen, a su vez, cierto encanto y atractivo que a veces es difícil de explicar. Estaciones de tren sin gente, máquinas expendedoras abandonadas y todo tipo de elementos que uno puede encontrarse en estos lugares desamparados conocidos en japonés como haikyo 廃墟 (lit. ruinas). Capturar estas complejas emociones con su cámara fue uno de sus objetivos en sus visitas a lugares de Tōhoku como la villa de Shizukuishi en Iwate o el lago Towada en Aomori.

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En una de estas incursiones a lo desconocido se topó con el concepto 渋い shibui, otro concepto de traducción aún más compleja. Lo simple y puro, lo que es bello porque es auténtico, lo que no es interesante y por eso lo es mucho, lo no buscado. Durante esta etapa Víctor buscaría inmortalizar escenas que recogen esta idea de que lo costumbrista y llano puede ser bello, por la forma y armonía con la que se enmarca con el entorno o por la emoción que despierta su contemplación. Muy Yasujirō Ozu. Cómodo en la calidez y calma que genera este estilo, buscaría continuar con su trabajo en estos conceptos en las series de fotografías que realizaría por el pueblo pesquero de Wajima (Prefectura de Ehime) e Itoigawa (Prefectura de Niigata) durante 2019.

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Mundo 3 – Un level up nunca viene mal

Y es lo que tiene aventurarse en mundos desconocidos, que uno no para de aprender, descubrir cosas nuevas y sobre todo… subir de nivel. Durante 2017 descubriría el estilo de los fotógrafos de Provoke, nombre del colectivo, y revista homónima, formado por Yutaka Takanashi, Takuma Nakahira y Daidō Moriyama. Se dio cuenta que él mismo había estado realizando fotografías que podrían encajar con el lenguaje fotográfico y los aspectos formales de dicho colectivo. Sabiendo esto, quiso experimentar de forma consciente dicho camino y estilo, lo que dio lugar a tres series fotográficas bajo el título de Provoke Experiments (2017). El truco más difícil fue cuando intentó combinar la crudeza del are, bure, bokeh “provokiano” con la estética del Tokyo Nights de… las primeras pantallas.

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El final boss y el mítico DLC

No es que se acerque el final de la partida ni mucho menos. A Víctor le quedan muchas batallas y retos fotográficos por disfrutar. Lo que se acerca es el final de este artículo, pero para ello siempre hay que derrotar a un monstruo final y comprarse el mítico DLC.

Durante el pasado 2019 volvería a la ya mencionada galería tokiota Design Festa, esta vez con la exhibición de su serie fotográfica realizada en Estados Unidos y titulada AMERICANA. A su vez, americana es un concepto que guarda íntima relación con la idea de kasoka. Y es que realmente este estilo le ha calado hondo. Durante la que ha sido su quinta aventura fotográfica en Japón, ha querido seguir ahondando en este registro fotográfico donde la calma y la luz del sol imperan sobre lo decadente, más aún en comparación con el “frenetismo” y la noche de los niveles del primer mundo. Un nuevo reto: conseguir trasladar la quietud del Japón rural al Japón urbano.

No hay game overs que valgan para Víctor.

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Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Surudenise. Ilustraciones & C H I L L en un Japón onírico [Entrevista]

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Reconócelo. Lo tuyo no es el estrés de Tokio y su ajetreado ritmo de vida. Tú eres más de buscar remansos de tranquilidad ocultos en la gran ciudad. En tus auriculares, la calidez de una melodía lo-fi y a tus pies, un amable gatete frotándose contra tobillos. De repente la atmósfera se te antoja como la de un sueño pintado con la paleta de un anime noventero… Reflexionas… ¿cómo imaginabas que sería Japón antes de visitarlo por primera vez? Nuestro Japón, quizás, se parecería mucho al de la ilustradora alemana Surudenise. 
Denise es una chica nacida en Frankfurt cuyas ilustraciones han cosechado considerable éxito en las redes. Desde pequeña ha sido una enamorada del anime y desde su primer viaje a Japón, este se convirtió en su fuente principal de inspiración. Ha trabajado como freelance para marcas como la japonesa SEGA o Fanta y hecho sus pinitos en el mundo de los videojuegos con su concept art. Un tratamiento estético de un Japón que evoca nostalgia y calidez al mismo tiempo y que os invitamos a conocer.

Comenzamos…

 

Sobre tu nombre artístico. Imaginamos que tiene mucho que ver con el verbo する suru, “hacer” en japonés.

Surudenise: ¡Eso es! Me inspiré en una marca de ropa con ese nombre y que ya no existe. Además, creo que el significado en japonés de suru es muy versátil y encaja mucho con cómo me veo a mi misma. En lo creativo no me gusta limitarme solo una cosa ni a solo una disciplina. Me gustan muchas ramas del arte y la creación, por lo que este suru encaja conmigo perfectamente.

¿Cómo se convirtió Japón en el tema principal de tus ilustraciones?

Surudenise: Nací en los años 90, justo cuando el anime estaba comenzando a pegar fuerte en Occidente. No puedo recordar ni un momento de mi infancia en el que no estuviera pegada a la tele viendo anime. Me fascinó y caí prendada de la animación japonesa desde el minuto uno. De hecho, esto fue lo que me llevó a interesarme por Japón. Ya con ocho o nueve años quería visitar el país. Finalmente, hace unos pocos años, por fin pude visitar Japón. Mi primer viaje fue como una inspiración instantánea…la arquitectura, las calles estrechas y pintorescas, la comida… En general toda esa atmósfera, que me atrapó y que desde entonces he querido plasmar.

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NEON MOON

¿Qué videojuegos, animes o manga crees que son los que más te han inspirado?

Surudenise: Aquí no hay duda. Por encima de todo, está Akira Toriyama. En especial, Dragon Ball Z, su increíble y peculiar estilo siempre ha sido una gran inspiración para mi. Me gusta tanto que me veo el anime casi todos los años, al menos una o dos veces. Es una serie que me motiva y me pone las pilas, a la vez que me provoca nostalgia. Sin embargo, a nivel artístico, es casi obvio que el anime Sailor Moon es otra de mis grandes fuentes de inspiración y del cual proviene mi esquema y uso del color y el ambiente general que procuro dar a mis ilustraciones. No quiero pasar por alto otros animes que encantan y que han sido de gran influencia como lo son Neon Genesis Evangelion y Samurai Champloo.
En cuanto a videojuegos, siempre he sido super fan de las sagas Silent Hill y Metal Gear Solid.

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¿Cómo sería un videojuego creado desde cero por Surudenise?

Surudenise: Seguramente, bastante distinto a lo que os podríais esperar. Cuando se trata de videojuegos, lo visual me importa mucho menos que la experiencia jugable. Lo importante es dar con la esencia de un buen gameplay. Creo que es muy importante crear un videojuego que, sobre todo, sea divertido de jugar. La verdad es que tengo muchas ideas sobre cómo sería mi propio videojuego y, en todas ellas, lo importante es la experiencia. Luego tendría que ver qué tipo de estilo artístico y atmósfera encaja con el tema del juego, pero eso vendría después. Creo que un videojuego similar a al tipo de arte e ilustraciones que hago podría ser divertido, pero también, como os he dicho, me gusta cambiar de estilo y ponerme retos. ¡Estoy abierta a experimentar!

Cuando vemos tus ilustraciones, es inevitable sentirse como escuchando una agradable pista de lo-fi hip hop o algún tema más city pop pero aún así relajado y agradable. ¿Te sientes agusto con etiquetas como las propias del estilo y estética vaporwave y sus derivados? ¿De qué forma crees que tu arte encaja con todo esta estética visual y sonora tan fuertemente inspirada por Japón? Si tu estilo fuera una canción de los 90, ¿cuál sería?

Surudenise: Prefiero no etiquetar mi estilo puesto y así evitar limitarme a una sola cosa o a una sola categoría, pero no me importa cuando la gente lo identifica con la estética del vaporwave, city pop o incluso cyberpunk. De alguna forma las etiquetas hacen de puente entre lo que hago y el público. Son como un camino que la gente puede tomar y así descubrir otras cosas cercanas pero distintas.
¡Le tengo muchísimo amor a toda la música de los 90, por lo que me ponéis en un verdadero aprieto si solo tengo que elegir una canción!. El primer álbum físico que tuve fue Homework (1997) de los franceses Daft Punk, así que diré un tema de ese disco: Revolution 909. Esa sería, sin duda, una de las canciones que pondría banda sonora a mis ilustraciones y fotografías.

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NIGHT SWIM (colaboración con la artista Stephanie Priscilla)

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Parece como si la fotografía fuera el primer paso de cada una de tus ilustraciones y diseños. ¿Cuántas horas has pasado pateando ciudades por Japón en busca de la mejor foto con la que realizar luego una ilustración? ¿Cómo de importante es la fotografía para ti?¡¿Cómo se te ocurrió la idea de ese collage tuyo muy loco con el Castillo de Osaka?!

La fotografía fue muy importante para mí al principio, ya que era la base de todas mis ilustraciones partían de una simple foto. Aunque por un lado está mi actividad como fotógrafa y por otro mis trabajos como ilustradora, ya no pienso en ello como dos actividades distintas. Me gusta crear obras en las que aparecen mundos que resultan de la combinación de una fotografía con pequeños trocitos de ilustración que se incrustan en esta. He pasado días y noches deambulando por distintas ciudades de Japón. De esta forma he llegado a conocerme Tokio al dedillo y no solo lo hago por buscar la inspiración y por fotografiar sus rincones, lo hago porque me pierde y fascina su atmósfera y porque es la una de las mejores formas que conozco de intentar llegar a entenderla. Si veis que posteo una imagen a las 5AM, podéis estar seguros al cien por cien que la he tomado y subido a esa hora. Caminar por Tokio me hace perder la noción del tiempo y eso es algo que me encanta.
Desde el año pasado he tenido la oportunidad de aprender mucho más sobre fotografía y mi interés en mejorar desde entonces se ha convertido casi en una obsesión.

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Tokyo at 5am

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Dreamy Vending Machines

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La idea del collage con el Castillo de Osaka la saqué del opening del anime Samurai Champloo, que como ya os he dicho antes es uno de mis animes favoritos y que tiene el mejor opening de todos. ¡Echadle un vistazo y seguro que dais con la parte que me sirvió de inspiración para el collage!

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OSAKA CASTLE

 

¿Cómo fue la experiencia de que grandes compañías y marcas como SEGA o Fanta quisieran contar contigo?

Surudenise: Cuando decidí convertirme en freelance y dedicarme a tiempo completo a mis trabajos, esperaba que solo iba a realizar trabajos muy concretos para empresas o particulares con necesidades muy específicas. Lo que no esperaba era tener la oportunidad de hacer algo en mi verdadero y propio estilo en un anuncio televisivo para marcas tan grandes como Fanta y SEGA. Fue un verdadero desafío pero también una gran experiencia que me hizo ponerme las pilas y de la que aprendí mucho. Después de eso también me ha surgido la oportunidad de hacer concept arts para algunos videojuegos. Me encantan este tipo de trabajos y me considero muy afortunada cuando consigo encargos de este tipo, ¡pero no hay que bajar la guardia, hay que seguir trabajando duro, mejorar e ir a por más!

A veces, observando tus trabajos, uno tiene la sensación como si hubiese un Japón real que hubiera solapado con otro más onírico… ¿Has estado alguna vez en un lugar que sea como tus ilustraciones?

Surudenise: Me hace muy feliz que me digáis eso, ya que es el tipo de emoción que busco y quiero que mis trabajos evoquen. Ahora que lo mencionáis… hay un templo en Tokio, cuya estructura se encuentra rematada por un color rosa y sus entrada decorada con decenas de macetas con plantitas preciosas. De verdad produce una sensación de estar en un sitio que es hermoso a la par que surrealista. Me gusta tanto ese lugar que una de las veces que acudí allí le pedí a un desconocido que me hiciera una foto con este templo detrás. De vez en cuando encuentro lugares así en Japón y cuando me vengo a dar cuenta estoy viviendo una extraña y agradable ensoñación y enamorándome sin darme cuenta del sitio en cuestión.

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MIDNIGHT

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¿Hay algún lugar, país o ciudad al que te gustaría ir y hacer tu magia?

Surudenise: Hace poco estuve por Seúl y me encantó. Sin duda quiero volver y capturar más de la atmósfera que sentí allí. Además de eso, me encantaría visitar Islandia, Nueva York, Hong Kong y Taiwán. A quién no pero me encanta viajar y me gustaría visitar tantos lugares como pueda permitirme

¿Qué tal la experiencia de haber expuesto cosas tuyas en un sitio tan famoso, guay y con vistas tan guapas como la librería Tsutaya del cruce de Shibuya?

Surudenise: ¡Fue increíble! Me pidieron que exhibiera y vendiera si quería mi arte. Surgió de manera espontánea y, por supuesto, no me lo pensé y acepté. El famoso cruce Scramble Kousaten en Shibuya es un lugar que siempre que veía desde pequeña en los animes y algunos videojuegos. Es un sitio muy icónico y pensar que mi arte estuvo allí expuesto fue alucinante para mí. Ojalá hacer más cosas así.

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Shibuya Crossing

¿Algún ensoñador proyecto en mente?

¡Mi ensoñadora y creativa mente nunca descansa! Siempre estoy detrás de algo y trabajando en varias cosas a la vez. Quiero seguir creciendo artísticamente y empezar a experimentar con la combinación de disciplinas y estilos. Por ahora me estoy enfocando en proyectos secretos que espero poder compartir con vosotros… ¡muy pronto!

¡Gracias a Surudenise por la entrevista! No dudéis en seguirle a través de Instagram, Twitter, tienda online y web.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

 

La banda Super Busty Samurai Monkey. Chiptune ruidista a punto de explotar [Entrevista]

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Hay un dúo madrileño de chiptune ruidista que lleva la palabra samurai en su nombre y que han tocado ya unas cuantas veces en Japón. Los miembros de este grupo parecen extraídos de un submundo descartado de Katsuhiro Otomo e insertados en otro de Q Hayashida, en plan Dorohedoro. Son como una peli japo de Pinky Violence, pero en sentido literal. Son como el lanzamiento de una Game Boy que impacta sobre tu mejilla y  te parte la cara. O como una partida al King of Fighters que acaba mal. Quizás como el negativo de una folclórica cyberpunk. O como un reniego total. Son Super Busty Samurai Monkey y SBSM son sus siglas. Que no es lo mismo que BDSM… Aunque también hay un poco de eso. Yo que sé. Olé. ¡NO!

Hajimeyou…!

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“Mona Samurái Súper Tetona”, WTF?!XD. ¿Es una mezcla de palabras al azar o una especie de yokai (fantasma) japonés que hayáis visto una noche de pedo? ¿Cómo nace Super Busty Samurai Monkey? ¿Fue algo buscado o un accidente?

SBSM: ¡En realidad es una parodia de los grupos de chiptune! ¿El nacimiento de SBSM? Es un “accidente buscado”… porque nos aburrían mucho los abuelos del rock.

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Fotografía © Bogdan Stakic

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Fotografía © Bogdan Stakic

¿Sabéis el garito que sale al principio en la peli de Akira? Ese en el que vendían las “píldoras letales”? ¿Podéis desmentir que hayáis tocado allí alguna vez? ¿Hubo pogo? 

SBSM: Lo cierto es que sí que hemos tocado allí. Está en Shimokitazawa. En ese garito la gente no hace pogo pero te ofrecen drogas con mucha educación. También había un cocinero guay.

 

Japón es un país muy poliédrico y multifacético. ¿Qué es lo que más os atrae a vosotros de su cultura/subculturas? ¿Qué porcentaje podría decirse que tenéis de otakus sudorosos? ¿Hay algún manga o anime que inspire vuestra música o que os haya marcado de alguna otra forma?

SBSM: De la cultura japonesa nos gustan las cacas rosas, la cadena de hamburguesas MOS Burger, los Daiso de Todo a 100 yenes, las sintonías musicales que ponen en las estaciones del Metro y que no haya papeleras.
Nuestra teclista dice que los otakus son unos pringaos y que la verdadera alta cultura japonesa está en las Super Sentai de color rosa.

Nintendocore, chiptune, EBM, noise, postpunk de 8 bits y todo junto. A los críticos les mola mucho jugar a encasillar en géneros y tal, pero con Super Busty Samurai Monkey es bastante complicado. ¿Vosotras cómo os definiríais?

SBSM: Somos lo que hubiese hecho La Niña de los Peines si hubiesen consolas en su tiempo. La gente del nintendocore es muy fea.

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SBSM dando cera durante la presentación de VIII en Rock Palace Madrid

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Vik a los micros y el éxtasis de Sara

En cualquier caso, lo que está muy claro es que sacáis todo el partido y contundencia a la pequeña Game Boy. Escuchar vuestra música y directos es como entrar en unos recreativos tochos de una Akihabara distópica, pero con más psicotralla y violencia. ¿Hay algún juego japo de BSO 8bitera que os guste mucho?

SBSM: Cualquier persona cuya respuesta no sea “la música de elegir personajes del Tekino 99” no es de fiar. Insistimos en esto.

Gracias al crowdfunding habéis tocado dos veces en Japón y en barrios de Tokio tan guapos como Musashi o también Koenji, famoso por la resistencia de su escena punk. Vuestros conciertos resultan en pogos, bebidas por los aires y rodillas partidas… ¿Cómo vivieron los japoneses vuestros directos y qué tal fue la acogida? ¿Qué os moló de la escena underground del chiptune allí?

SBSM: Son muy mansos y educados, hasta que beben. Entonces te abrazan mucho. Nuestra mejor experiencia fue la de tocar con unos tipos cuyo contrabajista acabó desnudándose, dándose una ducha en medio de la pista y finalmente volcando un cubo de basura en el suelo para meterse dentro.

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Lanzasteis en 2018 un vinilo compartido con la banda japo de surf garage The Poseidons, vuestros aliados en Tokio. ¿Cómo surgió la oportunidad de hacer este EP The Poseidons VS Super Busty Samurai Monkey?

SBSM: Los conocimos y se nos ocurrió, pero como esa historia no tiene gracia y no nos importa la veracidad de las cosas, vamos a contaros que sedujimos a la hermana de uno de ellos y que es un regalo de boda.

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Portada del EP en colaboración con la banda japonesa The Poseidons

¿Os gastasteis la pasta del crowdfunding allí en Japón en gashapones y bragas usadas tal y como dicen las malas lenguas?

SBSM: ¿Cómo que malas lenguas? ¿Quién querría ir a Japón por cualquier otro motivo? Aquí una lista de cosas reales que nos compramos con la pasta que sacamos del crowdfunding:

  1. Un robot rosa de una idol que no sabemos quién es…
  2. Una caca musculosa pinchada en un palo.
  3. Tres Power Rangers amarillas y la dependienta de la tienda pensó que era broma.
  4. Un tatuaje de la moto de Kaneda.
  5. Una guitarra rosa con nariz de cerdo.
  6. También fuimos al Hooters.

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En muchas reviews os asemejan con la mítica banda japonesa Melt Banana y nosotros estamos encantados con este parecido. ¿Los habéis visto alguna vez en directo? ¿Algún otro grupo japonés del rollo que os guste o lo vuestro es más la copla, el flamenco y el hardstyle? ¿Os animareis alguna vez con alguna canción cantada en japonés?

SBSM: Vimos a Melt Banana en Madrid hace unos tres años y lloramos. Nos gustan muchos grupos japoneses, como Polysics, Plastics, Yellow Magic Orchestra, etc ¡Pero como Melt Banana ninguno!

Hemos intentado hacer canciones en japonés pero les respetamos demasiado como para hacer el ridículo porque hablamos mal la lengua.

En más de una ocasión os hemos escuchado insultar al público durante vuestro conciertos. Seguramente se lo tengan merecido. ¿Cuántos insultos en japonés sabéis? Os dejamos buscar en Google Translator.

SBSM: En un concierto intentamos aprender a decir “cabrón” en japonés, pero no se reían. En el fondo somos buena gente… Lo que sí aprendimos es a decir 大丈夫 daijobu cuando nos hacíamos daño.

¿Podéis hablarnos un poco de VIII (Ocho), vuestro nuevo disco? Hay temas como Carpanta y No, que tienen videoclips made in Japan. ¿Algún proyecto en un futuro negro cercano?

SBSM: Carpanta es una de las primeras canciones que hicimos, tendrá unos 10 años. VII es el final de la trilogía (los anteriores fueron 7 y 12), y grabamos cosas en Japón porque era nuestra obsesión desde el principio, ir allí con el grupo. Lo hemos sacado con detalles en rosa porque es un color muy violento. Como nosotras. Como proyecto futuro.. siempre quisimos hacer un disco de flamenco y bacalao. Y sí, siempre estamos buscando a algún pringado que nos pague alguna idea estúpida.

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Portada del último álbum de SBSM titulado VIII

¡Gracias a SBSM por la entrevista! No dudéis en seguirlas a través de su canal de YouTube, Facebook, Instagram y Bandcamp.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

 

UN©!! solo exhibition en Tokio: ‘Japanese Miracle. ¿Un bombardeo semiótico o un simple juego de palabras?’

Allá por finales de 2018 hicimos una de las primeras entrevistas que publicamos en acchiKei.com. Fue a la artista japonesa UN©!! (Unco), por ello y porque es una super artista de la hostia y una maestra del sticker art que flipas, nos complace anunciar que durante el mes de marzo podréis disfrutar en Tokio de su exhibición Japanese Miracle, en la galería tokiota Mograg.

Podéis leer aquí la entrevista que le hicimos.

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Empezó en el mundillo del sticker art hace diez años. Le atrajo la técnica porque era un tipo de arte que podía sacar a la calle. Un tipo de arte que, digamos, es portátil y fácil de exhibir en público. Utiliza el sticker art como crítica social, poniendo tabúes sobre la mesa e ironizando marcas y corporaciones muy conocidas en su particular ejercicio de crítica al capitalismo desenfrenado y sin sentido.
Las redes sociales son muy importantes para UN©!!, quien las considera como una extensión de lo que ocurre en la calle y en la sociedad. Poco a poco sus trabajos en la calle fueron calando en las redes sociales y ganando cada vez más admiradores… y detractores ;).
La exhibición Japanese Miracle de la galería Mograg no solo trata de criticar el bombardeo publicitario o mediático, también busca reflexionar sobre los albores de internet, la ciencia ficción de Ghost In The Shell o los problemas derivados de la energía nuclear.

UN©︎!! solo show 『Japanese Miracle』
Del 7 al 22 de marzo 2020
@mograggallery
〒111-0041 東京都台東区元浅草1-5-1
1-5-1 moto-asakusa taito-ku TOKYO
Horario: 13:00-20:00. Cerrado los lunes
Fiesta de inauguración: Sábado 7 de marzo, 18:00-21:00

Acércate por allí para disfrutar del arte de UN©!! y conocer los “milagros” del Japón actual. Por cierto, hay opening party a cargo del artista y DJ Jun Inagawa.

Puedes seguir a UN©!! en su Instagram o Twitter.

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