Conoce al ilustrador valenciano Kazu! Cyberpunk para enamorados de Japón

El diseñador e ilustrador Kazu! nace en Valencia en 1997, donde reside y está terminando los estudios de Diseño y Tecnología por la Universidad Politécnica de Valencia. Desde pequeño ha sido un enamorado de Asia y todas sus culturas. Como para muchos, su primer contacto con el continente asiático fue a través del mundo japonés y las series de anime que de pequeño veía en la tele. Una cosa llevó a la otra y rápidamente se interesó por el manga. Empezó por Saint Seiya y así puso rumbo hacia distintos géneros y estilos; desde las macarradas de Air Gear hasta el costumbrismo de Yotsuba. Por aquel entonces, nuestro amigo Kazu! pensaba que no era humanamente posible dibujar tan bien y se quedaba horas alucinando con las viñetas. Sin embargo, hoy en día poco tiene que envidiar a muchos artistas concept y mangakas de renombre. El particular estilo de sus paisajes cyberpunk, los robots mecha, así como sus personajes adorables y cañeros salidos de una distopía futurista, han hecho que se gane los sobrenombres de “La Rosalia de los Otakus” o “El Hijo Bastardo de Tsutomu Nihei”. Bueno, esto de los sobrenombres no es verdad. Ah, también le gustan mucho las motos. Y los gatos. Ambas cosas. Mucho : ).

Comenzamos…!

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Koyaku02火薬

¿Cómo empezó todo?
De pequeño me gustaba mucho diseñar casas y objetos mecánicos. Realmente fue el manga de Air Gear de Ito Ogure el que me marcó y muchísimo. Una de mis aficiones era ir a la biblioteca a medio día con un amigo a dibujar cómo sería nuestra casa cuando fuéramos mayores. Pero no me tomé en serio lo de dibujar hasta más adelante, cuando empecé a introducir mis aficiones dentro de mis dibujos: el diseño de robots y vehículos, las culturas orientales o la arquitectura japonesa. Ahí me di cuenta de que necesitaba aprender muchas otras ramas del cómic como lo son la anatomía, el color, la narración… Después entré en la universidad y me empecé a relacionar con otros artistas de los que he aprendido un montón de cosas.

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Viñetas del manga Sky

Para ser tan joven has realizado un buen montón de proyectos…
A día de hoy he participado en la preproducción del manga americano Jinnbots, he colaborado en algunos fanzines y me he autoeditado otros muchos. También trabajé para la parte gráfica de un videojuego titulado Murakami. Por otro lado, me encuentro ahora mismo encargado del arte conceptual para el juego de mesa de ORA Critika, y estoy supervisando la futura revista de cómic y cultura cyberpunk GRAFENO, en colaboración con otros artistas españoles. Procuro apuntarme a todos los eventos y ferias que tengan algo relacionado con mi trabajo e intento mantenerme lo más activo y subirme a todos los carros posibles. Creo que conocer a gente con gustos similares a los mios es de las mejores experiencias de la vida y que más me ayudan a desarrollar mi estilo y técnica.

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Diseño de personajes para el videojuego Murakami

Ok, cyberpunk pero, vemos mucho más. ¿Cómo definirías tú tu propio estilo?

En cuanto a mi estilo, al final es una mezcla muy rara de miles de cosas. Desde pequeño me di cuenta de que me gustaba todo lo que tenía que ver con el manga, Japón o los robots. Aunque mi estilo pueda parecer que tire al shonen por la estética y diseños cyberpunk, creo que no hay nada más alejado que eso. Cuando cuento historias, prefiero mil veces narrar una buena comida en compañía que una pelea en el desierto, o el día a día de dos amigos a un ninja haciendo conjuros. Creo que esto se debe a que nunca me he interesado mucho por los mangas o animes populares. Disfruto tanto ilustrando casas y templos japoneses, como lo hago dibujando mascotas kawaiis o diseñando motos y vehículos. Si tengo que hablar de influencias, en cuanto a estilo cyberpunk y futurista tengo clarísimo que hablaría de todo el increíble universo de Josan González (DeathBurger), de cualquier viñeta de Tsutomu Nihei (Blame!) o del vastísimo arte conceptual de cualquier entrega de Ghost in the Shell, en especial al manga original de Masamune Shirow. Pero en cuanto a narración y estilo gráfico tengo otros referentes: mi trazo bebe mucho de la soltura de Taiyo Matsutomo; el uso de las perspectivas exageradas de Ito Ogure; y las perspectivas y la arquitectura detrás de cada viñeta de Katsuhiro Otomo. En cuanto a narración podría hablar de muchísimos otros pero, básicamente cualquier cosa que disfruto viendo/leyendo intento guardármela y adaptarla a mis dibujos y mis guiones. Pienso que la mitad del proceso creativo consiste en investigar, nutrirse de otros autores y pulir mucho las ideas y los recursos. Luego lo que queda es simplemente dibujar y para eso lo que se necesita no es otra cosa que practicar.

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Escenario para el videojuego Murakami

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Splash-page del manga Daoko

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Ilustraciones Fanart Mechatober

 

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El ilustrador Kazu! posando sonriente

¡Gracias, Kazu!  No dudéis en seguirlo a través de su webTwitter e Instagram.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Hablamos de street photography con Ernesto Calero aka TENGU (50% de Nekojitablog)

El 50% de Nekojitablog es un ser mitad fotógrafo, mitad tengu. Dice hacer vida en las calles de Tokio sin nada especial, pero la verdad es que no hay quién se lo crea. ¡Nunca te fíes de un tengu!- que dicen las abuelas japonesas. El sevillano Ernesto Calero, aka TENGU, es miembro del grupo de fotógrafos japonés Tokyo SPC y ha sido invitado a exponer sus instantáneas en Japón conjuntamente con el popular colectivo fotográfico VoidTokyo. Trabaja la repetición de formas, la superposición de capas y el out of context que la casualidad nos brinda, aún más en una ciudad en constante cambio como lo es la capital de Japón. Casi cualquier arma le vale y no se casa con ninguna cámara o dispositivo. Lo que sirve es el ojo y la mirada. Es alguien que quiere disfrutar de la fotografía y, de vez en cuando, salir a la calle como un valiente yamabushi en busca del reto de capturar lo irrepetible y efímero.

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© Sam Calero

¡Comenzamos!

¿Por qué motivo un granuja demonio tengu se haría pasar por un chaval de Sevilla que vive en Tokio? ¡¿Qué habilidades fotográficas tienen los tengu que los humanos no tenemos?! 

Gracias a vosotros por haberos interesado en mis chorri-fotos. Es un gustazo poder estar aquí pero, ¡¿me habéis llamado chaval?! ¡Si tengo ya una cara de padre que no puedo con ella! Precisamente todo esto de Tengu surgió días antes de ser padre. En un principio quería utilizar en Instagram, Twitter y Youtube el nombre de usuario Kitsune por su significado. En el folclore japonés, kitsune es el zorro encargado de proteger a las familias y las aldeas. Algo así como un padre o madre. El caso es que ese nombre de usuario ya estaba utilizado en todas las variantes que me gustaban, por lo que elegí otro personaje del folclore que me gusta: el tengu.

En tus vlogs nos cuentas que de alguna forma la fotografía te unió a Japón. Empezaste a disparar cuando todavía vivías en España. Desde entonces han pasado más de diez años. En tu canal de YouTube, TENGU, dedicado a la fotografía y el vídeo, realizas el experimento de rehacer las fotografías que hiciste en tu primer viaje a Japón en 2008 una década más tarde. Es un ejercicio retrospectivo realmente interesante y del cual imaginamos que pudiste sacar un par de conclusiones. ¿Cómo dirías que ha sido tu evolución y cuáles serían los cambios más importantes que como fotógrafo has podido experimentar?

Cuando hice ese viaje tenía una idea clara. Más que centrarme en hacer turismo, quería centrarme en fotografiar mis escapadas y mis experiencias. Tan sólo hacía un año que me había comprado mi primera cámara, así que aún estaba aprendiendo a mirar. Ese experimento fotográfico que hice recientemente lo hice pensando en ver cómo reaccionaría mi yo actual a los mismos escenarios en los que estuve presentes en 2008. Sin embargo, algo que no se ve en el vídeo, es que ya por aquel entonces mis fotos tenían un componente humano y, diez años después, lo siguen teniendo pero, ahora miro de una forma diferente. Lo que ahora busco en las personas es algo más que dejarse ser retratadas o fotografiar allá por donde paso. Hace diez años fotografiaba recuerdos y hoy fotografío cosas que la gente no se ha dado cuenta de que han ocurrido.

¿Cómo fueron tus inicios en la fotografía cuando aún vivías en España? ¿Se puede hacer skate mientras se fotografía sin dejarse uno los dientes en el suelo?

Antes de aquel primer viaje a Japón, empecé haciendo mis primeras fotos en skateparks a mis amigos y a otros patinadores. Una fotografía un tanto difícil para un novato por toda la acción de conlleva, sobre todo porque en aquella época el enfoque automático de las cámaras no era, ni de lejos, tan certero como el de las actuales. Pero era lo que me gustaba. Uní dos pasiones, el skateboarding y la fotografía. El problema es que no había nadie que me fotografiara mientras patinaba. Imagino que los que estamos detrás de la cámara siempre hemos tenido este “problema” jejeje. Por suerte, nunca me he dejado los dientes ni patinando ni fotografiando pero, sí que me he caído mientras intentaba hacer una foto o vídeo. ¡Eso de centrarse en el visor y olvidar lo que ocurre a tus pies tiene sus riesgos!

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Sabemos que te gusta la música, que has tocado en una banda y que como fotógrafo has realizado reportajes de conciertos en Japón. A nivel personal, ¿Cómo conectan estas dos pasiones en ti? ¿Sueles escuchar música cuando sales a disparar por las calles de Tokio?

Cuando me mudé por primera vez, la música hardcore y emocore estaba en pleno apogeo en Japón. Era el año 2010, muchas bandas estadounidenses hacían giras por Japón y cada vez más bandas japonesas de este género estaban surgiendo. Conocí, creo que por Twitter, al guitarrista de una banda que en aquel momento empezaba a hacerse grande, Crystal Lake. Él me presentó a miembros de otras bandas y me metía en conciertos como fotógrafo. Así fue como uní la fotografía con otra de mis pasiones. Además de fotografiar en conciertos, también hice un par de sesiones de fotos a bandas pero, eso es todo. De hecho, perdí la mayoría de las fotos de aquella época cuando mi anterior portátil decidió un día dejar de funcionar. Para hacer foto de calle prefiero ir sin música. Pensándolo bien, ya no escucho música casi nunca. ¡Quién lo diría!

Banda promocional

Mucha gente conoce tu canal de Nekojitablog (Japón con Jamón, Japón sin Cortes, etc.) en el que ya acumulas un par de millones de seguidores. En todos tus vídeos el ritmo y la estética están muy definidos y cuidados. Es como una especie de combinación de lo cinemático, con lo documental y el video musical retro con toques muy guays de un rollo vaporwave /AESTHETICS. ¿Dónde te sientes más cómodo, componiendo escenas fotográficas en la calle o editando videos en la intimidad de tu estudio? ¿Qué fue antes, la fotografía o el video?

Es lo que ha traído Youtube a los que nos gusta lo audiovisual, la capacidad de contar algo disfrutando del proceso. Por eso, cuando mi mujer graba algo, ya sea Japón sin Cortes o una receta de comida japonesa, lo que sea, lo grabo y edito a mi estilo, es la única forma en la que sé hacerlo y como más lo disfruto. Antes escribía pero, para mí, era aburrido. Yo quería hacerlo en vídeo o, al menos, a través de imágenes. Sin duda, la fotografía me llevó al vídeo. Obviamente, la narrativa es muy diferente en ambos medios. En fotografía puedo contar una historia incompleta en una sola imagen, mientras que en vídeo me veo en la necesidad de concluirla. De siempre me había interesado el vídeo. El problema es que nunca tuve un equipo avanzado con el que llevarlo a cabo, ni cámara, ni ordenador. Los jóvenes de ahora no saben la suerte que tienen de disponer de montones de dispositivos que graban vídeo de forma muy decente a buen precio. Incluso ya en nuestros propios teléfonos es posible grabar y editar un vídeo. Que esto quepa en tu bolsillo es un lujo. También tengo que decir que no he recibido ningún tipo de formación y que lo que hago no requiere ni de talento ni de habilidades. Es muy básico todo.

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¿Cuál es tu cámara fotográfica favorita, hoy por hoy, para el street photography? ¿Por qué no te molan los colores de Fujifilm (jajaja)?

Cualquier cámara sirve para callejeo. En serio, lo que tenga a mano en ese momento es lo que uso, desde la madre de todas las cámaras para street hasta mi teléfono. El único inconveniente que veo es la relación que tienes con cada cámara. Tu forma de hacer fotos e incluso de mirar cambia dependiendo con qué cámara fotografíes. La calidad de imagen me da un poco igual. Hoy en día cualquier cámara tiene una calidad de imagen impresionante, más que suficiente. Lo que más valoro en una cámara es la velocidad a la que me permita reaccionar. Necesito un sistema de cámara + objetivo que me permita enfocar manualmente donde quiero, con la menor cantidad posible de controles, opciones y botones, discreta, pequeña pero que me rellene la mano y, sobre todo, que disfrute al llevarla y utilizarla. ¡Ah, sí! y con visor óptico. Soy todavía uno de esos rezagados que prefiere un visor óptico a uno digital. ¡Jajaja! lo de Fujifilm es más bien una broma pero, sí que es cierto que no me parecen tan diferentes o llamativas las simulaciones de película que incluye Fujifilm en sus cámaras. Recientemente han incluido una llamada Classic Negative que sí parece tener un “look” que me gusta, aunque depende de la foto, queda bien, incluso a veces parece sacada con carrete Fujifilm Superia, o queda mal, como muy procesada. Mi sueño sería que alguna cámara tuviera una colorimetría similar al Kodachrome (d.e.p.).

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¿Qué es lo más extraño que te he pasado fotografiando en Japón? ¿Y el recuerdo más… bonito?

Un día estaba en Shinjuku fotografiando y se me acercó un hombre de unos sesenta años con una cámara al cuello. Empezó a hablarme sobre el fotógrafo Daido Moriyama. Decía que él lo conocía personalmente. Me contaba que Moriyama necesita sólo una cámara compacta digital para hacer muy buenas fotos, que no es necesario llevar una cámara tan cara, y que el propio Moriyama odia la marca de mi cámara. Después empezó a hablarme sobre la situación de Cataluña y que merecía ser libre. “¡Free Cataluña!”, exclamaba el señor. Eso ha sido lo más extraño que me ha pasado, y a la vez, lo más… bonito.

Te hacen mucho la típica pregunta de qué es lo que más te gusta de Japón y dices no tener una respuesta exacta para esto. Comentas que Japón para ti es experiencia, la tuya propia y la de los cambios que va sufriendo el país. Experiencia que se traduce en aprendizaje. ¿El constante cambio existente en una ciudad como Tokio resulta un estímulo para ti a la hora de fotografiar o simplemente es un escenario y contexto inevitable donde se enmarcan tus trabajos? ¿Cuál es el lugar que más te inspira (ciudad, barrio, etc.)? ¿Qué sitio de Japón donde no hayas estado te fliparía fotografiar?

Sí que me lo han preguntado muchas veces jajaja, pero, se me hace imposible ver a un país como a un electrodoméstico del que hay que decir lo mejor y lo peor, como si de una valoración en Amazon se tratara. No creo que Japón tenga algo que me guste y que sea intrínseco a este país como para ponerle una medallita. Y lo mismo con lo que no me gusta, así que, digo medio en broma que es el clima jajaja. Me repatea el clima de Tokio, afecta mucho a mi ánimo.
Con la inminente llegada de los Juegos Olímpicos, la ciudad de Tokio está en constante cambio. Lleva así un par de años pero, la sigo viendo como un escenario más. No me importa cuánto cambie, o si se mantiene tal y como está. Voy a seguir haciendo las mismas fotos hasta que sea mi ojo el que cambie. Por ahora no tengo un barrio favorito en el que fotografiar, aunque sí que es cierto que voy mucho por Ueno, Asakusa y Ginza. Elijo estos barrios porque, o bien quedan cerca del mío, o puedo moverme fácilmente en una sola línea de tren. Lo cierto es que en cualquier parte siempre están ocurriendo cosas, me conformo con cualquier sitio. Eso sí, mi yo de hace diez años te diría que le encantaría ir a Arashiyama a fotografiar bambú.

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Dices no ser muy fan del estilo de Daido Moriyama pero, ¿cuáles dirías que son los fotógrafos japoneses de renombre/clásicos que más te atraen o inspiran? ¡En caso de que los hubiera! ¿Y de los fotógrafos japoneses actuales?

¡Aquí está Moriyama otra vez, jajaja!. No soy capaz de apreciar su fotografía. Hay fotos suyas que me gustan, unas cuantas. Esto es algo que me pasa con TODOS los fotógrafos, sean japoneses o no. Me encantan algunas fotos de Garry Winogrand, Joel Meyerowitz, Martin Parr, Jesse Marlow, Matt Stuart, Vinet Vohra, etc, pero otras me parecen del montón. Sé que es un problema mío. No soy capaz de diferenciar cuándo una foto es buena y cuándo no. Si a tanta gente le parecen maestros de la fotografía, incluyendo a Daido Moriyama, ¡pues lo serán! Centrándonos en japoneses, me gustan ciertas fotos que salen del colectivo VoidTokyo, Okada Kisara, Shunsuke Matsunaga, Haruki Tarumi, y otros amigos míos. Hay que tener en cuenta una cosa, que estos últimos que nombro no son para nada fotógrafos consagrados, ni se dedican a ello. Son apasionados de la foto de calle que salen a diario a hacer lo suyo como mejor saben. Sus fotos me parecen tan válidas como las de los primeros artistas mencionados. Ahora bien, hay una fotógrafa cuya historia es alucinante y aún no he visto una foto suya que me disguste. Su nombre es Vivian Maier. Todo su trabajo que está siendo publicado es post mortem, y se afirma que ella nunca llegó a ver sus propias fotos. En serio, os invito a buscar su caso si es que no lo conocéis.

A nivel formal sientes predilección por las composiciones que muestran patrones de formas, superposiciones y capas. Imaginamos que, muchas veces, conseguir este tipo de fotografías son todo un desafío y que hay muchas horas de pateo de la ciudad hasta que consigues algo parecido a lo que buscas. ¿De dónde te viene esta inspiración o gusto por este tipo de técnica/resultados?

¡Así funciona mi cabeza¡, Jajaja, estoy enfermo pero, antes de empezar con la fotografía de calle ya buscaba estas cosas y las “fotografiaba” con mi ojo. Me gustan mucho ese tipo de composiciones en las que hay repetición, algún patrón o coincidencias, y es porque todos estos elementos nos acompañan a diario pero, la mayoría no es capaz de verlos. No nos damos cuenta de que están ahí. A veces me dicen que tengo suerte de encontrarlos. No es suerte, de verdad que estamos rodeados de ellos. Al principio es difícil percatarnos pero cuanto más entrenemos el ojo, más irán apareciendo a nuestro alrededor. Son momentos que duran menos de un segundo. La anticipación juega un papel muy importante, al igual que tener una cámara que te permita reaccionar a la velocidad del rayo, como ya mencioné antes. Después encontré en Instagram a Pau Buscató, un fotógrafo que casi siempre fotografía este tipo de cosas. Me di cuenta de que es un subgénero en sí. Tiene sus fans y sus detractores.

Este es un tipo de fotografía que me tomo con bastante humor, al igual que otra serie que llevo haciendo prácticamente desde que empecé a hacer foto de calle. Se trata de una serie de situaciones totalmente normales en las que hay un elemento que rechina, algo que no cuadra o que se puede sacar de contexto fácilmente. Cuando las publico en Instagram, me gusta ver cómo reacciona la gente en los comentarios. Es curioso porque, al ver una escena tan llamativa y sacada de contexto, cada uno se inventa su propia historia y comenta de tal forma que parece creer realmente lo que está sucediendo en la foto, cuando en realidad, puede que esté ocurriendo completamente lo contrario. Concretamente, una de estas fotos consiguió engañar a todos los que comentaron. Se trata de una chica que está incorporándose para cruzar un paso de peatones, justo después de atarse un zapato. La foto está hecha acompañando al movimiento de ponerse erguida, por lo que da la sensación de que se está cayendo hacia delante. Algunos pensaban que se desmayaba, otros que estaba borracha, y yo disfrutando al ver que el motivo de la foto había funcionado, jejeje.

En cuanto a las capas, sin duda, mi inspiración son Alex Webb y Bruce Gilden. El problema es que los lugares en los que fotografío en Tokio son muy transitados. Hay mucho ruido visual y este tipo de fotografías requiere de un fondo limpio, algo muy complicado de encontrar en esta ciudad. Quizá por eso me guste, porque nos presenta un reto. Me encanta eso de encontrar el momento exacto en el que las personas que están delante de mí se alinean, se ordenan entre ellas sin saberlo, como si estuvieran sobre el escenario de una obra de teatro. La escena se revela ante ti y entonces tienes que dejar de admirarla y actuar. Para mí es la forma más compleja de street photography porque tienes que dejar de ver en dos dimensiones. Tienes que saber componer una fotografía en diferentes capas, en tres dimensiones, desde las personas que están más cerca de ti hasta las que están al fondo.

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¿Cómo empiezas a conocer y relacionarte con colectivos de fotografía japonesa? ¿Cómo surgió la oportunidad de unirte al colectivo Tokyo SPC y participar en tu primera exposición?

Tiene su gracia, porque todo comenzó con un vídeo para Nekojitablog. Hay quienes tienen metido en la cabeza que por ser extranjeros nunca van a poder conocer a nadie en Japón. Para dar ideas a aquellos que buscan hacer amistades en este país, queríamos hacer un vídeo (otro más) sobre las diferentes formas de conocer gente en Japón, y una de ellas es usando Internet. Hay montones de grupos de Facebook, de Instagram e incluso webs para buscar a gente con tus mismos gustos, ya sea deporte, fotografía o coleccionar cartas de Pokémon. En una de estas búsquedas me topé con el fundador de Tokyo SPC y así lo conocí en persona, tanto a él como al co-fundador. No me esperaba que hubiera colectivos de foto de calle más allá de VoidTokyo, y menos aún cuando me dijeron que me uniera a ellos. De esto hace ya más de un año. Nos hemos reunido unas cuantas veces e incluso organizamos una exhibición con nuestras fotos. El problema es que mi estilo de vida no me permite salir más con ellos y he perdido la costumbre de fotografiar acompañado de otros fotógrafos. Teniendo sólo uno o dos días libres al mes creo que soy más productivo si estoy solo.

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Recientemente también colaboraste con VoidTokyo, quizás uno de los grupo de fotografía urbana más consagrados y con mayor actividad de Tokio actualmente. ¿Qué tal fue la experiencia de exhibir conjuntamente con ellos? ¿Y de conocer a Tatsuo Suzuki en persona?

Fue muy interesante ver cómo montaban “el tinglao” y cómo ordenaban las fotos en la pared. Para mí, lo más destacado fue poder conocer a otros fotógrafos invitados no pertenecientes a VoidTokyo. Hasta ese momento sólo había visto sus fotos en Instagram, donde casi todos subimos nuestras fotos más normaluchas y nos reservamos las mejores para exhibiciones. En esa exhibición es donde pude ver el verdadero trabajo de otros fotógrafos japoneses totalmente desconocidos. ¡Fue tremendo! Con Suzuki-san ya había podido coincidir con anterioridad, aunque sólo he estado con él durante un rato.

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¿Algún proyecto fotográfico a la vista? ¿Quizás una exposición de fotografía en Madrid en colaboración con acchiKei? ¡JAJAJA!

Estoy llevando dos proyectos paralelos relacionados con la foto de calle y me gustaría que terminaran en un libro de fotos. Lo veo imposible porque no hay ninguna editorial interesada realmente en publicar un libro con mis fotos. Es común que este tipo de publicaciones sean autoproducidas pero, tampoco tengo ni idea de cómo hacerlo desde Japón y los precios que he visto para impresión son estratosféricos. Conozco personalmente a fotógrafos que conocen el proceso y han sacado zines con sus fotos pero, no sueltan prenda. La exposición en Madrid suena mucho mejor, jejeje.

¡Gracias a Ernesto aka TENGU por la entrevista! No dudéis en seguirlo a través de su canal de YouTubeTwitterInstagram.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

La electrónica visual de Ryoichi Kurokawa en el primer L.E.V. MATADERO Madrid

Fundación Japón colabora con la primera edición de L.E.V. Matadero, estreno en Matadero Madrid del L.E.V. Festival que este año celebraba en Gijón, su sede habitual, su decimotercera edición. Entre el jueves 17 y el lunes 20 de octubre diferentes espacios de Matadero Madrid (Nave 16, Nave 0, Cineteca Madrid y Plaza Matadero) acogerán la innovadora programación de L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual), plataforma especializada en la producción y divulgación de la creación sonora electrónica y su relación con las artes visuales.
Producto de la colaboración de Fundación Japón el artista japonés Ryoichi Kurokawa visitará L.E.V. Matadero el viernes 18 para presentar su último y espectacular proyecto, subassemblies, un concierto audiovisual sobre la relación entre la naturaleza y las creaciones humanas, a través de una perspectiva de escala arquitectónica. Además, para poder disfrutar completamente de esta pieza, y de las diferentes actividades que allí se desarrollarán durante el Festival, la Nave 16 contará con Soundscape, un sistema de sonido inmersivo diseñado por d&b audiotechnik, que permitirá escuchar y sentir de una forma única todas las propuestas que tendrán lugar en este espacio.

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Fecha y horario: viernes 18 de octubre. Hora por determinar.
Lugar: Nave 16 de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid).
Entradas: 25 euros. La entrada da acceso a todos los espectáculos presentados en la Nave 16 durante el viernes 18 de octubre. Más información sobre entradas aquí.

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— ruins : the remains of human-made architecture —

subassemblies es un concierto audiovisual sobre la relación entre la naturaleza y las creaciones humanas, a través de una perspectiva de escala arquitectónica.
Esta pieza se compone principalmente de datos 3D capturados con escáneres láser, y vídeos de naturaleza, ruinas y arquitectura creada por el hombre, distorsionados y reconstruidos en módulos como subconjuntos (subassemblies) para crear una línea temporal renovada, compuesta por capas de orden y desorden, que muestra la fuerza de la naturaleza y la del arte.
Ruinas, edificios invadidos por la naturaleza y obras arquitectónicas en deterioro se superponen y reconstruyen de forma dinámica, y todas las distintas capas de rarezas que aparecen expuestas en toda su profundidad aumentan la percepción de que estamos flotando, no solo entre la naturaleza y la creación humana, sino también entre los fenómenos abstractos y concretos durante su transición, destrucción y renaturalización. Los movimientos como la anulación de la ley física, los híbridos entre componentes naturales y artificiales, y la transposición de entropía y neguentropía potencian aún más dichas rarezas.

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Still from subassemblies © RYOICHI KUROKAWA. All rights reserved. Studio RYOICHI KUROKAWA Berlin, Germany. studio@ryoichikurokawa.com
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Ryoichi Kurokawa

MUTEK20_Ryoichi Kurokawa photo by Nina Lüth NB
© Fotografía por Nina Lüth (MUTEK.ORG)

El artista japonés Ryoichi Kurokawa compone con luz y sonido, usando materiales generados de forma analógica y digital para crear instalaciones audiovisuales que desafían al tiempo, proyecciones en vídeo, grabaciones de audio y performances que fusionan múltiples canales de imágenes y sonidos en una sola entidad, que existe en continua evolución.
Kurokawa siempre ha buscado inspiración en la naturaleza, para explorar los logros que surgen cuando las realidades físicas que observamos y vivimos se mezclan con realidades interpretadas electrónicamente. Kurokawa empezó a experimentar con la sinestesia en instalaciones audiovisuales durante la década de los 90, superponiendo los sentidos del sonido, la vista y el tacto en instalaciones y performances. Su estilo inquisitivo le llevó a integrar en su obra investigaciones científicas sobre la materia, el tiempo y la naturaleza del universo, como su reciente colaboración directa con astrofísicos expertos en formaciones estelares para ad/ab Atom, una instalación de atronadores drones e interferencias que se combinaban con múltiples pantallas parpadeantes; un viaje abstracto por el microverso, alimentado por datos nanocientíficos, imágenes y códigos. Su reciente serie elemental de reproducciones digitales y naturales reorganiza la vida, la muerte y el (re)nacimiento por medio del método “oshibana” de prensado de flores. Durante más de una década, Kurokawa ha expuesto su innovadora obra en solitario o en exposiciones colectivas en galerías y museos de todo el mundo, así como en importantes festivales internacionales. Es un artista y músico autodidacta que ha colaborado con músicos como Ryuichi Sakamoto, Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi de Yellow Magic Orchestra, así como con artistas techno como Aoki Takamasa y Yoshihiro Hanno. (Fuente: L.E.V. Matadero)

 

Sitio web de Ryoichi Kurokawa

Información cedida por Fundación Japón.

Hablamos con la artista Maya Nukumizu. Superheroínas en un mundo de violencia y psicodelia

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Maya Nukumizu es una artista plástica nacida en Kioto en 1982. Su arte oscila entre una psicodelia pop muy particular que bebe directamente de la estética manga bishojo. Nukumizu retrata a menudo la figura de las chicas adolescentes en la sociedad actual, donde son hipersexualizadas. La artista crea un propio universo que, marcado por la guerra y la violencia, es salvado por heroínas que luchan contra personajes malvados y villanos. Aunque su universo es una creación propia, Nukumizu insiste en que no es tan diferente del mundo en el que vivimos. El horror de la guerra puede brotar en cualquier momento y cualquier lugar, por lo que no conviene olvidar los errores del pasado.
Es discípula del célebre pintor Keiichi Tanaami (1936, Tokio), considerado pionero del pop art en Japón. De él ha aprendido todo lo que hay que saber del arte. Sin embargo, Maya Nukumizu también tiene formación en el campo del diseño y la publicidad. Ha ejercido como profesora en la Universidad de Arte y Diseño de Kyoto y ha realizado exposiciones de sus obras también fuera de Japón. Marcas reconocidas internacionalmente han comenzado a fijarse en sus obras y en los últimos tiempos ha realizado trabajos con Adidas, al igual que su maestro Keiichi Tanaami, quien tiene una línea de ropa con dicha marca.

Comenzamos…

¿Cómo fue tu primer contacto con el arte? Tu estilo es muy particular, ¿podrías decirnos de dónde viene? ¿Cómo lo definirías?

M.N.: Mi padre era escultor y por eso teníamos un taller en casa. Para mí, desde pequeña, era habitual el ir a ver exposiciones y museos junto a mi familia. También crecí en un barrio de Kioto, alejado del centro, donde vivían y se reunían artistas de la ciudad. Podría decir que antes de saber lo que era el arte, este ya estaba en mi vida.
Cerca de mi casa, en nuestro barrio, también había una fábrica donde se hacían figuras de series de animación para parques de atracciones. En esta fábrica, los trabajadores leían muchos mangas y luego los dejaban tirados por allí… Yo los iba a buscar a la basura y leerlos en plan ninja. A escondidas. Junto con otros niños del barrio nos colábamos en la fábrica cuando ya no estaban los trabajadores. Lo recuerdo como si fuese hoy y con mucho cariño. Allí descubrí los impactantes mangas de Kazuo Umezu. Por aquel tiempo, cuando estaba en primaria también descubrí el famoso manga shojo Sailor Moon. Era lo más popular del momento y yo, por supuesto, estaba completamente enganchada. En resumen, si hay algo que describe mi infancia es que la pasé con la cabeza metida en los mangas.
Al final de la primaria, todos los niños de la clase tuvimos que escribir lo que queríamos ser de mayores. En mi caso lo tenía muy claro: quería ser artista. Pero no un artista que hiciera cosas clásicas y complicadas. Quería utilizar el estilo sencillo del manga y hacer arte con este.
Ya en secundaria, me pasaba el día copiando los mangas que me gustaban, mejorando mi dibujo. Fue por aquella época cuando decidí que algún día dibujaría mi propio manga. Sin embargo, para hacer un buen manga hace falta una buena historia y una buena estructura, cosa que no se me daba nada bien. Así que decidí abandonar mi sueño de convertirme en mangaka y dedicarme simplemente a dibujar.
Otro de mis mangas favoritos, y que más tiempo pasaba dibujando, era Rurouni Kenshin. Practicaba todos los días, copiando sus dibujos en mi cuaderno. Por alguna razón, me había obsesionado con la forma en la que el mangaka dibujaba los ojos a sus personajes.
Aún hoy no sé por qué tenía esa necesidad tan fuerte de dibujar pero, recuerdo esa energía como si fuese un primer amor, que nunca se olvida. Creo que el origen del deseo de convertirme en artista, proviene de aquellos momentos. He querido crear nuevas formas de expresión, utilizando un estilo manga dentro de mi arte, como cuando estaba en primaria y escribí en la escuela cual era mi sueño de futuro.

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Una de las principales temáticas que trabajas es la de la sexualización de la mujer, representada de una forma muy psicodélica y surrealista.

M.N.: Me considero una persona tímida, algo impaciente e insegura. Siempre he odiado esa parte de mí, esa debilidad. Sin embargo, cuando dibujo o pinto, siento que me vuelvo más fuerte y que nada puede afectarme… Entonces es cuando Marguerite viene a mi mente. Marguerite es un personaje que un día apareció en mi cabeza y materialicé sobre el papel. Marguerite siempre acude a mi rescate para protegerme de todas esas emociones negativas, como si de una superheroína se tratase. Es solo un personaje que inventé pero, por algún motivo, me inspira y me da fuerzas.
Cosas horribles ocurren en el mundo a diario y siento que mi opinión sobre estas depende de aquello que leo en internet y redes sociales. Internet está muy saturado y es un verdadero mar de información. A veces es un lugar divertido. Otras veces, aterrador. Y aquí en este país donde vivo, Japón, Internet es muy poderoso y sofocante. No hay forma de huir de él. Los problemas que tiene la mujer en la sociedad son evidenciados también en internet y están constantemente presentes, por lo que tampoco supone un lugar relajado ni de tregua para nosotras. En internet, como mujer, siempre tengo la sensación de que estar expuesta a los ojos y juicios ajenos y me temo mucho que hay más mujeres a las que le pasa lo mismo.
Parece que no queda otra en esta sociedad en la que vivimos.
Hay muchas de mis obras que representan luchas de personajes femeninos contra supervillanos y monstruos. Es una forma de combatir esta ansiedad e inseguridad mías y quiero que también pueda servir e inspirar fortaleza a otras mujeres en el mundo.

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Marguerite es un personaje recurrente de Maya Nukumizu y suele aparecer cubierta en una sábana y con una aureola sobre su cabeza

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Al igual que tu maestro, el famoso pintor Keiichi Tanaami, trabajas la psicodelia en las composiciones e introducción de elementos y figuras. ¿Estos elementos tienen un significado concreto dentro de tu universo particular?

M.N.: Al maestro Keiichi Tanaami lo conocí por primera vez durante tercero de carrera en un seminario y desde entonces hemos mantenido una gran relación de amistad. No solo es el artista que más ha influenciado mi obra, sino también el maestro al que le debo todo lo que soy ahora. Si no le hubiese llegado a conocer habría terminado convirtiéndome en otra cosa y no en artista. Cada vez que miro las pinturas de Tanaami sensei siento como si estas me hubieran visto crecer y yo hubiese aprendido todo lo que sé de ellas. Definitivamente, su influencia en mi es muy importante.

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Keiichi Tanaami y Maya Nukumizu

La verdad es que no siento que mi obra se enmarque dentro de lo psicodélico. Por ejemplo, cuando uso los rayos de sol que aparecen en la famosa bandera imperial japonesa, lo que intento hacer es entretejer conceptos. ¿Por qué? Por que aunque hoy en día, Japón es un país pacífico y pacifista, adolece una crisis existencial a consecuencia de su pasado. Las tensiones políticas actuales, internas y externas, tampoco ayudan y hacen temer que se desate una nueva guerra. Empleo en mis obras esta bandera como forma de advertir que se trata de un riesgo real y que ciertas conductas que vemos en la actualidad presentan reminiscencias de este fatídico pasado.
Por otro lado, mis personajes están muy influenciados por el estilo del manga, con sus líneas expresivas y el trazo muy marcado. Como he dicho antes, el estilo particular del manga es para mí una herramienta esencial en la creación de mis piezas.
Al mismo tiempo, cuando pienso en cómo tiene que ser la composición de una obra concreta, creo que es cuando sale mi parte de diseñadora profesional. Lo primero que piensa la gente al ver alguna de mis piezas, es que pretendo hacer un juego de equilibrio y contrastes entre colores claros y oscuros. Lo cierto es que a nivel visual se trata precisamente de conseguir eso. Quiero hacer obras que causen impacto en el espectador, que pongan a funcionar sus cerebros y que no sean fácilmente olvidables.
Para mi, hay belleza en ese impacto.

Esta intencionalidad es, por supuesto, también influencia de Tanaami sensei, de quien de alguna manera he heredado su forma de entender el arte y la belleza que hay en este. La verdad, es que por este tipo de cosas, puedo llegar a entender por qué mi obra se considera psicodélica.

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La influencia del manga es evidente en los personajes que representas en tus trabajos. ¿Cuánto influye el manga en tu obra? ¿Tienes algún manga favorito?

M.N.: Influye muchísimo. Cómo he comentado, desde mi infancia mi manga favorito ha sido Sailor Moon. Es un manga conocido en todo el mundo y que marcó una época, como pudo ser Wonder Woman en Estados Unidos. Además, en el caso de Sailor Moon, la protagonista no es la típica heroína que solo se dedica a hacer el bien, sino que tiene un marcado carácter japonés y es muy humana. Es una chica un poco debilucha y torpe, que además se enamora del chico guay de turno. Por lo general, es una chica normal, con un día a día aburrido y ordinario, hasta que se topa con los malos y saca todo su valor y fuerza para combatirlos. Diría que este gusto por los personajes con tanta personalidad y contrastes me viene desde pequeña.
Otros mangas que me gustan y son muy importantes para mí podrían ser, por ejemplo, 14 años 「14歳」de Kazuo Umezu, Mi nombre es Shingo「わたしは真悟」 de Junji Ito o cualquiera de las historias de Suehiro Maruo. Por lo general, me encantan los mangas de terror que son capaces de mezclar lo bello y lo extraño.

 

Si tuvieras que elegir una obra tuya, ¿con cuál te quedarías?.

M.N.: Sin dudarlo me quedaría con mi obra titulada Yellow twins head bomb. Si te fijas, esta obra busca representar la reprochable actitud de algunos países que, con el objetivo de ganar fuerza en tiempos de guerra, son capaces de transformar en una herramienta y en un arma, hasta a una indefensa y vulnerable niña. En cualquier época de la historia y por un sin fin de motivos, los seres humanos siempre hemos cometido el error de buscar excusas para entrar en guerra y hacer atrocidades.
Además, en esta obra, he intentado retratar cómo me sentiría y el horror que experimentaría si estuviese viviendo una guerra de primera mano… (Aunque puede que esta ya haya empezado).

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Has sido profesora en la Universidad de Arte y Diseño de Kyoto y realizas trabajos en el mundo de la publicidad. ¿Cómo es tu experiencia en este campo? ¿Qué ámbito te gusta más?

M.N.: Es una alegría completamente distinta el poder trabajar en publicidad y en multimedia, más allá de los trabajos de pintura en exposiciones y ferias de arte.
Si tu trabajo aparece en la portada de un disco o en la cubierta de un libro llegará a muchas más personas que podrán conocer tu arte. Es una forma de conectar con personas a las que de otra forma no esperarías poder llegar.
La verdad es que nunca he querido quedarme estancada en un solo ámbito. Prefiero no decidirme por ninguno ni ponerme limitaciones.

¿Tienes algún proyecto actual o futuro?

M.N.: El pasado agosto se celebró el SUMMER SONIC 2019, un festival de rock de Tokio. El festival contaba en su programa con SONICART, una iniciativa que daba espacio al arte y me invitaron a hacer un live painting allí.
Próximamente, del 20 al 29 de septiembre, estaré en el espacio 3331 Arts Chiyoda, en Akihabara, para la celebración de WAVE 2019, una exposición colectiva en la participo,
Otros proyectos, están relacionados con la animación. En bastantes ocasiones me invitan países extranjeros como Suiza o Reino Unido, donde he participado en festivales de producción audiovisual. De hecho, justo ahora estoy trabajando en un proyecto de este tipo y me gustaría seguir profundizando en este campo… y en muchos otros.

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Maya Nukumizu posa junto con su live painting en el festival SUMMER SONIC 2019 de Tokio.

Puedes seguir a Maya Nukumizu en su sitio web, Twitter o Instagram.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Entrevista a Aya Sawada. Viaje a la intimidad de su fotografía

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Aya Sawada (Madrid, 1986) es una fotógrafa que recoge la sutileza de la cotidiano de manera directa y sin tapujos. El interior de sus modelos queda plasmado en cada una de sus fotografías y estas recogen la determinación e intimidad de una adolescencia y juventud que parecen eternas. Las miradas fijas y penetrantes producen una conexión con estas personas, que terminan convirtiéndose en médiums a través de los cuales Aya cristaliza sus emociones y vivencias. Su trabajo como fotógrafa profesional comenzaría en 2014, después de su estancia de dos años en el Estudio Ebis de Tokyo, donde aprendió todo lo que había que saber sobre este arte. Iluminación, encuadres, Aya adquirirá todos estos conocimientos para marcharse a Berlín en 2016 y explorar su mundo artístico interior en la que supone su etapa más introspectiva. Desde 2018 reside en Barcelona, donde no hace mucho ha llevado a cabo, en Spai Travinae, la exposición titulada Worlds Away, conjuntamente con la fotógrafa Paula Fujiwara. Marcas de gran renombre se han sentido atraídas por la fotografía de Aya Sawada y recientemente empresas como Nike le han realizado encargos.

Comenzamos…

Cuando nos van a tirar una foto es habitual decir “pataaaataaaa”. Tanto en la palabra ‘patata’ como en tu nombre, Aya Sawada, solo aparece la vocal ‘a’, por lo que está claro que tu gran conexión con la fotografía es cosa del destino. Ahora en serio, ¿cómo nace tu amor y pasión por esta disciplina?

Aya: ¡Lol!
Mi amor por la foto nace de manera natural; como una manera de expresarme, de sacar energía hacia fuera y de contar mi historia. Creo que pienso en imágenes, así que supongo que es el formato que mejor se adapta a mis capacidades artísticas. Cuando cierro los ojos también veo imágenes y creo que esto me ayuda en el tema composición y encuadres…

El formato foto me limita artísticamente porque mi imaginación supera los límites de la realidad. Por eso utilizo mucho la metáfora y la analogía. Lo que me fascina de la foto es la idea de poder congelar un instante y hacerlo presente y pasado en el futuro… no se si me explico. Imagina una foto que compras en un mercado de antigüedades en la que aparece una familia que vivió en 1900 en Florencia… De ellos no queda mucho más que un instante de su historia en una foto. Como esa foto llegó hasta ahí también forma parte de su historia. Es cool ¿no? La capacidad de las fotos de congelar el presente en 2 dimensiones. Esto me gusta. Es la multidimensionalidad del arte.

¿Cómo es aprender fotografía y trabajar de asistente en Tokyo, ciudad que podría considerarse capital mundial de este arte?

Aya: Trabajé como asistente en el Estudio Ebis en Tokyo durante 2 años. Fue duro. Muchas horas de trabajo y mucha disciplina.
Lo más difícil fue adaptarme al sistema laboral japonés y aguantar el ritmo. Pero fue un buen training y también hubo muchos buenos momentos. Durante el tiempo que estuve en Ebis, prácticamente no hacía otra cosa que no fuera trabajar. Después tuve un poco más de tiempo para empaparme más de la escena de la fotografía tokiota y aplicar esta influencia a mis fotos… Tokio es una ciudad que estimula los sentidos exageradamente e invita a la creatividad. Descubrí que los artistas que más me llamaban la atención disparaban analógico, así que me compre una cámara analógica, que a día de hoy sigo usando. Aunque ahora estoy retomando la fotografía digital…

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Madrid, Berlín, Barcelona. ¿Puede una fotógrafa japonesa encontrar algo de su tierra natal en alguna de estas ciudades en las que has vivido?

Aya: En realidad es Madrid, Tokio, Berlín, Barcelona. Nací y crecí en Madrid. Soy mitad japonesa mitad española. Mi carácter es más europeo pero no suelo identificarme con ninguna nacionalidad. La gente me pregunta mucho sobre esto. Personalmente me considero de ninguna parte…

Me fui a vivir a Tokio hace 8 años para experimentar Japón, aprender fotografía y encontrarme a mí misma. Después de 5 años allí, me mudé a Berlín donde a parte de japoneses no encontré nada de Japón. Excepto que los trenes se parecían porque Japón copió el modelo alemán de ferrocarriles modernos. Y también que son muy agradecidos y muy polite. En España no encuentro mucho de Japón; el gusto por el arte culinario y…¿mi madre? que es japonesa… La cultura y las costumbres no pueden ser más opuestas… Actualmente resido en Barcelona, desde octubre de 2017.

Tu fotografía revela una intimidad muy peculiar y genial. Los modelos parecen mirarnos fijamente y comunicarnos que están sintiendo en sus adentros. En tu fotografía, si uno se descuida tan solo un poco, rápidamente olvida que estemos observándolos a través del objetivo de tu cámara. Lograr este efecto, ¿es una fórmula estudiada o parte de tu instinto fotográfico? ¿Es difícil conseguir que los modelos japoneses puedan abrirse y mostrar su cara interna de esa forma?

Aya: Muchas gracias, aprecio mucho vuestra percepción. En realidad no lo sé. Podría decir que les retrato tal y como les veo. Son ellas distorsionadas a través de mi… O yo distorsionada a través de ellas… Lo que he entendido después de los años es que mis fotos son sobre mí, primero. Por eso me cuesta definirlo, y por eso son imágenes…

¿Fórmula o instinto? Disparo desde el corazón, conecto con lo invisible, con la pureza de la feminidad y la verdad que se esconde tras la vulnerabilidad. También me divierte provocar y dar lugar a la malinterpretación. Me gusta jugar a la contradicción, y saltarme las reglas. Cuando estoy disparando me siento libre y dejo de pensar. Cuando más disfruto fotografiando es cuando dejo de pensar.

¿Es difícil que los japoneses se abran? Depende de la persona pero en general sí, más difícil que en Occidente. De todas formas, la estética asiática tiene ese algo que me engancha. No lo puedo evitar…

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Sin embargo, esta intimidad se vuelve bidireccional y también podemos ver mucho de Aya y lo que realmente ocurre en su kokoro en algunos de tus trabajos. En tu proyecto audiovisual Gratitude (2019), del cual os dejamos el enlace aquí abajo, cuentas un poco de tu historia personal y familiar, la cual evidencia tu inevitable nexo con Japón y el componente muchas veces duro y nostálgico de la distancia. ¿Podrías hablarnos un poco de este proyecto y si tienes pensado seguir trabajando en más material autobiográfico?

Aya: Empezando por el final. Sí. Casi todo mi trabajo artístico es autobiográfico de manera indirecta. Gratitude es la primera pieza que escribe nombre y apellidos. Las imágenes las he ido grabando en los últimos 6 años y la idea era hacer un video para sanar a mi madre. Los traumas familiares se transmiten de generación en generación y en mi familia es tangible que exista cierto respeto al agua porque el hermano pequeño de mi madre se ahogó en el mar cuando tenía 24 años.

Si algo me ha enseñado el arte es que es capaz de sanar y de provocar risas y lágrimas de liberación. A mi familia le emocionó y de eso es de lo que se trataba este trabajo.
Escucharme hablar y cantar con mi hermana y mi madre me hizo conectar con ellas y con mi niña interior. Fueron 3 días intensos de proceso creativo. El mensaje: la gratitud es el ingrediente mágico para vivir.

En la lista de elementos y artistas que influyen en tu fotografía, ¿cuál dirías que es el más inesperado e imprevisible?

Aya: Elementos: Mi propia historia.
Artista: Miyazaki Hayao. Crecí con sus personajes y nunca deja de inspirarme. Hay mucho de su imaginario en mis fotos.

Últimamente te hemos visto trabajando con marcas muy conocidas, como por ejemplo Nike. ¿Cómo se traduce/transforma la intimidad y cercanía de tu fotografía cuando se trata de trabajos comerciales?

Aya: Estoy tratando de averiguarlo. Es el mismo ojo el que mira a través del objetivo pero, profesionalmente, tengo que saber adaptarme a lo que se me pide, disfrutando lo máximo posible. Artísticamente es otro departamento el que me ayuda a resolver mis enigmas. Mantener el equilibrio es lo importante.
Estoy muy agradecida de haber tenido una oportunidad así. No es una profesión fácil pero es muy gratificante.

¿Qué anda tramando Aya Sawada?

Aya: Pues la verdad que tramar… no mucho. Simplemente quiero continuar haciendo fotos, seguir trabajando, aprendiendo y también viajar. Actualmente estoy más centrada en mi carrera profesional, aunque sin abandonar mis proyectos personales. Respecto a proyectos artísticos futuros… quizás otra exposición en Barcelona, mejorar, superarme y ¡¡hacer magia!!

¡¡¡Muchas gracias por la entrevista ACCHIKEI!!!
¡Un placer colaborar con vosotros! Sayonaraaa :):):)

Instagram de Aya Sawada.

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Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Danza + tecnología con Hiroaki Umeda este julio en Matadero Madrid

El coreógrafo y artista multidisciplinar Hiroaki Umeda, reconocido como una de las figuras más relevantes de la vanguardia escénica japonesa, presenta en Naves Matadero dos espectáculos donde los componentes tecnológicos se suman a la danza para crear piezas multisensoriales.

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Umeda considera que la danza no son solo elementos físicos sino también ópticos, sensoriales y espacio-temporales. Basado en su profundo interés en el tiempo y el espacio coreográfico, Umeda ha mostrado su talento como coreógrafo, bailarín, compositor, diseñador de luces, escenógrafo y artista visual. Sus trabajos, que combinan las sensaciones físicas y visuales, le han merecido premios como la Mención de Honor en el Ars Electronica en 2010. Ahora, llega a Madrid por primera vez con sus trabajos Split Flow, una pieza coreográfica donde el cuerpo aparece solo por el movimiento de un láser que desgarra la oscuridad de la escena, y Holistic Strata, en el que el creador genera un mundo armonioso, donde todos los movimientos se expresan a través de píxeles.


Hiroaki Umeda: Split Flow y Holistic Strata

Fechas: 12, 13 y 14 de julio.
Lugar: Nave 11 de Matadero madrid.
Precio: 15€ entrada general.
Más info y compra de entradas aquí.

Información cedida por Matadero Madrid.

Exposición fotográfica ‘Worlds Away. From Tokyo to Okinawa’ en Barcelona

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LA EXPOSICIÓN

Dos artistas, dos mundos visuales y dos perspectivas diferentes de Japón. Paula Fujiwara y Aya Sawada, fotógrafas y amigas con trayectorias artísticas y vitales vinculadas a Japón, ponen en común algunas de sus obras mas representativas en esta muestra.

Paula Fujiwara

En la presente exposición, Paula Fujiwara nos invita a reflexionar acerca de Okinawa, una isla supuestamente idílica pero no exenta de contradicciones. La obra Manifesto (2014) es una crítica hacia los políticos okinawenses que llenan las calles de pósteres con promesas electorales que no se cumplen. Por otra parte, en la serie Retrópolis(2014-2017) se retratan edificios de Okinawa en peligro de desaparición. Es una forma de mantener en el recuerdo una Okinawa paradisíaca que se está desvaneciendo por la presencia de bases militares estadounidenses y el desarrollo urbanístico.

Aya Sawada

The unsaid is the flower. La flor representa el flujo orgánico de los ciclos de la vida, la expresión arquetípica de la belleza y el poder de lo inexpresable.Esta serie intenta capturar la reconciliación entre el mundo visible y el mundo invisible. Las fotos fueron tomadas en Tokio, Okinawa y Shirakawago.

Sumergida en la vida en la ciudad, observaba las infinitas contradicciones de la sociedad, y el uso exagerado de los uniformes capturó mi atención. Al mismo tiempo, me sentía atraída por la riqueza de su cultura y la belleza de su naturaleza.El tema subyacente es personal y psicológico: un intento de expresar mis propias contradicciones y mi vulnerabilidad en un momento de transformación vital. Es un grito a la liberación, que muestra diferentes perspectivas de mi experiencia y deja mucho sin decir, como flores que brotan en el silencio.

BIOGRAFÍAS

Paula Fujiwara

Paula Fujiwara (Barcelona, 1978), graduada por el Nippon Photography Institute, inicia su trayectoria artística en Tokio (2005-2012) y la desarrolla posteriormente en Okinawa (2012-2018), donde forma parte de un colectivo de artistas llamado Arcade. Junto con ellos participó en SWAB 2018.

Anteriormente, estudia Historia y Estudios Asiáticos en la Universidad de Barcelona y cursa estudios de postgrado en las universidades de Senshu y Waseda. En 2011 trabaja como becaria en el departamento curatorial del Tokyo Metropolitan Museum of Photography. Recientemente ha finalizado un máster en Gestión Cultural (UOC). Desde 2018 reside en Barcelona. Su trabajo se ha mostrado en diversas ciudades, incluidas Tokio, Reikiavik, Barcelona y Madrid. También ha realizado residencias artísticas en Reikiavik, en Pekín y en Gunma (Japón).

Aya Sawada

Aya Sawada (Madrid, 1986), artista autodidacta, comienza a hacer fotografías en 2011 cuando viaja a Tokio para sumergirse en su cultura materna. Allí aprende el arte y la técnica de la iluminación trabajando como asistente de fotografía en el estudio Ebis Tokyo durante 2 años. En 2013 inicia su carrera profesional como fotógrafa. En 2016 se traslada a Berlín, donde vive una etapa introspectiva centrada en su visión artística y existencial. Reside en Barcelona desde 2018 donde continúa su trayectoria.

Sus fotografías reflejan temas cotidianos y sujetos claramente definidos, en un intento de capturar el velo que separa su mundo interior del exterior.
Su imaginario se compone de metáforas, símbolos, memoria y emociones que examinan la naturaleza íntima de la artista.

 

WORLDS AWAY. FROM TOKYO TO OKINAWA
Espai Travinae (Rda General Mitre, 239) Barcelona
Del 14-27 junio. Lunes-Viernes 10:20-14:00, 16:00-20:30; Sábado 16:00-20:30
Opening party:14 de junio 18:30
Más info: http://www.paulafujiwara.com

Curso ‘Arte Contemporáneo de Asia Oriental: mujer, visibilidad y mercado’ en la Universidad de Zaragoza

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Siguiendo la estela de los relevantes estudios de arte de fuera de Europa de la Universidad de Zaragoza, este curso presenta una panorámica histórica sobre el arte contemporáneo de varios países de Asia Oriental (especialmente, China, Japón, Vietnam e Indonesia), prestando especial atención al papel de la mujer dentro del mismo. Abordaremos el estudio sus manifestaciones artísticas desde sus primeros encuentros con la modernidad hasta el momento actual. Tradicionalmente atrayente por su exotismo, el arte asiático contemporáneo se ha insertado plenamente dentro los mercados y sistemas artísticos globalizados, a pesar de mantener un carácter muy marcado, lo que genera multitud de contextos muy particulares –especialmente en lo que atañe a las mujeres-. Con el objetivo de descentralizar la mirada sobre las lecciones y temarios habituales, el curso se concibe como una serie de sesiones temáticas dedicadas a varias de las regiones de Asia de gran peso y relevancia en el mercado internacional. Gracias a este curso, el alumno podrá desenvolverse con solvencia dentro del panorama actual del arte asiático, aprendiendo a diferenciar, catalogar e interpretar los más relevantes artistas y corrientes.

Inscripciones abiertas hasta el 21 de junio.
Precio de la matrícula: 140 € (Tarifa general). 120 € (Tarifa reducida)

Programa:

Miércoles, 3 de Julio
09:30 h. Inauguración y presentación del curso, contenidos, metodología y objetivos. (1) (2)
10:30 h. Lección inaugural “Construyendo un nuevo panorama: Asia ante el mundo” (2)
11:45 h. El nacimiento del arte contemporáneo en China. (1)
13:15 h. El nacimiento del arte contemporáneo en el sudeste de Asia. (1)
16:45 h. Arte actual en China. (2)
19:00 h. Orígenes del arte moderno en Vietnam. (3)

Jueves, 4 de Julio
09:00 h. Arte de Vietnam, de la postguerra a la actualidad. (3)
10:00 h. Arte, política y feminismo en Vietnam. (3)
11:30 h. El nacimiento del arte contemporáneo en Japón. (1)
13:00 h. Arte, mujer y propaganda en Asia Oriental. (1)
15:30 h. Arte contemporáneo y actual en Indonesia. (1)
17:15 h. Arte y cuestiones de género en el Sudeste Asiático (3)
18:30 h. Sesión taller: Trazos de modernidad (4) (1)

Viernes, 5 de Julio
09:00 h. Arte actual en Japón (2)
10:45 h. Arte, política y feminismo en Asia Oriental. (2)
12:00 h. El arte asiático en España: creación, coleccionismo y mercado (2)
15:30 h. El papel del arte tradicional asiático en el arte contemporáneo. (2)
17:15 h. Sesión taller: De la naturaleza al museo: procesos creativos en el Arte Contemporáneo. (5)
19:00 h. Mesa redonda: Charla, debate y clausura del curso: “Las huellas del arte asiático en el mundo contemporáneo”. (1) (2)

Ponentes:
1. Marisa Peiró Márquez (Universidad de Zaragoza)
2. Alejandra Rodríguez Cunchillos (Universidad de Zaragoza)
3. Cristina Nualart (Universidad Complutense de Madrid)
4. Dan Zhou (Instituto Confucio de Zaragoza)
5. Mari Ito (Artista)

DIRECTORES: Marisa Peiró Márquez y Alejandra Rodríguez Cunchillos
ORGANIZA: Cursos Extraordinarios de la Universidad de Zaragoza
COLABORA: Grupo Japón y España: relaciones a través del Arte
PATROCINA: Instituto Confucio y Grupo de Investigación Japón

Más info a través de este enlace.

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Información cedida por Alejandra Rodríguez Cunchillos.

Fotografía de portada por Yasumasa Morimura ©

Entrevista a Lee Chapman. Las realidades de Tokio a través de sus fotografías

El fotógrafo Lee Chapman creció en Manchester, Reino Unido, y se lanzó a ir a Japón en 1998. Su plan no era para nada quedarse en el país y, cosas de la vida,  lleva ya más de veinte años. El plan original era estar unos dos años pero, con el tiempo, Japón se convirtió en su hogar. Empezó a fotografiar como forma de documentar la vida en el país y Tokio, la ciudad que le acogió. Sin darse cuenta la fotografía se convirtió en su pasión, y la pasión finalmente en trabajo.

Realiza tours fotográficos por la ciudad, buscando la belleza en lugares donde en principio no irías a buscarla. La lente de Chapman siempre nos muestra aspectos a menudos desconocidos y poco expuestos de Tokio y nos sorprende en cada instantánea que comparte en su blog online Tokyo Times. Sus fotografías a japoneses desfasados y algo perjudicados por el alcohol se han hecho bastante populares en las redes sociales. Pero hay mucho más. Lee Chapman es un extranjero ya veterano en Japón y un fotógrafo esencial para comprender los Tokios que habitan dentro de Tokio.

Portfolio: leechapman.photos
Tokyo Times: tokyotimes.org
Instagram: instagram.com/tokyotimes_lee
Facebook: facebook.com/tokyotimes.org
Twitter: twitter.com/tokyotimes

Comencemos.

¿Quién dirías que es tu fotógrafo japonés favorito?

L.C.: Es muy difícil elegir pero diría sin dudar que Daido Moriyama, Masatoshi Naito y Eikoh Hosoe son mis favoritos.

Gaijin y voyeur (broma). Tu serie de fotografías THE STARING muestra a personas mirando directamente a tu cámara, conscientes de estar siendo fotografiadas. ¿Se han enfadado contigo alguna vez?

L.C.: Sí, de hecho, se enfadan bastante a menudo. Pero al ser Japón nunca nadie se ha puesto agresivo ni me he sentido atacado. A decir verdad, en este país, con una sonrisa o una muestra rápida de disculpa se puede librar uno de una situación verdaderamente incómoda.

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¿Crees que tus fotos son más disfrutadas por público extranjero que por el propiamente japonés? ¿Pueden también los japoneses encontrarlas interesantes como reflejo de su sociedad?

L.C.: Creo que un poco las dos cosas. Ojalá sea así. Inevitablemente mi forma de ver Japón es diferente a la de los japoneses. Al fin y al cabo soy un extranjero. Por mi parte, me interesa mostrar elementos que no son muy manifiestos o evidentes. Por ejemplo, suelo prestar atención a las personas mayores, que en muchas sociedades parecen tener un papel más secundario y olvidado. La belleza en su máximo exponente puede encontrarse también en estos elementos, por poco convencionales o interesantes que parezcan.

¿Cómo de diferente es tu vida con la que recoges en tu proyecto de TOKYO TIMES?

L.C.: Una pregunta muy interesante y difícil de contestar. La verdad es que nunca me lo había planteado. Diría que casi todo lo que aparece en mis fotografías es simplemente lo que veo pero también hay bastante de mí y de mi vida en ellas.

El proyecto Tokyo Times consiste básicamente en un blog de fotos. Es básicamente una forma de registrar mis paseos fotográficos, de recopilar mis mejores instantáneas y también, por qué no, de promocionar mi trabajo. Podéis visitar el sitio web de Tokyo Times haciendo click aquí.

¿Cuál es la zona de Tokio que más te inspira? Como muestras en tus fotos, Tokio es una ciudad diversa y con muchas caras. ¿Cuál es la más interesante para ti?

L.C.: Desde las zonas más viejas a las más modernas, en todas encuentro algo fascinante e inspirador. Las zonas más antiguas transmiten una sensación del pasado que nunca más volveremos a ver y las más nuevas la incógnita de cómo serán en el futuro.

Probablemente, la zona que más trabajo es el área de Shinjuku.  Aunque en el moderno Shinjuku cada vez pueden encontrarse menos elementos del pasado, existe una mezcla increíble y única de contrastes y personas.
La diversidad es una de las mejores cosas de Tokio. Hay de todo y para todos. Solo tienes que descubrir lo que más te interesa y allí podrás encontrarlo.  

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Tu fotografía se interesa y pone de manifiesto el papel de los ancianos en la sociedad, cuya imagen contrasta fuertemente con la del Tokio joven, acelerado y cambiante. ¿Cuál es el papel crucial que tienen los ancianos en la envejecida sociedad japonesa? ¿Qué mensaje deseas transmitir con esta serie de fotografías?

L.C.: Para ser sincero, no tengo ningún mensaje. Simplemente intento mostrar cómo es Tokio y como es la vida de estas personas mayores en el Japón en la actualidad. De alguna forma es un intento por mostrar otras realidades del país que a menudo son ignoradas.
Por supuesto, de una forma u otra el creciente número de ancianos en Japón va a jugar un papel crucial en el futuro del país. Cuál será este papel está aún por verse.

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Tus fotografías sobre borrachos y resacosos se han hecho muy populares en las redes. ¿Cómo te sientes cuando haces este tipo de fotografías?

L.C.: Aún me sigue fascinando eso de una ciudad tan grande como Tokio. La ciudad es tan segura que la gente puede quedarse dormida tirada en la calle, incapaces de llegar a casa tras una noche de excesos. Por una parte toda esa seguridad está muy bien pero por otro lado da un poco de pena que no sean capaces ni de moverse para llegar a la estación de tren más cercana (risas).

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En tu serie fotográfica THE NATIONALISTS hay fotos muy directas con unos protagonistas conscientes de que están siendo fotografiados. ¿Tenías permiso para hacerlas? ¿Fueron amables contigo? Cuéntanos alguna anécdota de tu visita al santuario de Yasukuni.

L.C.: La verdad es que no tenía permiso para hacer esas fotos. Simplemente supe que estarían en el santuario de Yasukuni y decidí que tenía que fotografiar el momento.
No diría exactamente que fueran amigables, pero la verdad es que no tuve ningún problema. De hecho a parte de una conversación con el hombre de esta fotografía, nadie más me dijo nada ni hubo queja alguna.

Solo tengo una anécdota de cuando fotografié por primera vez el Santuario. No sabía que iba a haber un evento. Yo solo pasaba por allí. Afortunadamente, empezó el evento y cuando llegaron los “devotos” comenzó a nevar, dando un resultado en las fotografías con una atmósfera muy especial. Sentí como si se hubiera detenido el tiempo y que nunca más tendría la oportunidad de hacer fotografías como estas.

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¿Puedes contarnos sobre proyectos en los que estés trabajando o tengas en mente?

L.C.: Mis reportajes sobre ancianos y partes antiguas de Tokio son proyectos que sigo desarrollando. Además he comenzado un proyecto que consiste en fotografiar vías de tren abandonadas. Cada vez hay más vías en desuso debido al creciente urbanismo combinado con el descenso poblacional, lo que hace insostenibles muchos servicios de tren.

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Música electrónica japonesa en FAN NAVES. El festival de electrónica made in Asia de Matadero Madrid

Fan Naves, Festival de Música Asiática Avanzada, trae a Matadero Madrid lo mejor de la electrónica y el sonido experimental.

El festival reunirá por primera vez en un mismo día a tres mujeres de referencia en la electrónica asiática y mundial: Kyoka, Pan Daijing y Hito Dj. También estarán presentes, entre muchos otros, los japoneses Yousuke Yukimatsu, referente de la electrónica gracias al equilibrio que ha encontrado entre exploración y ritmo, y Yosi Horikawa, el hombre de las miniaturas, que genera sonidos con elementos cotidianos y de la naturaleza.

En total, 10 horas ininterrumpidas de la mejor música electrónica y experimental de todo Asia.

El festival comienza el día 10 con los coreanos Tacit Group grupo que crea en directo trabajos audiovisuales basados en algoritmos, imágenes y sonidos. Otros nueve artistas se darán cita el día 11 en la Nave 11 a partir de las 21h, con un total de diez horas ininterrumpidas de la música asiática más contemporánea y vanguardista.

El festival reúne por primera vez a tres de las mujeres referencia en la electrónica mundial: Kyoka, Pan Daijing y Hito Dj.

La súper estrella de la música electrónica japonesa Hito Dj ha sido una de las artistas habituales, desde 2012, en las noches “Richie Hawtin presents ENTER” en Space Ibiza, evento que ganó los premios DJ Awards a la mejor noche en Ibiza en dos años consecutivos. Habitual de los mejores clubs de Alemania y Japón, tras pasar por Coachella y Naves Matadero en 2018 (con un sold out), regresa a emocionar al público. La artista china Pan Daijing ha actuado en los escenarios de la electrónica más importantes del mundo, incluido el Sonar. Llega a Fan Naves para mostrar Fist Piece, un concierto que estrenó en Kraftwerk de Berlín y que ha pasado por el Barbican de Londres, entre otros templos. La vanguardista música de la japonesa Kyoka se caracteriza por su experimentación con el sonido y sus influencias orientales, americanas y europeas recibidas a lo largo de su trayectoria. Fue la primera mujer fichada por Raster-Noton, el sello referente de la electrónica más elevada.

La música electrónica en Irán, Singapur, China y Tailandia

The Guardian ha dedicado solo hace unas semanas un reportaje a la música electrónica iraní y es que es ahora mismo un gran hervidero de la música más avanzada. Sote, el creador de la música electrónica más importante de Irán cuenta el éxito de SET Festival de Teherán del que es cofundador. En Naves Matadero presentará su último álbum Sacred Horror in Design, aclamado por su búsqueda y su desafiante fusión de la electrónica con la música clásica iraní.
Por otra parte, FAN Naves presenta a Fauxe, uno de los músicos y productores más prolíficos de Singapur. Con frecuencia, colabora con otros artistas y utiliza músicas tradicionales de Singapur que fusiona con R&B, hip-hop y bases electrónicos. En el campo de batalla que es la música contemporánea, la música de Fauxe es todo un desafío.

Han Xiaohan es un músico y compositor de música contemporánea que adopta elementos de la música folclórica del noreste de Asia. Para investigar la música mitológica chamánica, visita numerosas aldeas manchúes remotas de China y Mongolia, realizando grabaciones de campo. La percusión, las voces, la naturaleza y los efectos de sonido crean un aura misteriosa, desolada y etérea como un todo.

El estilo de Koichi Shimizu, uno de los artistas sonoros más importantes que viven en Tailandia, se puede describir como una mezcla de electrónica, con sonidos industriales y experimentales. Una bomba explosiva musical. Activo en la electrónica desde finales de los 90, ha colaborado con diferentes artistas (Inner8, Constant Value, etc) siendo su relación con el director Apitchatpong Weerasethakul (premiado con la Palma de Oro en Cannes) la que más fama internacional le ha otorgado.

Exploración, ritmo y objetos cotidianos

El cartel de FAN Naves se completa con el japonés Yousuke Yukimatsu, un referente de la electrónica gracias al equilibrio que ha encontrado entre exploración y ritmo. Y Yosi Horikawa, artista japonés con un don para convertir objetos cotidianos en improvisados instrumentos de música y para transformar sonidos grabados en medio de la naturaleza, como el canto de los pájaros, en una pieza musical.


HITO DJ

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La súper estrella de la música electrónica japonesa Hito ha sido una de las artistas habituales, desde 2012, en las noches “Richie Hawtin presents ENTER” en Space Ibiza, evento que ganó los premios DJ Awards a la mejor noche en Ibiza en dos años consecutivos. Durante estas fiestas, vestida siempre con kimonos de seda, Hito ha conquistado a los invitados de la zona ENTER.Sake, una sala inspirada en un bar de sake japonés, con sus sesiones de electrónica de avanzada confeccionadas 100% en vinilo. Habitual de los mejores clubs de Alemania y Japón, tras pasar por Coachella y Naves Matadero en 2018 (con un sold out), regresa a emocionar al público.

Nacida en Japón, se trasladó a Berlín en 1999 donde desarrolló su pasión por la música. Seducida por la escena de la capital alemana ha pinchado en diferentes clubes underground de la capital alemana como Suicide Circus o Fiese Remise y en Womb (Tokio) y Circus (Osaka) de su Japón natal. Además ha puesto a bailar al público del BPM Festival en Portugal, Tomorrowland en Bélgica, Sonus y ULTRA / Resistance en Croacia. En agosto comenzó su propia serie de eventos ‘OTO’ en IPSE en Berlín.

KYOKA

kyokacoveracchikeiLa vanguardista música de la japonesa Kyoka se caracteriza por su experimentación con el sonido y sus influencias orientales, americanas y europeas recibidas a lo largo de su trayectoria. Sus grabaciones de campo, ‘glitches’ y distorsiones vocales desbordan energía e invitan al baile. Además de haber pasado por todos los festivales de referencia cabe destacar que fue la primera mujer fichada por Raster-Noton, el sello referente de la electrónica más elevada. Ryuichi Sakamoto ha destacado su talento diciendo: “¡Pánico! Suena como una caja de juguetes puesta del revés. ¿Cómo es capaz de crear sonidos tan bellos y caóticos? ¡La adoro!”.

YOUSUKE YUKIMATSU

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El japonés Yousuke Yukimatsu comenzó como DJ en 2008 y tuvo su primera gran oportunidad en 2014 cuando tocaba con DJ Nobu y NHK’Koyxen. En la actualidad es un referente de la electrónica gracias al equilibrio que ha encontrado entre exploración y ritmo.

KOICHI SHIMIZU

Koichi Shimizu

El estilo de Koichi Shimizu, uno de los artistas sonoros más importantes que viven en Tailandia, se puede describir como una mezcla de electrónica, con sonidos industriales y experimentales.
Una bomba explosiva musical. Activo en la eclectrónica desde finales de los 90, ha colaborado con diferentes artistas (Inner8, Constant Value, etc) siendo su relación con el director Apichatpong Weerasethakul la que más fama internacional le ha otorgado. Tras pasar por Naves Matadero, realizará una residencia artística en AADK España – Residencia de Artistas La Negra – Centro Negra en Murcia.

YOSI HORIKAWA

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Yosi Horikawa tiene un don para convertir objetos cotidianos en improvisados instrumentos de música y para transformar sonidos grabados en medio de la naturaleza, como el canto de los pájaros, en una pieza musical. Comenzó a hacer música los 12 años grabando en su habitación su habitación junto a golpecitos en el lateral de su cama a modo de percusión. Desde entonces, para este artista japonés los pequeños detalles hacen de sus creaciones algo único y lleva al público a un viaje excepcional.

 

Lugar: Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas (Naves 10 y 11).
Fecha: Viernes 10 y Sábado 11 de mayo de 21.00h a 06.30h.
Entradas: 15€. Podéis consultar fechas, horarios y comprar entradas aquí.

VIERNES 10:
20:30h TACIT GROUP

SÁBADO 11:
19:00h TACIT GROUP
21:00h YOSI HORIKAWA
22:05h FAUXE
23:15h SOTE feat. Tarik Barri
0:20h KYOKA
1:30h PAN DAIJING
2:15h HITO (PLAYdifferently, OTO)
3:25h KOICHI SHIMIZU
4:20h YOUSUKE YUKIMATSU
5:30h XIAO HAN
*Horario sujeto a cambios.

Información cedida por Matadero Madrid.