Acompaña a Mari Ito por “El jardín de los deseos del Japón contemporáneo”

Zaragoza acoge en la sala de exposiciones del Torreón Fortea una exposición de la artista japonesa Mari Ito, titulada “El jardín de los deseos del Japón contemporáneo”, que podrá verse hasta el próximo 23 de junio.

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El origen del deseo (nacimiento de los orígenes del deseo), 2019 Pigmentos, cola nikawa y papel japonés oguniwashi, 140 x 280

Mari Ito nace en 1980 en la ciudad de Tokio. En el año 2003 comienza sus estudios en Joshibi Daigaku, trasladándose en 2006 a Barcelona para continuar sus estudios en la Facultad de Bellas Artes. A pesar de que la artista ya había realizado exposiciones individuales y colectivas en su país de origen, es en esta ciudad donde se abre camino entre los circuitos artísticos: primero en la ciudad condal, más tarde en el resto de la península y posteriormente en París, Suiza, Estambul, Hong Kong, Singapur, Miami, Nueva York o Canadá. Desde el año 2011 expone en la galería japonesa Zeit Foto Salon, una de las más renombradas en el panorama artístico internacional.

El título de la muestra nos invita a pasear por uno de los espacios más representativos del país del sol naciente, como lo son los jardines. Asimismo, nos propone un viaje hacia el interior, no solamente del artista, sino del pueblo japonés contemporáneo” – afirma Alejandra Rodríguez, comisaria de la exposición.

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Mi origen del deseo, 2018 Pigmentos, cola nikawa, papel japonés, tinta china 33 x 41

En las obras de Mari Ito existe una temática con una larga tradición en la Historia del Arte y un fuerte arraigo en el arte japonés, como son las composiciones florales. Para la comisaria de la exposición, Mari Ito “recurre a la representación del nacimiento de flores (reales o inventadas), para expresar aquellas pulsiones innatas que existen y se manifiestan en cada uno de nosotros. Se sirve de estas `flores¿ para exteriorizar determinados deseos y emociones que, en algunos entornos, como puede ser el japonés, tienden a ser reprimidos en ambientes públicos”.

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El origen del deseo (nacimiento de los orígenes del deseo), 2019 Pigmentos, cola nikawa y papel japonés oguniwashi, 140 x 280
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Origen del deseo (deseos malos), 2012 Pigmentos, cola nikawa, papel japonés, tinta china y pan de oro,155 x 135

Como complemento a la exposición, se han programado distintas actividades didácticas, como son una visita a la exposición y un taller con Mari Ito al final de dicha visita, para conocer el proceso creativo de la artista japonesa. Destinada a público en general (mayores de 12 años), la actividad se realizará el día 10 de mayo, a las 18,00 horas, y el día 11 de mayo, a las 11,30 horas.  El aforo es limitado (máximo 15 personas) y la entrada es libre, por lo que hay que hacer la reserva previa en la recepción de la sala de exposiciones del Torreón Fortea, o en el teléfono 976 724200 y marcar la extensión 804401.

“El jardín de los deseos del Japón contemporáneo”

COMISARIA: Alejandra Rodríguez Cunchillos

FECHAS: 11 de abril al 23 de junio de 2019. 

LUGAR: Sala de exposiciones Torreón Fortea de Zaragoza.

Más información aquí.

Sitio web personal de Mari Ito.

Gracias a Alejandra Rodríguez por cedernos amablemente la información.

 

La cruda crítica social del pintor japonés Tetsuya Ishida llega a Madrid

Ayer se inauguró Autorretrato de otros en el Palacio de Velázquez que alberga el madrileño Parque del Retiro. Se trata de la primera retrospectiva, a través de 70 piezas, dedicada a la obra y figura de Tetsuya Ishida, quién falleció el 23 de mayo de 2005 con solo 32 años en lo que se sospecha que fue un suicidio. Su obra fue prolífica y su vida de una total dedicación y obsesión por la pintura. Graduado en la Universidad de Bellas Artes de Tokyo, cuentan que prefería gastar sus ingresos en comprar materiales y utensilios de pinturas que en comida para él mismo. Sus amigos y conocidos decían de él que tenía un carácter ciertamente introvertido y que se encontraba oscuramente atraído por la idea del suicidio.

Reconocible por su pintada plástica y su dibujo naif con cierta influencia de la estética manga, lo es aún más por las temáticas controvertidas que trabajaba en sus lienzos. Ishida se crió en un Japón al que el capitalismo y la especulación le robó una década entera y que deshizo finalmente el milagro económico que desde los 60 venía experimentando el país.  El joven Tetsuya Ishida viviría los años centrales de su vida, y su también su madurez como pintor, en esta década de los 90 en Japón, que más tarde será conocida como la Década Perdida. Sin duda, esto  marcaría sus pinturas que siempre hablan directa o transversalmente sobre esta situación. En comparación con la generación japonesa anterior, la cual bailaba al ritmo de city pop, bebiendo las noches y disfrutando de ser una juventud adinerada, la generación de Ishida nació y vivió inserta en una atmósfera pesimista y escéptica que confiaba poco en sus representantes políticos. Ishida en los 90 continuó con la tradición crítica que otros artistas japoneses como Aida Makoto habían iniciado para luchar contra el cruel sistema que les había negado lo que sus padres habían conseguido.

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En sus trabajos nos muestra su preocupación social, haciendo hincapié en el análisis de la realidad de la clase obrera. Dichos acercamientos a estas temáticas lo hacen universal y por muy japonés que fuese sus mensajes son universales, e incluso nos atreveríamos a decir que atemporales. Ishida, ahora que ya no está, goza de más celebridad que en ninguna otra etapa de su vida gracias a que sus obras han aparecido en las redes sociales modernas removiendo conciencias, haciendo a la gente a reflexionar y creando polémicas que por la gran profundidad del mensaje han ido más allá que la propia figura del pintor.

Como Aida Makoto y toda una generación posterior de artistas japoneses harían, Ishida fue crítico con los nuevos intentos de rearme militar que han tentado al Partido Liberal Democrático de Japón en las últimas décadas. Asuntos aún más comunes en la obra de Tetsuya Ishida lo son algunos tan crudos y actuales como la explotación laboral, que va de la mano de la producción masiva y la esclavitud y que resultan a su vez en la necesidad de promover un consumo exacerbado. Pone también de manifiesto el lado oscuro de los avances tecnológicos y presta atención a los defectos de un perverso sistema educativo japonés que procura la eliminación del ego en pos de un mayor control social. También se detiene a reflexionar sobre la soledad cada vez mayor que sufren millones de japoneses en las grandes ciudades y en cómo las personas son apiladas en gigantes bloques sin alma llenos de apartamentos, conocidos como danchi.

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Atrevido, sin tapujos, directo, no hay tatemae en Ishida, quien fue todo honne y pura garra. Recuerda al célebre maestro del eroguro-nansensu Shintaro Kago en la imagen grotesca y mutada que nos presenta del ser humano. Hombres hibridados con máquinas, mutilados o alienados en situaciones inesperadas y sorprendentes, pero en ninguno de los casos queriendo jugar a la elipsis y siempre mostrándonos platos fuertes e incómodos, que lo son aún más por la reflexión que por lo que explicitan. Tan inmorales como la sociedad misma.

Cabe mencionar que con motivo de la exposición se publicará un catálogo que incluirá las obras que se muestran en la exposición, así como comentarios de su comisaria Teresa Velázquez y otros autores como Noi Sawarag, Tamiki Sato, Kuniichi Uno o de Isamu Hirabayashi, cineasta y quien fuese un buen amigo íntimo de Ishida.

Tetsuya Ishida. Autorretrato de otro

FECHAS: 11 de abril de 2019 – 8 de septiembre de 2019
LUGAR: Palacio de Velázquez. Parque del Retiro
ORGANIZACIÓN: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
COMISARIADO: Teresa Velázquez
COORDINACIÓN: Suset Sánchez

Más información aquí.

Entrevista a Tatsuo Suzuki. El último gran maestro de la fotografía urbana japonesa

Tatsuo Suzuki es uno de los últimos grandes maestros de la fotografía urbana japonesa. Dentro de este campo y como proyecto personal se especializa en retratos a personas con las que fortuitamente se cruza en la ciudad. Su trabajo de luces y contrastes en blanco y negro, la arriesgada búsqueda de la emoción en las personas o la captura de la casualidad más irrepetible le han llevado a convertirse en un referente actual de este tipo de arte. Comenzó a disparar en 2008. Unos cuantos premios internacionales y un ejercicio de unas 2000 fotos diarias, sin duda, le avalan.

Nace 1965 en Tokyo. Ha dedicado su vida, durante más de 25 años, a su trabajo como sararīman en una empresa, cuya actividad no estaba relacionada en ningún caso con la fotografía. Sin embargo, su amor por este arte no tenía límites y un día decidió abandonar su empresa y dedicarse en cuerpo y alma a lo que realmente le llenaba. Hoy trabaja a tiempo parcial en un arubaito que le ayuda a costear las evidentes necesidades económicas que le exige esta su pasión. También es el responsable y fundador del colectivo de fotografía urbana conocido como Void Tokyo, el más aclamado y respetado del panorama actual del street photography japonés. 

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Tatsuo Suzuki

 

Comencemos.

Llevas relativamente poco tiempo realizando fotografía urbana pero se percibe la composición y el ojo de un fotógrafo maduro y experimentado. Entendiendo que una década es poco tiempo… En qué momento decides pasarte a la street photography. ¿Fue esta un descubrimiento para ti o simplemente algo que nunca te habías parado a probar?

T.S.: En mi caso, yo mismo me he enseñado todo lo que sé de fotografía. Básicamente, he aprendido a fotografiar mientras fotografiaba. Así ha sido hasta ahora y así me gustaría continuar aprendiendo.

El street photography, dicho de forma muy básica, presta atención a situaciones de la vida diaria y al paisaje urbano donde estas se enmarcan. Esto quiere decir que las personas son muy importantes dentro de este tipo de fotografía. Siento que el street photography es la mejor forma de conseguir extraer de las personas su expresión más verdadera y de conocer de qué están realmente hechas. Es algo de lo que me di cuenta después de mi primer año como fotógrafo y por ello siempre andaba buscando esta verdad de la que hablamos.

Ahora, sin embargo, intento buscar una fotografía que esté más en consonancia con mi propio estado emocional del momento. Esto es algo que quiero que se mantenga siendo así y que se convierta en mi forma de vida y aporte personal a la fotografía.

¡De joven tocabas en una banda de punk rock! ¿Cantante? ¿Tiene que ver la filosofía punk con tu manera de entender la fotografía? ¿Cuál es tu banda punk japonesa favorita?

T.S.: Éramos una banda de tres personas y yo hacía de vocalista y guitarra. La música siempre ha ocupado el lugar más importante en mi corazón y así continúa siendo. De alguna forma u otra he querido que este amor por la música también se viera reflejado en mi trabajo como fotógrafo. Definitivamente, la actitud de mi fotografía está muy inspirada en esta tensión y emociones fuertes de géneros musicales como el punk. Dicho de otra forma, esta conexión entre la fotografía y la música tiene que ver mucho con mis propios sentimientos. Es como si con el tipo de fotografía que hago quisiera emular esta capacidad que tiene el punk para provocar emociones fuertes.

Hay muchísimos grupos japoneses que me gustan pero, si nos limitamos a hablar de punk, diría que grupos como Friction, E.D.P.S o Gauze me gustan en particular.

Conseguir la tensión y emoción que persigue tu fotografía y que todos admiramos implica un acercamiento importante al sujeto y a la acción. ¿Este riesgo te ha costado caro alguna vez? ¿Alguna vez te has sentido mal después de fotografiar a alguien sin su permiso?

T.S.: Afortunadamente, por ahora, no he tenido ningún problema realmente importante. No digo que no me haya pasado nada nunca, sino que realmente no he vivido una situación donde mi integridad hubiese estado en peligro.

Tampoco me he arrepentido nunca de nada. En el momento de tomar la fotografía ya estoy tomando la decisión de haber disparado. De hecho, lo que sí me hace darle vueltas a la cabeza y me produce sentimientos de arrepentimiento es no haber disparado en algún momento o situación en concreto.

En cualquier caso, para mí, es verdaderamente importante disparar mucho y de forma continuada. A mí entender, disparando mucho es como te familiarizas con el terreno de la ciudad y vas descubriendo las cosas que resultan ser interesantes. Creo que me sería muy difícil conseguir las fotos que quiero si no trabajase de esta forma.

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¿Has sido censurado alguna vez?

T.S.: No formalmente pero ir por la ciudad haciendo fotografías de esta forma supone que, de vez en cuando, haya personas que llamen a la policía para reportar un comportamiento sospechoso o para obligarnos a borrar las fotos que hemos hecho.

Contra eso no queda otra que resignarse.

¡Hay veces que gente que se me ha enfadado luego ha visto la foto y se la ha pasado! Pero para nada hay garantía de que vaya a tener esa suerte siempre. Es como si la fotografía urbana siempre vaya a tener ese punto de confrontación con la ciudad y sus gentes. Podríamos decir que existe cierta atmósfera de tensión alrededor de este arte.

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¿Te sientes igual de cómodo fotografiando fuera de Japón? Más allá de Japón, ¿qué ciudad tiene las calles que te han hecho sentir más cómodo fotografiando? ¿Has visitado España alguna vez?

T.S.: Estuve haciendo fotos por Alemania e Italia el año pasado pero creo que no son tan buenas ni de cerca de las que hicieron los fotógrafos autóctonos que me acompañaban. Aunque pasé un buen rato recorriendo la ciudad sentí que mis fotografías eran puramente estéticas y superficiales. Quizás sirvan como simples fotografías turísticas. Creo que para poder extraer algo interesante hay que pasar al menos unos cuantos meses en la ciudad hasta poder involucrarte e identificar bien la atmósfera de la ciudad.

¡Nunca he estado en España pero me encantaría ir si alguna vez tengo la oportunidad!

Hay consenso en que Tatsuo Suzuki es un talento de la fotografía urbana pero, ¿cuál dirías tú que es tu punto débil?

T.S.: La verdad es que no sabría decir si tengo talento o no para la fotografía urbana. Lo único que sé es que quiero seguir tirando fotos y que espero conseguir tantas buenas fotografías como pueda.

Quizás mi punto débil es que últimamente me centro mucho en disparar por la zona de Shibuya porque consigo buenos resultados, pero no conozco bien otros sitios de la ciudad. Abrirme hacia otros barrios, hacia otros territorios, es algo que me gustaría hacer. Tengo la esperanza de que así sea capaz de ampliar mi espectro fotográfico en cuanto a temática y conseguir nuevas historias que contar y vivir. Creo que mejorar mi narrativa fotográfica también sería importante y que tengo que buscar inspiración a partir de otras artes como la literatura o el cine.

Eres fundador de Void Tokyo, uno de los colectivos de fotografía urbana de Japón con mayor repercusión en la actualidad. ¿Cuál es la filosofía de este grupo? ¿Cómo surgió la idea de reunir a fotógrafos con los mismos intereses e inquietudes? ¿Qué te aportan los distintos miembros de Void? ¿Es algo profesional y exclusivo o es algo más parecido a una gran familia?

T.S.: Convoqué a los miembros de Void Tokyo por primera vez con la intención de autopublicar un zine de fotografía. Esta era la intención original. Quería que ver las fotografías que me gustaban impresas en papel y sentir que iban a quedar para la posteridad. De alguna forma me había obsesionado con esto de ver las fotos impresas. Vivimos en la era de internet y podemos disfrutar de más cantidad de buenas fotografías pero estas terminan desapareciendo en el horizonte del timeline de las redes sociales. Así la fotografía está dejando de ser interesante, por eso pensé que sería importante volver a la esencia de este arte y permitir que estas fotos de hoy en día sean disfrutadas también en papel.

Además, nuestro Tokyo parece estar sufriendo grandes cambios. Estos cambios son aún más radicales teniendo en cuenta que en 2020 se celebran unos Juegos Olímpicos. El ritmo al que avanzan estos cambios también asusta. La idea es que cada miembro de Void aporte, a través de la fotografía, su perspectiva particular sobre estos acontecimientos. Queremos publicar el antes y el después para poder ofrecer al público esta doble visión sobre Tokyo y que reflexionen sobre los cambios.

Poco a poco vamos recopilando nuestras fotografías con el objetivo de publicar los zines de Void Tokyo. El trabajar juntos hace que nos sirvamos de inspiración los unos a los otros y que compartamos nuestros conocimientos y mejorar juntos. Cada miembro de nuestro colectivo tiene sus propias actividades y su peculiar forma de vivir la fotografía, por lo que el aporte es aún mayor. Fotografiar para publicar, publicar para fotografiar… Siento que es como un ciclo que se retroalimenta.

Con la cercanía de la celebración de los próximos Juegos Olímpicos de Tokyo 2020, algunos lugares de la ciudad están sufriendo, no sin polémica, un proceso de renovación. Hemos leído sobre cómo el colectivo Void Tokyo quiere dejar constancia de este antes y después de la ciudad. ¿Qué conclusiones crees podremos sacar de estas evidencias? ¿Qué estáis observando ya? Como decís en Void Tokyo: “¿Donde estamos y a dónde vamos?”

T.S.: No sabría decir cuándo podremos publicar nuestro trabajo sobre los cambios que está sufriendo Tokyo con los próximos Juegos Olímpicos de 2020 pero sigo trabajando en ello, fotografiando y editando. Todos los miembros de Void Tokyo estamos trabajando en ello y buscando retratar esta situación. La idea es publicar un zine que hable de este asunto exclusivamente y que recoja el sentir de cada uno de los miembros del colectivo. Tengo la sensación de que será un trabajo que brindará evidencias y que será de gran significancia, pero lo que importa ahora es continuar trabajando para que así sea.

Dónde estamos, a dónde nos dirigimos… Las personas que vivimos en Tokyo a menudo tenemos pensamientos existencialistas y sentimientos así. Por eso, nosotros, desde Void Tokyo nos lo cuestionamos también y queremos desafiar con la mirada todos estos cambios y fotografiarlos para la posteridad.

Tus fotografías muestran de una forma transgresora y cruda el ritmo de vida ajetreado de Tokyo. La tensión, el estrés, la preocupación y otras sensaciones que reflejan los ojos de muchos de tus fotografiados inspira todo esto de forma clara, evidente y directa. Más allá de esta acción, vemos que tu fotografía a veces busca la pausa y el descanso y deja de lado el movimiento. ¿A qué se debe este contraste?

T.S.: Habéis dado en el clavo. Muchas veces la fotografía depende tu estado de ánimo y yo, independientemente de mi estado de ánimo, salgo a fotografiar. A veces simplemente estoy cansado y busco algo de paz y descanso. Entonces aprovecho ese momento para disparar y ver cómo se traduce esto en mi fotografía. Creo que es la forma que tengo para expresar mis sentimientos de forma más directa en la fotografía. Cuando hago este tipo de fotos es como fotografiarme a mí mismo.

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Definitivamente, eres un fotógrafo preocupado por las personas y su vida en la ciudad. ¿Los encuentros con estas personas son siempre fortuitos y ocasionales o han supuesto alguna vez el comienzo de una amistad?

T.S.: Muchas veces se trata de una simple fotografía repentina, otras  de una fotografía accidental y la mayoría de las veces son personas que solo me cruzo una vez en la vida. Hasta ahora no me ha pasado que mi relación con estas personas a las que fotografío por la calle se convirtiese en una de amistad. Es fácil encontrar a mucho ser solitario entre los que se dedican a la fotografía. Quizás por eso salgan a la calle junto a sus cámaras.

¿Habrá Void Tokyo 6? ¿Cuáles son tus planes de futuro como fotógrafo?

T.S.: Queremos publicar Void Tokyo Vol. 6 este verano. ¡Espero que lo disfrutéis mucho!

A nivel personal, estoy esperando la publicación de un photobook que he editado junto a la editorial alemana Steidl. Por otro lado, en mayo estaré en Francia con motivo de una exhibición de mis fotos en el PhotoDoc Festival. Por lo demás, sigo saliendo a la calle a disparar y realizar retratos. Tengo pensado realizar una exhibición y editar un libro con estas estas últimas fotografías que estoy haciendo. Hay que mantenerse activo.

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¡Gracias a Suzuki-sensei por la entrevista! No dudéis en seguirlo a través de su web, Twitter, Instagram.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

 

Conceden a Daidō Moriyama el premio de fotografía más importante en el mundo

Daidō Moriyama, fotógrafo expuesto en el centro de arte valenciano Bombas Gens, dentro de la exhibición La mirada de las cosas. Fotografía en torno a Provoke gana el premio Hasselblad 2019.

La Fundación Hasselblad otorga este premio que, homónimo, es considerado como el Nobel de la fotografía japonesa.

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El fotógrafo japonés Daidō Moriyama (Nacido en 1938 en Ikeda, Osaka)

Si pensamos en fotografía japonesa nos vienen rápidamente a la mente dos nombres: Nobuyoshi Araki, Eikoh Hosoe o Daido Moriyama. Ambos considerados como verdaderas leyendas pero, en este caso, hablamos de este último. Moriyama ha sido proclamado recientemente ganador de uno del más prestigioso galardón que se otorga en el mundo de la fotografía, el premio Hasselblad. La Fundación Hasselblad, nombrada así en honor al inventor de la cámara reflex que la NASA empleó en primer viaje a la luna, ha querido reconocer su gran trayectoria y aporte a la fotografía japonesa y universal. Deshaciéndose en elogios han querido mencionar el gran instinto del fotógrafo japonés y su capacidad para detectar y capturar momentos a menudo radicales, a menudo incómodos, sexuales, sucios o intransigentes, pero siempre irrepetibles.

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“Influenciado por el fotógrafo William Klein, los escritos de Jack Kerouac, James Baldwin y el teatro experimental de Shūji Terayama, Moriyama a su vez ha inspirado a las siguientes generaciones de fotógrafos, no solo en Japón, sino también en todo el mundo Moriyama contribuyó a la renovación fotográfica que se produjo en Japón tras la Segunda Guerra Mundial, en paralelo a los grandes cambios económicos y culturales de esta época, marcada por enfrentamientos sociales, principalmente contra la herencia americana de la ocupación. Una ruptura propiciada por la revista Provoke (1968-1970), de la que fue integrante, y que entendía la fotografía como un lenguaje alternativo. La Fundació Per Amor a l’Art exhibe actualmente en Bombas Gens Centre d’Art algunas de sus obras realizadas durante este periodo; una treintena de piezas pertenecientes a la Colección Per Amor a l’Art que forman parte de la exposición La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke. La muestra se puede visitar de manera gratuita hasta febrero de 2020“. Nos cuentan desde el departamento de comunicación de Bombas Gens, a los que agradecemos la amabilidad de la información.

Más información, fechas y horarios de la La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke aquí.

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Fotografías de un Japón en modo rosa. Entrevista a María Cosmen (mochitto)

María Cosmen, alias mochitto, es una chica leonesa que vive en Japón desde hace más de cuatro años. Procedente de una pequeña ciudad del norte de España como es León, aterrizó en Tokyo y más tarde se mudó a Kanazawa, donde vive con su marido y su pequeño perro Ponchan. Nunca hubiese adivinado que llegaría a vivir en Japón ni que tuviera que ponerse manos a la obra con el estudio del japonés. Un día le presentaron a unas chicas japonesas que estaban estudiando español en una escuela de su ciudad, quedó prendada del idioma y la curiosidad le llevó a empezar a estudiar japonés.

Fiel compañera de una vieja Canon EOS Kiss x7. Con esta cámara ha aprendido todo lo que necesita uno para empezar a disparar e introducirse en el mundo de la fotografía. Es una cámara pequeña y muy ligera, fácil de transportar en tierras japonesas, a cualquier lugar donde le lleven sus pies. No duda en disparar a cualquier cosa que le llame la atención. Nos cuenta un recuerdo: Una bonita época en la que una compañera de trabajo se compró la misma cámara y juntas exploraban Tokyo en busca de lugares e instantes que fotografiar.

Instagram de mochitto.

Comencemos.

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La pregunta inevitable. ¿Qué tiene Japón para animarte a hacer fotos?

mochitto: Como muchos, empecé a hacer fotos cuando me mudé aquí porque todo era nuevo y muy diferente a España. Los primeros meses siempre salía con mi cámara en mis ratos libres a hacer turismo y fotos en los lugares más famosos de Tokyo y ahí empezó todo. Instagram y otras redes sociales me ayudaron mucho a la hora de inspirarme y aprender cosas nuevas sobre fotografía.

¿Analógico o digital?

mochitto: ¡Esta pregunta es muy complicada! Diría que va por etapas. Empecé a hacer fotos en digital y jamás me animé a probar lo analógico hasta hace tres años, que fue cuando me compré mi primera cámara analógica, una Minolta super super sencilla. Disparé con ella unos seis carretes o así y lo dejé hasta que volví a retomarlo el año pasado con una Canon AE1 Program. Y ahora de nuevo parece que vuelvo a lo digital. Me gustan mucho ambos estilos, cada uno tiene sus pros y sus contras, ¡pero no puedo quedarme solo con uno!

¿Qué elementos dirías que definen más tu estilo o línea estética?

mochitto: Uffff, esto también es muy difícil. Considero que aún no tengo un estilo propio definido y además siempre me gusta probar cosas nuevas a la hora de hacer y editar las fotos. Mucha gente me dice que soy buena con los close-up y que mis fotografías de naturaleza son muy bonitas. Y puede que sea cierto, de las cosas que más disfruto fotografiando son elementos de la naturaleza, sobre todo flores. También me fijo mucho en los colores y si subo alguna serie de fotos intento que todas tengan el mismo tono. Y también últimamente me gusta mucho hacer fotos de elementos de Japón antiguos, ya sea edificios, carteles, máquinas, coches… Algo así tirando a lo retro.

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Tus fotografías, ahora en primavera, tienen un agradable y cálido tono rosa. Es como una sensación sinestésica, que casi nos permite disfrutar del aroma del sakura con solo ver  tus fotos. ¿Cómo te influyen estilísticamente y emocionalmente las estaciones a la hora de fotografiar?

mochitto: Japón está muy ligado al cambio de las estaciones, además es un cambio que se nota mucho vayas donde vayas. Y no me refiero solo a la naturaleza, sino a los productos, decoraciones e incluso diseños de productos. Cuando llega la primavera y florecen los sakura también puedes ver un montón de cosas en los supermercados con paquetes de color rosa, pétalos de flores de cerezo y similares. Las estaciones más conocidas son la primavera y el otoño, pero el verano y el invierno no se quedan atrás. Por ejemplo, desde que nos mudamos a la prefectura de Ishikawa he podido vivir el invierno más de cerca, sobre todo el año pasado que nevó un montón. Y en verano no pueden faltar las cigarras haciendo ruido a todas horas, los kakigori, sandía, festivales de verano y fuegos artificiales. Haciendo referencia a la pregunta anterior, me guío mucho por los colores, así que cuando hago fotos intento que tengan el color predominante de la estación. Ahora estoy en modo rosa 💓

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¿Algún fotógrafo/a japonés favorito?

mochitto: Me gustan mucho @age_cox es de mis favoritos, y las cuentas de @hiraco y @seagulll424 me parecen de lo más adorables.

Si hablamos de fotos en analógico es muy difícil elegir. Los japoneses tienen ese “algo” especial, tienen muy buen gusto a la hora de hacer fotos en analógico. Por poneros un ejemplo, mirad las fotos de @pico.y y __schon

Creo que sigo muchas más cuentas de extranjeros viviendo en Japón porque muestran el Japón que los japoneses no ven, detalles más concretos que muchas veces los propios japoneses pasan por alto. A mi ese tipo de fotos me encantan.

@pendragoncillo es un mexicano que vive en Japón y se dedica a la street photography, juega mucho con luces y sombras y su trabajo es increíble.

Otra chica extranjera que vive en Japón y que hace fotos en analógico, @mocsow.

Y personalmente me gusta mucho el perfil de @catguts_ Por desgracia no vive en Japón, pero siempre que lo visita hace unas fotos preciosas, ¡echadle un ojo!

¿Has realizado alguna exposición de tus fotos o estás pensando en hacerlo?

mochitto: ¡Sí! Justo a principios de febrero monté mi primera exposición en el bar del hostel donde trabajo, aquí en Kanazawa. ¡Me propusieron la idea y yo no pude decir que no! Me encantó todo el proceso de organizar la exposición, desde la selección de fotos, tamaños, marco o no marco, lugar donde poner las fotos, títulos… La verdad es que lleva mucho más trabajo de lo que había pensado en un principio, pero ver el resultado final con tus fotos en las paredes (¡y con marco! ¡Los marcos hacen que tus fotos mejoren muchísimo!) merece muchísimo la pena. Siempre había pensando en montar una exposición con mis fotos y me alegro mucho de que la primera haya sido en mi lugar de trabajo.

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Comentas que la afición a la fotografía despertó en ti cuando vivías en Japón ¿Conservas ese ímpetu por fotografiar cuando regresas a tu ciudad?

mochitto: Desde que vivo en Japón solo he vuelto de vacaciones una vez a España, y este abril vuelvo por segunda vez. Por supuesto llevaré la cámara y haré fotos siempre que pueda, sobre todo de amigos y familiares para tener buenos recuerdos.

Nos flipa que vendas tus fotos y que se puedan disfrutar físicamente.

mochitto: Mi tienda online es una tienda pequeñita que actualizo siempre que tengo tiempo y fotos nuevas que ofrecer. Hay tanto fotos digitales como analógicas que pueden comprarse por separado o el set entero. Por supuesto hago envíos internacionales y siempre meto detallitos dentro de los sobres para que haga más ilusión cuando lleguen a sus destinatarios. Hasta ahora solo había un tamaño disponible, prints en tamaño postal, pero desde este mes podréis hacer pedidos de algunas fotos en B5.

Para los interesados, ¡aquí está el link!

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Instagram de mochitto.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández

Intercity-Express y Nonotak embajadores del arte digital japonés en el festival MUTEK.ES

El festival internacional de creatividad digital MUTEK.ES celebra este año 2019, entre el 6 y el 9 de marzo, su décima edición en Barcelona. El festival, dedicado a difundir la creatividad digital en música y artes visuales, ha querido para esta edición que el arte digital japonés estuviese muy presente en Barcelona.

Fundación Japón, institución para la difusión de la lengua y la cultura japonesa, colabora apoyando la presencia de dos artistas que servirán como muestra del alto nivel del arte digital en Japón, Intercity-Express (Tetsuji Ohno), quien presentará su espectáculo de música y video proyecciones digitales Triggering (2018), y el músico-arquitecto Takami Nakamoto, miembro del dúo Nonotak junto a la ilustradora Noemi Schipfer, quienes expondrán una de sus últimas instalaciones, ZERO POINT ONE.

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Nonotak es la colaboración entre la ilustradora Noemi Schipfer y el arquitecto-músico Takami Nakamoto. Nonotak comenzó como un proyecto encargado por los arquitectos franceses Bigoni-Mortemard para diseñar un mural de vestíbulo para viviendas públicas en París; Desde entonces, su trabajo se ha mostrado en algunos de los festivales y galerías de arte más prestigiosos del mundo.
Juntos crean deslumbrantes instalaciones de arte visual que cobran vida, fusionan música electrónica, diseño de iluminación con luces estroboscópicas, sombras y múltiples pantallas integradas en estructuras que rodean a los artistas. Noemi y Takami confunden lo virtual y lo real en presentaciones hipnóticas con nombres como Daydream, Isotopes y Dream Collapse, creando un universo de sonido interactivo y metamorfosis ligera que envuelve no solo a los artistas, sino también al público.
Su estilo combina colisiones geométricas en arquitecturas de luz y sonido en instalaciones audiovisuales que exploran (y superan) los límites de la percepción humana. Fuente: Mutek

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Proyecto audiovisual del músico Tetsuji Ohno, nacido en Tokio. Ohno comenzó su carrera en la producción musical a finales de los 90, después de trabajar a mediados de los 90 como DJ en Tokio y sus alrededores. Simultáneamente, ha estado desarrollando trabajos de audio y video para presentaciones en vivo y publicidad. Su sonido tiene una fuerte influencia de sus experiencias en los géneros house, techno, noise y electrónica.

Ha sido invitado a festivales de música y medios de comunicación de todo el mundo, como MUTEK Scopitone (Francia), HPL (Rusia) y Sunscape (Matla). Adicionalmente, sus obras de exhibición han sido premiadas con premios como ARCHIVO (Brasil).

Al vivir en Japón, desarrolla continuamente nuevos proyectos que buscan conectar orgánicamente los sentidos humanos a través de experiencias de sonido integradas en lugares como los Museos Nacionales, en producciones de contenido artístico y comercial. Recientemente ha estado colaborando con el artista sonoro Shinichi Yamamoto en una variedad de proyectos. En esta ocasión nos presenta su último trabajo, Triggering (2018). Fuente: Mutek

ACTIVIDADES:

Masterclass de Nonotak en el Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya

Lugar: Escuela IAAC (Pujades 102, Poble Nou, 08005 Barcelona).

Fecha y hora: martes 5 de marzo a las 19.00h.

Entrada gratuita. Pulse aquí para solicitar plaza.

ZERO POINT ONE, instalación audiovisual de Nonotak en Roca Barcelona Gallery

Lugar: Roca Barcelona Gallery (Carrer de Joan Güell, 211, 08028 Barcelona)

Fechas y horarios: Inauguración miércoles 6 de marzo a las 19.00h.
Entrada: 12€. Para más información sobre la compra de entradas aquí.

Visitas: Desde el jueves 7 al domingo 10 de marzo de 9.00h a 20.00h.


Intercity-Express presenta su show Triggering

Lugar: Antigua Fábrica Estrella Damm (Carrer del Rosselló, 515, 08025 Barcelona).

Fecha y hora: sábado 9 de marzo – 19.00h (El evento comienza a las 13.00h y termina a las 22.00h y cuenta con la participación de varios artistas internacionales).

Entradas: 10€. Para más información sobre la compra de entradas aquí.

Más información en la web del festival.


Información cedida por el Departamento de Arte y Cultura de Fundación Japón.

‘La mirada de las cosas’ exposición de obras japonesas que transformaron radicalmente el lenguaje fotográfico.

La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke podrá visitarse del 22 de febrero de 2019 al 2 de febrero de 2020.

La selección de piezas de la Colección Per Amor a l’Art que se exhibe constituye la colección más importante de fotografía japonesa del periodo 1957-1972, en manos privadas, fuera de Japón.

Bombas Gens Centre d’Art presenta La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke. Se trata de una selección de piezas de la Colección Per Amor a l’Art de los integrantes de la agencia VIVO -Ikkō Narahara, Shōmei Tōmatsu, Eikoh Hosoe, Akira Satō y Kikuji Kawada-, activa entre 1959 y 1961, así como del colectivo Provoke (1968-1970): Yutaka Takanashi, Takuma Nakahira y Daidō Moriyama. También se muestra el trabajo de Hiroshi Hamaya, Takashi Hamaguchi, Toyoko Tokiwa, Nobuyoshi Araki, Tamiko Nishimura, Ishiuchi Miyako, Kōji Enokura y Michio Harada. Todos ellos, fotógrafos y fotógrafas japoneses que entre 1957 y 1972 fueron artífices de una transformación radical en el lenguaje fotográfico.

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“Para nosotros esta exposición es muy especial porque en ella se muestra uno de los núcleos más potentes de la Colección Per Amor a l’Art. De hecho, podría afirmarse que la selección que se exhibe constituye la colección más importante de fotografía japonesa de esta época, en manos privadas, fuera de Japón.
Estábamos deseando poder compartirla con el gran público desde hace mucho tiempo y por fin ha llegado el día”

Así lo ha manifestado Susana Lloret, vicepresidenta de la Fundació Per Amor a l’Art. La propuesta de Bombas Gens pone el foco en la renovación fotográfica que se produjo en el país nipón durante la posguerra, en paralelo a los grandes cambios económicos y culturales de este período, marcado por enfrentamientos sociales, principalmente contra la herencia americana de la ocupación. Una ruptura propiciada por la revista Provoke, de la que tan sólo se publicaron tres números (entre 1968 y 1970), y que entendía la fotografía como un lenguaje alternativo. El grupo de fotógrafos que la fundaron, a su vez, bebía de la influencia de otra formación: VIVO. Una agencia inspirada en la americana Magnum Photos con el objetivo común de forjar una fotografía crítica y subjetiva, en oposición a las convenciones establecidas.

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“Al principio teníamos piezas de sólo dos fotógrafos, Tōmatsu y Moriyama, y a partir de ellos empezamos a tirar del hilo y a completar el conjunto al que hemos llegado. Contrariamente a lo que pueda parecer en un primer momento, el vínculo de los fotógrafos que exponemos no es nacional, sino personal. Todos ellos tenían una relación en vida, no nos hemos inventado ningún nexo de unión porque ya existía. Tan sólo hemos recopilado sus obras”, ha afirmado Vicent Todolí, director del Área de Arte de la Fundació Per Amor a l’Art y co-comisario. A su vez, la co-comisaria y directora de Bombas Gens Centre d’Art, Nuria Enguita, ha explicado que “se ha hecho un trabajo de recopilación al que también se ha sumado una labor investigadora, fruto de la cual presentamos hoy las obras de cuatro generaciones de fotógrafos. A través de ellas, se puede observar perfectamente una evolución, y las influencias que supusieron los unos para los otros. Además, sacamos a la luz tres nombres femeninos: Toyoko Tokiwa – dedicada sobre todo al retrato de las mujeres trabajadoras-, Tamiko Nishimura – que comenzó como ayudante de Moriyama- o Ishiuchi Miyako, que comienza su trabajo en 1975 en la estela de Provoke.”

También se presenta la obra de Michio Harada, un profesor de química y fotógrafo amateur coetáneo al resto de autores de la muestra y descubierto por el artista João Penalva.

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Fechas y horarios

BombasGens Centre d’ Art – Av. de Burjassot 54-56, 46009 Valencia, España

Del 22 de febrero de 2019 al 2 de febrero de 2020

De miércoles a domingo de 11:00 a 14:00 y de 16:99 a 20:00

Entrada gratuita


 

Más información en la web de BombasGens.

Información cedida por BombasGens.

 

Supercodex de Ryoji Ikeda este febrero en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

El artista visual y compositor japonés capaz de leer las infinitas relaciones entre arte y tecnología y materializar de manera fascinante el sonido de la información y la información del sonido, por primera vez en Madrid con su último trabajo: Supercodex. Un directo audiovisual que se mueve entre lo experimental y el Techno abstracto en una intensa experiencia sensorial única e hipnótica dentro del universo binario de los números y las imágenes.

Hay quien le define como el Mozart de la performance digital electrónica y de la música audiovisual actual. Y lo cierto es que es uno de los compositores más innovadores de la escena contemporánea y uno de los exponentes más radicales del universo matemático de la editorial alemana Raster-Noton, además del referente mundial y el pionero de la nueva música electrónica minimalista integrada con otras artes y la ciencia.

El artista visual y músico japonés Ryoji Ikeda (1966, Gibu) formará parte de la programación de la X Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Acontemporáneas (MADATAC), para ofrecer un concierto audiovisual único en la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes (CBA) el 23 de febrero (20h.). Gracias a la Muestra, por primera vez en Madrid se podrá ver y escuchar Supercodex, un concierto audiovisual que toma su título del álbum homónimo y completa la trilogía iniciada en Dataplex (2005) y Test Pattern (2008) para concluir de manera extrema los resultados de una compleja investigación sobre la relación dual entre el sonido digital y su traducción a datos informáticos. Porque, después de casi 20 años de investigación, 8 álbumes, publicaciones y un mayor número de instalaciones ambientales y actuaciones en directo donde su video arte sonoro se convierte en una experiencia perceptiva, si algo define a
este músico inusual es su capacidad y profundidad para leer las infinitas relaciones entre arte y tecnología y para crear una matemática del sonido a partir de principios aritméticos que permitan modificar logaritmos de manera expresiva, elaborando representaciones visuales y sonoras de la información que contienen.

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¿Qué es lo que más interesa hoy en día en el mundo empresarial y en el imaginario colectivo del arte contemporáneo? Acaso los datos, su flujo y su movimiento. Por eso Ikeda logra materializar de manera fascinante el sonido de la información y la información del sonido. Y lo hará en MADATAC, en un directo multitudinario en el CBA que, en la línea de los experimental y el Techno abstracto, garantiza una intensa experiencia sensorial hipnótica en el universo binario de los números y las imágenes. Orquestando sonido, imágenes, materiales, fenómenos físicos y nociones matemáticas, en Supercodex construye, mediante diversos fragmentos, un flujo que aúna las dimensiones visual y auditiva, y revela, entre códigos y cálculos, un corazón palpitante adentrándose en un mundo de belleza desconocida, así como la esencia aritmética y computacional del sonido. Pionero en trasladar la electrónica a lugares donde nunca nadie se ha atrevido, Supercodex se presenta en Madrid como “un concierto fácilmente equiparable, como dicen los expertos, a un viaje astral, algo muy diferente a lo que nadie haya visto antes”, afirma el director de MADATAC, Iury Lech. Ikeda actúa y expone en los museos más importantes del mundo, entre ellos el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, Museo de arte de Singapur, Ars Electronica Center Linz, Elektra Festival Montreal, Sonar Barcelona, Aichi Triennale Nagoya, Palazzo Grassi Venecia, Barbican Center Londres, DHC/Art Montreal, MoMA Nueva York, Metropolitan Museum of New York, Experimento Kyoto, etc.

-Fecha y horario: 23 de febrero de 2019, a las 20:00 h.

-Lugar: Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Calle de Alcalá, 42

-Venta de entradas en la web del CBA


Información cedida por el Departamento de Comunicación del Círculo de Bellas Artes.

El impresionante Japón del fotógrafo Hikaru [Entrevista]

Currante en el mundo de la moda de día, fotógrafo de noche. El japonés Hikaru es uno de esos maestros de la fotografía urbana japonesa cuyas fotos rebosan likes en Instagram. Un artificiero del alto rango dinámico que patea desde los principales spots turísticos de la ciudad hasta las esquinas más ocultas y de regusto cyberpunk de Tokyo. El sueño erótico de una campaña turística que busque vender el Japón nocturno al viajero más intrépido y con ganas de descubrir la verdadera esencia la capital nipona.

1. ¿Quién eres y cuáles son tus armas?

H: Soy Hikaru. Por la noche soy un fotógrafo amateur que dispara escenas urbanas, callejeras y retratos, entre otras cosas. Por el día trabajo en el departamento de recursos humanos de una empresa de venta de moda online. Fundamentalmente tiro de mi Fujifilm X-T20, junto con una lente XF 16-55MM f2-8 y un Laowa 9mm f2.9.

2. ¡Sea el lugar que sea, Tokyo siempre luce impresionante en tus fotografías! ¿Prefieres fotografiar lugares turísticos o explorar la ciudad a la búsqueda de algo más nuevo y original?

H: Me gustan ambas cosas. Acudir a los sitios de siempre y estudiar nuevas formas de mostrarlos o perderme por la ciudad en busca de lugares nuevos e incluso desconocidos para mí.
Los turistas… o mejor, los viajeros, acuden a lugares que siempre son agradables y gratificantes de visitar y contemplar. Por este mismo motivo los fotografían y no hay nada malo en ello. Pero es verdad que como fotógrafo, uno siente que es más especial localizar lugares nuevos y esforzarse hasta conseguir la toma deseada. Sin embargo, esto es bastante complicado en Tokyo. Siempre va a haber alguien que tenga la idea de acudir al mismo lugar que tú, lo que convierte a la fotografía urbana en esta ciudad en una verdadera lucha por los nuevos conceptos y la búsqueda de la originalidad.

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3. ¿Cómo llegaste a definir tu línea estética? ¿Cuál ha sido tu trabajo más frustrante hasta la fecha?

H: Creo que es importante que uno investigue su propio trabajo y su concepción artística de la fotografía, y que cada uno debe seguir su propia línea y crear cierta concordancia con el resto de su obra. Lo más difícil para mí es la still life photography o fotografía artística de naturaleza muerta y bodegones. Una vez me pidieron un trabajo de ese rollo y me di cuenta lo difícil que era extraer esa parte estética e interesante de los objetos. Fue ahí cuando por primera vez fui consciente de que dominar el arte de la iluminación en la fotografía requiere mucha maestría.

4. En tus fotografías eres capaz de extraer ese toque cyberpunk que a menudo se asocia con la ciudad de Tokyo. Mirándolas, a veces sentimos que estamos en la película francesa Enter the Void (2009) de Gaspar Noé y otras veces parece que estuviéramos ojeando una guía turística de un Japón más parecido al de Ghost in the Shell. ¿Cual es para ti el lugar más cyberpunk en la ciudad?

H: El lugar más atmósfera cyberpunk me transmite en este mundo es, sin duda, el distrito de Shinjuku en Tokyo. Incluso me atrevería a decir que es un lugar sagrado para los adeptos de la fotografía urbana en Japón. Si estáis de visita por aquí, os recomiendo que no os lo perdáis.

Es en Shinjuku donde tiene lugar Enter the Void, más concretamente en el vecindario de Kabuki-cho. También es el lugar que inspira muchos de los lugares del manga Ghost in the Shell. Es verdad que me han asociado más de una vez con la estética cyberpunk, pero la realidad es que yo no intento darle ese toque a mis fotografías o al menos esa no es mi intención. Procuro encontrar mi propio tono y me esfuerzo por crear y tener mi propio lenguaje visual.

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5. ¿Está Japón sobre fotografiado?

H: Sin duda. Japón está completa y perfectamente sobre fotografiado. Las redes sociales están a reventar de fotos aburridas de Japón pero también son el sitio donde podemos encontrar que hay muchos géneros fotográficos super interesantes. Lo único que puede hacerse es mirar solo lo que es interesante y sobre todo, como fotógrafos, pelar por ser originales.

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6. ¿Cómo es tu fotografía soñada?

H: Cualquiera que sea capaz de fascinar a todo el mundo y capaz de fascinarme a mí también. Una fotografía inexplicable e irrepetible.

7. ¿Algún proyecto actual o futuro?

H: Estoy trabajando en un web que me sirva de portfolio, más allá de mi Instagram. Por otro lado, continuaré fotografiando Tokyo, pero me gustaría que todo el mundo pudiera conocer más aspectos de esta ciudad y que mi fotografía salga de estas fronteras.

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Podéis echar un vistazo a su trabajo en su cuenta de Instagram.

Entrevista realizada por José Fernández.

Los ‘Campos de batalla’ del japonés Meiro Koizumi inauguran el nuevo programa de arte audiovisual contemporáneo de Matadero

Desde el 17 de enero al 10 de marzo de 2019 ‘Profundidad de campo’ presentará la obra del artista japonés Meiro Koizumi

 

Matadero Madrid presenta, a partir del jueves 17 de enero, un nuevo proyecto expositivo titulado ‘Profundidad de campo’. Este programa internacional tiene como objetivo ofrecer una visión en profundidad del trabajo de artistas que desarrollan su obra en formato vídeo, dialogan con el cine o proponen instalaciones con imágenes en movimiento. Mediante la presentación de las obras de estos creadores, tanto de trayectoria reconocida como emergente, el programa pretende contribuir a generar un espacio continuo para el diálogo que contribuya a un mejor entendimiento del medio audiovisual. Así, mostrará el último trabajo de cada uno de los artistas junto con una selección de trabajos representativos de su trayectoria.

La programación de ‘Profundidad de campo’, comisariada por Ana Ara, se estructura en diferentes ciclos temáticos. El primero de ellos abordará el tema de la violencia con la muestra y el acercamiento a la obra de Meiro Koizumi (Gunma, Japón, 1976) y María Ruido (Xinzo de Limia, Ourense). La producción artística de ambos autores indaga, desde diferentes ángulos y lenguajes artísticos, la violencia entendida como la fuerza que impregna tanto el ámbito íntimo de los cuerpos como el público de la historia. La obra de Meiro Koizumi se mostrará desde el 17 de enero al 10 de marzo y la de María Ruido, entre el 14 de marzo y el 5 de mayo.

Koizumi examina en sus trabajos temas fundamentales en la configuración de la sociedad contemporánea como las dinámicas de poder, el conflicto entre deber y deseo o los límites entre lo público y lo privado. Koizumi recrea en sus obras situaciones de extrema tensión en las que en muchas ocasiones conviven lo cómico y lo cruel. Tomando su país natal como caso de estudio para abordar temas universales, varias de sus obras pueden ser entendidas como un comentario sobre cómo los traumas del pasado histórico afectan la construcción política del presente.

El jueves 31 de enero a las 19.30h se celebrará un encuentro público con Meiro Koizumi en Cineteca Madrid para conocer en primera persona el trabajo del artista.

 

La obra central de la exposición es Campos de batalla (2018), el último trabajo del autor, en el que presenta a siete veteranos de la guerra de Irán y Afganistán quienes relatan en primera persona sus experiencias dolorosas durante estos conflictos militares, mientras graban paisajes y escenas banales de su vida cotidiana.

Los efectos de la guerra y la idea del conflicto, personificada en la figura del soldado, son los dos ejes temáticos de la selección de obras de la exposición y dos de los temas principales que este artista ha abordado en otros de sus trabajos que se mostrarán en Matadero como Retrato de un joven samurái (2009), en el que un actor vestido con el uniforme de piloto de la segunda guerra mundial es obligado a expresar repetidamente y cada vez con más intensidad el “espíritu del samurái” mientras escenifica con patetismo la despedida de sus padres antes de llevar a cabo una misión suicida.

En los trabajos Donde el silencio falla (Doble proyección #1) (2013) y Palabras capturadas (2015), Koizumi recurre a los testimonios directos de dos personas que vivieron, en dos momentos de sus vidas muy diferentes, la experiencia de la guerra en Japón. Por su parte, en su obra temprana Mamá (2003), muestra una conversación telefónica anodina entre el artista y su madre que vira repentinamente y de forma absurda de la armonía a la agresividad cuando el autor confiesa que está “en una guerra”.

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Donde el silencio falla (2013). Koizumi entrevista a un antiguo combatiente japonés que participó del programa kamikaze de Japón durante la II Guerra Mundial

Cineteca Madrid ofrecerá entre el 8 y el 31 de enero, un ciclo de películas seleccionadas por Koizumi en el que se encuentran títulos como el documental Restrepo, de Tim Hetherington y Sebastian Junger (EE.UU., 2010, 69′); Cuentos de Tokyo, de Yasujiro Ozu (Japón, 1953, 139′); Rikugun (The Army), de Keisuke Kinoshita (Japón, 1944, 87′); y La delgada línea roja de Terrence Malick (EE.UU., 1998, 163′).

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Fotograma del largometraje Rikugun (The Army) de Keisuke Kinoshita (1944)

Meiro Koizumi

Nace en Gunma en 1976, vive y trabaja en Yokohama. Ha estudiado en la International Christian University de Tokio (1996-1999), el Chelsea Collegeof Art and Design de Londres (1999-2002) y la Rijksakademie van BeeldendKunsten de Ámsterdam (2005-2006). Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México (2015), el MoMA de Nueva York (2013), el Art Space de Sídney (2011) y el Mori Art Museum de Tokio (2009). Koizumi ha presentado su obra en las bienales de Shanghai (2018), Montreal (2016), la de Escultura de Shenzhen (2014), de Liverpool (2010) y la Trienal de Aichi (2010) y ha participado en otras muestras colectivas en Museo Nacional de Osaka (2018), la Tate Modern (2007 y 2013) y el Barbican Centre (2002) de Londres. Podéis echar un vistazo también a su web.

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Meiro Koizumi en la presentación de su exhibición TODAY MY EMPIRE SIGNS (2016) en el De Hallen Haarlem en Países Bajos

Fechas y horarios

Programa expositivo
Nave 0. Antigua cámara frigorífica de Matadero Madrid
Del 17 de enero al 10 de marzo de 2019

Encuentro con el artista
Cineteca Madrid
31 de enero, 19.30 h.


 

Más información en la web de Matadero Madrid.

Información cedida por Matadero Madrid.