Esculpiendo porno en madera. Entrevistamos al artista okinawense Taisei Otsuka

El pasado octubre de este año tuvimos la oportunidad de conocer y entrevistar a Taisei Otsuka en la galería Souvenir de la ciudad de Barcelona en una exposición paralela al marco de la feria de arte contemporáneo SWAB Barcelona 2018. Taisei nos llamó la atención por ser un escultor okinawense que esculpe en madera momentos y objetos de su vida cotidiana en la ciudad de Naha. Transmuta en madera desde revistas porno, hasta miembros de su familia, pasando por todo tipo de objetos y elementos que le inspiran en su día a día como artista en el archipiélago okinawense. Nuestro artista también expuso en el SWAB en un stand colectivo con sus compañeros Daichi Sato, Paula Fujiwara, Masaya Hiraoka y Cliff Miyagi de los estudios Arcade y One’s Room de Okinawa.

Os dejamos con una interesante entrevista donde este artista formado en la Universidad de Arte Prefectural de Okinawa y que ha llegado a exponer en el Museo Metropolitano de Arte de Tokyo, nos habla de su obra y reflexiona sobre el concepto de la desnudez en Japón.

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¿Qué hace que un artista okinawense quiera mostrar su arte más allá de Japón?

TAISEI: Todavía no puedo decir que como artista me sienta satisfecho pero, tras haber visitado España y otros lugares en Europa estos últimos meses, he regresado a Okinawa con fuerzas renovadas y con ganas de ponerme manos a la obra con nuevas creaciones para poder darme a conocer un poco más.

Aunque esto está cambiando, antes sólo podía hablarse de que el arte importante y que era líder en el mundo se hacía en Europa y Estados Unidos. Siempre andaba dándole vueltas a la cabeza y preguntándome por qué esto era así pero, últimamente he dejado de hacerlo. De repente me interesa y me preocupa más lo que tienen que decir Okinawa y Japón. Realmente quiero descubrir dónde reside el verdadero interés y la personalidad del arte que se hace aquí, en mi tierra natal.

Si “rebobinamos” o invertimos el proceso de fabricación de un trozo de papel, o en tu caso una revista porno o un comic manga, obtenemos un trozo de madera de lo que originalmente podría haber sido un roble o un arce. Esto lo despojaría de su contenido gráfico e intelectual. Sin embargo tú empleas la pintura como si quisieras recuperarlo mientras se mantiene la pureza de la madera original.

¿Cómo surge la idea para tus piezas PORNO (PINK) y PORNO (BLUE)?

TAISEI: Estas dos obras que mencionáis, PORNO (PINK) y PORNO (BLUE), están basadas en toda esa cultura de las revistas porno que existe y, a pesar de internet, perdura en Japón. El porno puede ser algo muy banal pero también de alguna forma es un producto cultural que n nos habla de temas como el género, la sexualidad o el deseo y la lujuria. Lo que he sentido haciendo PORNO (PINK) y PORNO (BLUE) es que estaba evidenciando y transformando en algo muy tangible y evidente asuntos como la sexualidad de los japoneses de hoy en día. Este ha sido mi objetivo e intención principal con ambas obras: materializar algo muy habitual de nuestra sociedad pero que esta se empeña en apartar de lo cotidiano, como se hace con muchos tabúes.

Tiene mucho sentido y es muy interesante la reflexión y analogía que hacéis, ya que al fin y al cabo el papel procede de los árboles y yo esculpo revistas cuyas páginas están talladas directamente en madera, material cuyo origen es el mismo. Siempre me ha gustado emplear la madera en mis esculturas, ya sea para tallar figuras humanas o para hacer estas revistas. Me encanta tallar en madera en parte por la afinidad que siento que tengo hacia las esculturas tribales y folclóricas.

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PORNO PINK, 2018. Las esculturas de madera de Taisei Otsuka se confunden a la vista con los objetos reales a los que estas representan.
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PORNO BLUE, 2018

Sin embargo, realizas esculturas en madera de mucha variedad de objetos. ¿Qué tipo de objetos pueden transformarse en madera dentro del universo Taisei y cuáles no? ¿Estos objetos son simplemente objetos o más bien los sentimientos y las emociones que despiertan en nosotros al verlos convertidos en madera?

TAISEI: Hay muchas cosas que me hacen decantarme por unos temas u otros para elegir el motivo principal de mis esculturas. Una de ellas es el estudio de lo efímero. Lo efímero puede ser pura y literalmente basura que se corrompe, y otras veces lo efímero es un momento irrepetible de la vida. Me siento inevitablemente atraído por este tipo de cosas y creo que tienen cierto valor que las hace importantes. En mi caso, intento transmitir esta sensibilidad e interés por lo efímero utilizando la escultura como medio.

Uno de tus proyectos buscaba retratar a familias reales desnudas y transformarlas en esculturas de madera. No hemos podido evitar acordarnos del recientemente fallecido fotógrafo chino Ren Han, quien también procuró romper esta frontera del pudor y la vergüenza familiar pidiéndole a su madre que posara desnuda para él.

La familia es un grupo de personas que pertenecen a generaciones muy distintas y que posee lazos muy fuertes entre sus integrantes. ¿Cómo se les consigue animar a dejar de lado durante un rato estos tabúes sociosexuales?

TAISEI: Eso siempre va a depender de la naturaleza de la persona. Está claro que cada persona es un mundo y no queda otra que aceptarlo. Por ejemplo, nosotros somos capaces de detenernos ante una obra de arte y formularnos preguntas sobre su realización o el significado de su mensaje. Tenemos ese aspecto en común y podemos comunicarnos en base a eso. Esta empatía que basa en la comunicación y la opinión libre de cada uno es la clave para conseguir la confianza mutua necesaria para realizar este tipo de trabajos.

En Japón podemos encontrar festivales como el Hadaka Matsuri (Festival Desnudo), donde los hombres participan tan solo vistiendo un pequeño taparrabos llamado fundoshi. Los luchadores de sumo ocultan sus genitales con un cinto denominado mawashi, pero pelean prácticamente desnudos. Además, existen festivales que celebran los genitales masculinos donde se pasean representaciones de figuras fálicas por las calles, como es el caso del Kanamara Matsuri.

Como artista japonés, ¿crees que esta concepción de la desnudez en Japón es una ventaja?¿Son los okinawenses más abiertos de miras que el resto de Japón?

TAISEI: Una vez más una pregunta muy interesante. El sumo y muchos otros matsuris japoneses parece que, a pesar de su carácter tradicional, presentan una mentalidad más abierta que la de la sociedad y el país en el que se enmarcan. Aunque me temo mucho que en el fondo simplemente se trata de formalismos que se han mantenido y no una forma de reivindicar el cuerpo humano. En el Japón de ahora, festivales como el Fundoshi/Hadaka Matsuri o el Kanamara Matsuri no son representativos de la desnudez, más bien algo extraordinario, una oportunidad de divertirse rompiendo con lo cotidiano. Es más una libertad como la de un baile de máscaras venecianas, un tiempo pactado durante el que puedes permitirte hacer ciertas cosas que el resto de días la sociedad no aceptaría.

Al fin y al cabo, y en mi opinión, el mawashi de los luchadores de sumo no representa más que su uniforme de trabajo y tampoco es mucho más nudista que un bañador de natación.

Tampoco creo que nuestros antepasados japoneses del periodo Edo, momento en el que surgieron estos matsuris, tampoco creo que fueran más abiertos de mente que nosotros. Por ejemplo, el extensísimo mundo porno de la estampa erótica clásica japonesa o shunga, cumplia la función de evitar las relaciones extramaritales, permitiendo que sus consumidores pudieran desahogarse. Se dice que incluso las esposas de la época las compraban para sus maridos, aunque puede ser que las compraran para ellas mismas también. En cualquier caso creo que este también es un poco el cometido del manga japonés actual y que sin duda supera a la propia sociedad japonesa y al resto del mundo en cuanto a apertura a temáticas sexuales de todo tipo y naturaleza.

Es difícil en estos temas encontrar diferencias verdaderamente sustanciales entre los habitantes de las islas de Okinawa y los de Honshu o el resto de Japón. Japón contiene en su interior una gran multitud de realidades muy distintas entre sí: por un lado grandes ciudades y por el otro zonas rurales donde todos los cambios se producen muy despacio. Tokyo mismo es como un crisol de culturas y con Okinawa pasa igual.

Si resulta que Japón es de color azul, Okinawa sería un tono azul diferente pero sin llegar a ser verde ni morado. Pero en realidad no sé si la gente en Okinawa es más abierta, aunque en mi opinión sí que creo que abunda la amabilidad y la cercanía más que en otras zonas de Japón y esto es algo que a mí mismo me sorprende.

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Suzuki Harunobu, 1770

La última semana de septiembre habéis viajado hasta Barcelona para exponer algunas piezas en la galería Souvenir en el barrio de Gràcia y también en la feria de arte contemporáneo SWAB en Montjüic. ¿Cómo ha sido la experiencia de exponer aquí?

¿ Puedes contarnos algo de algún proyecto actual o futuro?

TAISEI: ¡Me sorprendió y alegró mucho el calor e interés que el público español tuvo en mis piezas y mi técnica!

Puede decirse que el haber viajado fuera este tiempo ha hecho que me replantease muchos aspectos de mi vida en Okinawa. Como decía al principio ahora quiero centrarme y esforzarme más en desarrollar mi propia obra. Últimamente trabajo mucho los retratos. Soy profesor de pintura para niños de instituto y mis estudiantes están ahora realizando retratos muy interesantes e inspiradores. Me gustaría continuar por este camino para desarrollar también un nuevo proyecto. Aún no tengo ni idea de que se tratará o de cómo voy a hacerlo, pero solo el hecho de pensar en ello me llena y me motiva mucho.

Podéis conocer más sobre TAISEI en su Instagram y su sitio web.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

 

Los japoneses Exonemo materializan la deep web en Matadero con su mercado negro Yami-Ichi

The Internet Yami Ichi, o “mercado negro de internet”, es un proyecto que nace en Tokyo en 2012 de la mano de una sociedad secreta online, IDPW, que desde entonces se ha replicado en decenas de ciudades, y que el festival Tentacular organiza por primera vez en Madrid en colaboración con los artistas Mario Santamaría y Julian López.

Este sábado 24 de noviembre, de 12:00 a 17:00 en la Nave 16 de Matadero Madrid, con entrada libre.

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En el marco de Tentacular, Festival de Tecnologías Críticas y Aventuras Digitales, este sábado 24 de noviembre, entre las 12:00h. y las 17:00h., en la Nave 16 de Matadero Madrid, tendrá lugar la primera edición madrileña de The Internet Yami-Ichi, el bazar de las cosas de Internet, un formato experimental, entre la exposición y la performance colectiva, ideado IDPW, una sociedad secreta online tras la que se esconde el dúo de artistas japoneses Exonemo, compuesto por Sembo Kensuke y Akaiwa Yae.

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El dúo artístico Exonemo Sembo Kensuke y Akaiwa Yae) © Fotografía por annetteboutellier.com

The Internet Yami Ichi

Mitad mercadillo, mitad gabinete de curiosidades, es un espacio abierto y divertido donde se trafica con ideas e imágenes, inventos absurdos y objetos cotidianos procedentes de las zonas más imaginativas, insidiosas e invisibles de la web. El primer Internet Yami-Ichi fue organizado en Tokio en 2012 por el dúo artístico Exonemo y su misterioso colectivo de arte online IDPW, “una sociedad secreta online con más de 100 años de historia”. Hasta la fecha ha viajado por numerosas ciudades, como New York, Berlín, Barcelona, Moscú, Amsterdam y Seúl.

Vuelta de tuerca a la idea habitual de exposición, entre el encuentro y la performance, es un mercado de pulgas o bazar de “cosas de internet” en el que diseñadores, programadores y artistas muestran, exponen y trafican con ideas, procesos y objetos procedentes de las zonas más imaginativas, insidiosas e invisibles de la web.

Entre los artículos que han sido vendidos en anteriores Yami-Ichis encontramos de todo: desde links prohibidos a ropa estampadas con interfaces ya desaparecidas, desde una clínica de rehabilitación para adictos a Internet hasta asesoramiento para escribir e-mails de odio, contraseñas de usuarios, globos de nieve Edward Snowden, apps rechazadas por Apple, paquetes de 10 Likes por 1 € o fragmentos de discos duros procedentes de un data center de Google en Bélgica.

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Internet Yami-Ichi en TATE Modern, Londres, 2016
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Internet Yami-Ichi en Tokyo, 2012
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Internet Yami-Ichi en Berlín, 2014

Lista de participantes de The Internet Yami-Ichi / Madrid:
IDPW (アイパス) http://idpw.org/ — Clusterduck https://clusterduck.bigcartel.com/ — Tmtmtm https://tmtmtm.xyz/ — Diego Paonessa http://diegopaonessa.net/ — David Quiles Guillo https://davidquilesguillo.com/ — m_m http://www.mariosantamaria.net — Antonio Ferreira http://estudioescritorio.tumblr.com — Sand Gardeners https://sandgardeners.itch.io/brownie-cove-express — Homo Velamine https://www.homovelamine.com/ — Becoming Collective http://becoming.network/ — Daniel Armengol Altayó http://armengol-altayo.com/ — Alicia Way http://away-aliciaway.tumblr.com — Olmo González https://www.olmogonzalezmoriana.com — Dalila Virgolini http://www.dalilavirgolini.com — Las Supernenas http://lagrietaonline.com/la-mono-falange-las-supernenas-matias-daporta-jovendelaperla-somosanto/ — Antonio Zingaro forzaantonio.it — Onur Olgac onurolgac.com — Nora González http://noralabora.com — Javier Arce https://www.instagram.com/javier


En el marco de  Tentacular. Festival de tecnologías críticas y aventuras digitales
Con la colaboración de The Wrong – New Digital Art Biennale

Fecha: Sábado 24 de noviembre, de 12:00 a 17:00
Lugar: Matadero Madrid. Nave 16

Más información en la web de Matadero y en su evento en Facebook.


Información cedida por Tentacular.

Entrevistamos a Hideyuki Katsumata. Una colorida orgía visual, psicodélica y mitológica.

Hideyuki Katsumata es a día de hoy uno de los grandes maestros de la mezcla iconográfica en Japón. Su arte es una orgía visual, psicodélica y mitológica, donde monstruos, deidades y otras criaturas se dan la mano en el mismo lienzo. Sus composiciones son atrevidas, combinando lo explícitamente sexual con lo divino y lo tradicional. Podríamos atrevernos incluso a decir publicamente que Katsumata es un digno heredero posmoderno de todos esos maestros del shunga y del arte yokai cómo Hokusai o Suzuki Harunobu, llegando hasta el maestro del manga Shigeru Mizuki.

Sin embargo, este artista va mucho más allá, su propuesta es infinitamente más cósmica, universal y metafísica. Robots, demonios oníricos y alienígenas anatómicamente imposibles visitan sus dibujos y comparten escenas muy barrocas con elementos del folclore japonés. Su mayor aliado es la potencia del color y su principal arma la mixtura de influencias y el impactante resultado de sus obras.

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Hideyuki Katsumata en la Dundee Contemporary Arts

Hideyuki vive en Tokyo donde pasa la mayor parte de su tiempo trabajando en su estudio. Es un artista de talla internacional, que ha realizado exposiciones individuales y colectivas de sus obras y participado en conferencias en ciudades de todo el mundo. Realizó USO de HONTOU, su mayor exhibición hasta la fecha, en 2015 en el centro de arte contemporáneo DCA en Dundee, Escocia. Es último año, en 2018 también ha formado parte del proyecto colectivo NAKAMA de ART en Tokyo.

Ha hecho marca de su carismático personaje HANAUTAH, a quien representa asiduamente y que incluso tiene sus propios stickers en la aplicación de mensajería LINE. !Incluso podemos encontrar una habitación de un hotel de Tokyo personalizada con motivos de este personaje!

No solo se dedica a la pintura, si no que es una persona volcada con la cultura y organiza eventos relacionados con otros campos como la música o la moda. Ha realizado portadas de álbumes de discos y videoclips para bandas como Little Dragon o CUZ (Duo formado por Sam Dook de la banda The Go! Team y Mike Watt de los The Stooges).

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Emotional Surgery

Entrevista:

¿Cómo sería Japón si sus creadores hubiesen sido Hideyuki Katsumata y Hanautah en lugar de Izanagi e Izanami?

H.K.: Es la primera pregunta y ya me he quedado flipado. Nunca me habían hecho una pregunta tan difícil y sorprendente como esta [risas].

Estas deidades creadoras de Japón no estaban realmente adscritos de manera indiscutible a una religión particular. Por eso aquel Japón previo al recibimiento de toda esta herencia del budismo era un lugar donde los dioses, los seres mitológicos, los monstruos y los humanos podían convivir respetándose mutuamente. El mundo que habita HANAUTAH también sería algo así. Un lugar animista y colorido, donde todo cobra vida. Algo así como una especie de aldea Villa Pingüino del manga Dr.Slump. Así que un mundo soñado por mi y HANAUTAH sería un concepto muy similar a eso.

Sin embargo, si me dieran ahora mismo la oportunidad y tuviera la capacidad de crear un mundo por mi mismo, lo que haría sería no darle cuerpo a las almas y permitiría que nuestras mentes pudieran viajar libremente por todas las dimensiones del multiverso.

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Por cierto, ¿quién es Hanautah y cómo lo conociste? ¿Nos lo presentas?

H.K.: Hace unos quince años, cuando me encontraba en plenos preparativos para una exhibición, se me apareció en sueños este ser llamado HANAUTAH. En ese entonces se me presentó como una figura de cinco piernas y un par de cuernos. Daba miedo. Era un ser completamente monstruoso y aterrador y por algún motivo estaba muy furioso. De repente y para apaciguarle, se le acercaron cinco chamanes vestidos con ropajes negros y como parte de un ritual lo rodearon y le dedicaron unos rezos…

Me desperté y salté de la cama rápidamente. Fui corriendo a sentarme en mi escritorio e hice un boceto de lo que había visto en este sueño. Recuerdo que volví a la cama y en menos de un segundo ya estaba dormido otra vez.

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Así fue como conocí a HANAUTAH.

El boceto que dibujé aquella noche terminaría por convertirse en la obra principal de la exhibición. En aquel entonces todavía no le había puesto nombre a este singular personaje. Simplemente la presenté como “Criatura con cuernos” (Tsuno no aru ikimono).

Por algún motivo que desconozco comencé a dibujarlo con cierta regularidad. Cuanto más lo dibujaba más me gustaba. Llevado por una misteriosa atracción, poco a poco fui perfeccionando su diseño y finalmente le nombré HANAUTAH. En japonés hanauta 鼻歌 significa tarareo o canturreo. Estaba buscando un nombre que diese sensación de buen rollo y a la vez algo que fuera un poco tonto e infantil. Creo que le pega bastante.

¿Cuándo comenzaste a tomarte en serio plasmar sobre el papel toda esta fantástica psicodelia mitológica y monstruosa?

H.K.: Cuando era pequeño me encantaba todo lo que tenía que ver con el espacio exterior, el origen del universo y los extraterrestres. También todo lo relacionado con el mundo de los espectros, fantasmas yurei y yokai, así como los ooparts y todos esos misterios de la historia y el ocultismo. Por otro lado, odiaba todo lo relacionado con la guerra.

Mi intención es intentar representar el origen de todos estos elementos anteriores. Desde mi humilde posición y los límites de mis capacidades, mezclo y unifico estos elementos haciendo surgir un resultado que sea llamativo. Sin embargo, no busco que este sea el concepto de creación en mi obra, realmente prefiero que todo surja a través del propio hecho de querer explorar y experimentar.

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Muchas veces cuando vemos obras tuyas tenemos la sensación de que has reiniciado toda la mitología existente de la humanidad, y como si de un puzzle se tratase, hubieses seleccionado y unido componentes creando un nuevo orden. Estas criaturas, seres y dioses, ¿existen ya o nacen de forma espontánea sobre el papel? ¿Quieren enviarnos un mensaje o simplemente entretenernos y que disfrutemos de su impresionante aspecto?

H.K.: Está claro que una de las principales cosas que me motivan a producir arte es que me divierto creando estos seres extraordinarios. Por supuesto también hay una influencia obvia de las pinturas religiosas, sobre todo de las más típicamente budistas, pero, a fin de cuentas el resultado es que los personajes son originales y muy míos.

La estética del manga y de los súper héroes japoneses también me ha acompañado desde pequeño y siempre he tomado elementos de ambas cosas. Estos estilos combinan elementos de un lado y de otro, los mezclan y resultan en personajes que a veces son épicos y muy chulos y otras veces muy monos y adorables.

Con mis personajes, por más detestables o nobles que sean, siempre intento que tengan un fuerte poder de atracción y cierto encanto mágico. También busco que puedan identificarse con un tipo de persona determinado, que te hagan preguntarte a qué tipo de persona se asemejarían en la realidad.

De todas formas, cada uno de ellos forma parte imprescindible de la composición, por muy pequeño o minoritario que sea, sin importar su raza o su cultura. Lo que intento es que todo tipo de personaje pueda coexistir en mis obras.

Sé que es un poco jodido de entender [risas]. Para explicar debidamente una idea como esta me haría falta hacer varios episodios, como en la saga de Star Wars.

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En tus composiciones los brazos se multiplican, los ojos brotan por todas partes y de los torsos surgen rostros y viceversa. El color es muy instintivo y protagonista y aporta mucho a ese ambiente psicodélico tan singular. Hablando de aspectos formales, ¿cuales son tus principales influencias artísticas? Sabemos que Picasso ha sido una de ellas.

H.K.: Es así como decís. Recuerdo que de pequeño algunas de las primeras cosas que me llamaron la atención y me impactaron de verdad fueron el ukiyo-e y el arte de Picasso. Es como si la base de toda mi expresión artística actual hubiese estado ahí desde la infancia.

También me encanta representar a mis personajes adoptando posturas y mudras tomados de la imaginería budista de la India. Me gusta mucho la elegancia, fuerza y elasticidad de todo este tipo de movimientos.

Acerca del tema de poner ojos por todas partes… Por lo general los ojos son entendidos como un camino de entrada de lo exterior al interior del cuerpo, pero en mi opinión también es una salida hacia afuera de algo que ya está dentro. Extraemos y recibimos información del objeto que miramos, pero también estamos emitiendo información con el simple hecho de mirar a ese objeto. Es por eso que me resultan tan interesantes.

Al extenderse y multiplicarse estos ojos a través de los brazos, aumenta el alcance, posicionando esa entrada y salida de información que acabo de comentar en un lugar más privilegiado. Esto se relaciona con lo que dije en la anterior respuesta de que cada personaje puede identificarse a una persona real a través de nuestra mirada a estas pinturas. Estos ojos se han convertido como en una especie de amuleto que siempre tengo que incluir en mis trabajos.

Como Picasso mencionó en una entrevista, él estaba altamente interesado en las figuras religiosas africanas. La razón de ser de estas figuras está en el hecho de su utilización como amuleto o pieza clave dentro de un ritual. Conocer e investigar estas figuras es algo que le fascinaba y creo que esta influencia se manifiesta de forma clara en sus obras. Humildemente creo que en este sentido me ocurre lo mismo que a Picasso.

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El sexo es otro aspecto que tratas mucho en tus obras. A veces parece tratarse de una parodia y otras un mensaje más trascendental y filosófico. ¿Se trata de una parodia o una reflexión sobre el género y la condición sexual?

H.K.: Dentro del tradicional ukiyo-e podemos encontrar el género shunga o pintura erótica. Lo erótico no es solo un tema de nuestros días y que sea propiedad del manga actual. El erotismo y el sexo forman parte intrínseca del arte y la cultura japonesa tradicional. Son temas verdaderamente importantes y representativos de nuestra cultura. Este tipo de arte suele reunir elementos muy sutiles e ingeniosamente humorísticos que han retratado muy bien la identidad japonesa.

Por ello, fuera de Japón se le tiene gran consideración a su arte erótico tradicional y actual, pero dentro del país existe un gran tabú y a menudo es un tema a evitar.

¿Por qué tiene que ser así? Esa es la gran pregunta que me hago.

El sexo es un gran tabú en Japón. Esto a veces se convierte en un problema y todo un desafío para los artistas interesados en representar este tipo de cosas. Es una pena pero, por el simple hecho de dibujar genitales o escenas de sexo, te encasillan dentro en un estilo absurdo o más desprestigiado. Los artistas interesados en estas manifestaciones deben desafiar este tabú que impregna a la sociedad japonesa.No se trata de reivindicar la relevancia de estos temas a lo largo de la historia de la humanidad, sino de poder expresar libremente mi interés por lo erótico y sexual.

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Tu obra es un verdadero recorrido de referencias a la cultura japonesa. Nos topamos con samurais, geishas y luchadores de sumo, así con componentes propios de la caligrafía tradicional y versiones de ukiyo-e o shunga. Más allá de lo tradicional, a veces hemos visto que aprovechas para lanzar algún mensaje más social haciendo uso de la sátira política. ¿Tienes interés en continuar explorando/ahondando en aspectos y temáticas de ese tipo?

H.K.: Si hubiese la posibilidad de viajar hacia atrás en el tiempo, siempre he tenido curiosidad por experimentar y conocer cómo era la vida en el Japón del periodo Edo (1603-1868). Me hubiese encantado vivir en primera persona toda esa moda del ukiyo-e y conocer de cerca las que considero las raíces de mi forma de imaginar y crear. Durante el periodo Edo ya encontrábamos cierto relajo de lo dogmáticamente moral en el ukiyo-e, ya existía algo muy parecido al manga y se disfrutaba mucho de la sátira y el humor.

Personalmente no estoy muy satisfecho con las decisiones y forma de actuar del gobierno japonés actual, ni tampoco con las de la política global en el resto del mundo. Mires donde mires siempre hay un trato injusto a la Tierra y creo que siempre se debería actuar de forma que las políticas causen el menor impacto posible sobre esta.

Me gustaría continuar maldiciendo estos tiempos políticos a través del humor y la sátira en mis caricaturas… más que haciendo críticas políticas en el sentido más serio y estricto.

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Entre muchos otros, ¡hiciste la portada de un álbum para Little Dragon! ¿Cómo surgió esta oportunidad? ¿Alguna música que te inspire o te ayude con tus creaciones?

H.K.: Poder hacer la portada del álbum Machine Dreams ha sido una de las experiencias más importantes de mi carrera. Conocí a Little Dragon a través de MySpace y en su visita a Japón quedamos para comer. Así es como surgió esta oportunidad.

En cuanto a música que me inspire para pintar no siento predilección por ningún género o artista. Me pongo un estilo y otro según mi estado de ánimo. Lo que sí hago muy a menudo es escuchar monólogos de rakugo.

Te hemos visto realizando obras en gran formato. Teniendo en cuenta la complejidad de tus piezas, ¿cuál fue la más difícil de plasmar en un muro? Esto…¿Para cuando una en Madrid?

He pintado algunas obras en interiores de buen tamaño, pero la verdad es que no tengo la experiencia de haber dibujado algo tan grande como la fachada de un edificio. He visto que eso se lleva mucho en Europa, pero por ahora no puedo hacerme una idea de la dificultad que realmente conlleva.

Sin duda me gustaría ir a España para realizar algún trabajo algún día. Además, me gusta mucho la marca de sprays Montana Colors que es española.

¿Por qué tus diseños de ropa molan tanto? ¿Algún sitio donde podamos conseguirlos ¿Qué es lo último que has hecho dentro del mundo de la moda?

H.K.: ¡Jajajaja! Muchisimas gracias. Desde hace bastante tiempo he venido haciendo también diseños para moda. Siendo adolescente me encantaba la estética que aparecía en el documental Punk: Attitude (Don Letts, 2005) pero sobre todo el mensaje que transmitían todas esas pintas.

Podéis encontrar estos diseños en SNS, si les escribís un mensaje, creo que tendrán stock y hacen envíos a todo el mundo. Seguro que si hacéis una búsqueda por mi nombre en google también podréis encontrar alguna cosa. ¡También podéis echarle un vistazo a mi tienda en Instagram!

Has viajado mucho por todo Asia. ¿Cómo te han inspirado a ti y tus pinturas estos viajes?

H.K.: Aunque diría que Europa también me ha influenciado mucho, es verdad que me gusta mucho poner juntas las diferentes culturas tradicionales de los distintos países de Asia. Por un lado me inspira y me influyen, pero también enorgullece pertenecer a este continente.

Por otro lado, en las grandes avenidas de las ciudades de todo el mundo, vayas a donde vayas, Asia o Europa, puedes encontrar las mismas tiendas de moda y cadenas de restaurantes. Me hastía que todo sea tan similar y aburrido.

En Tokyo ocurre lo mismo pero tengo que buscar la inspiración en las calles secundarias y callejones, así como en algunas zonas menos visibles del centro. Es allí se conservan las antiguas formas y las relaciones entre las personas son más íntimas y cercanas. Disfruto más de las peculiaridades de estas zonas y de su colorido. Considero que el uso de los colores en mi obra se inspira mucho en estas partes de las ciudades del mundo.

¿Estás trabajando en algo nuevo recientemente?

H.K.: Ahora estoy preparando unos pósteres para la campaña de navidad de la tienda irlandesa Hen Steeth Store. Por otro lado, he organizado para el 8 de diciembre en Koenji, Tokyo una exhibición de música, danza y pintura. También el año que viene, a primeros de febrero, está prevista una exhibición grupal en Bangkok en la que participaré. En realidad estoy a un montón de cosas a la vez. ¡Echad un vistazo a mi Instagram y Facebook por si queréis saber más detalles! ¡¡Muchas gracias!!

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Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Las Rutas de la Remezcla: un espectáculo que propone diálogos imaginarios entre Iberia y Japón

Llevamos la palabra Pan,

llevando la palabra dios.

Pan en japonés se dice Pan

 

Tras varios meses de desarrollo Antropoloops, La Plasita y Tangiblex presentan este sábado 10 de noviembre en el marco del refectorio de Santa Clara (Sevilla), la propuesta ‘Las Rutas de la Remezcla’ un espectáculo gastrosófico-musical que recrea, desde la lógica de la remezcla, los encuentros e intercambios culturales que pudieron producirse entre jesuitas ibéricos y japoneses durante los siglos XVI y XVII.

Sus creadores

Antropoloops (Rubén Alonso y Esperanza Moreno)

La Plasita (Jaime Gastalver y Lilian Walker)

Tangiblex (Miguel Vázquez-Prada)

Gracias al apoyo del banco de proyectos del ICAS, ha sido posible poner en marcha una experiencia con vocación multisensorial y adaptada al espacio en el que se presenta, el refectorio del convento de Santa Clara en Sevilla. La creación entrelazada del menú, de la música y de los visuales pretende dialogar, desde el presente, con los distintos modos de hibridación e intercambios culturales históricos.

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Las expresiones musicales, como las culinarias, guardan en sus pliegues las historias de sus génesis mestizas, sus viajes, migraciones, éxodos y diásporas.

Las recetas, como las canciones, son fruto de la recombinación contínua de un ingrediente tras otro en una cocción-reinterpretación sin fín.

 

Las Rutas de la Remezcla genera una experiencia que sumerge al espectador-comensal en lo sensorial combinando comida, música, visuales y palabra poética. Un ritual narrativo, escénico y gastronómico estructurado en 4 escenas, en el que se dan la mano los aspectos tecnológicos, el conocimiento de los ingredientes y sus viajes. El carácter musical y visual de la propuesta se cumplimenta con un aspecto performativo que pretende acercar el contenido al espectador-comensal, haciéndolo partícipe, en ocasiones, del desarrollo mismo de la dramaturgia.

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Un maridaje en el que las bases sonoras de Antropoloops, se entrelazan con la aportación visual de Tangiblex y las recetas y poemas de La Plasita, tras un proceso de investigación sobre el contexto histórico, gastronómico, visual y musical que comprende el periodo entre 1543 y 1640, dando forma a esta propuesta que remezcla y, al mismo tiempo, se convierte en punto de encuentro de culturas, identidades y alimentos.

Más información en la web del proyecto. Desde acchiKei esperamos que sea todo un éxito y sea posible en un futuro próximo disfrutar de esta experiencia en nuevas ediciones.

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Texto cedido por La Plasita

 

Japón y el performer Seiji Shimoda protagonistas del próximo Acción!MAD18 que acogen las Naves de Matadero Madrid

Naves Matadero acoge la XV edición de AcciónMad, festival de arte en acción y performance de Madrid que tendrá lugar del 30 de octubre al 4 de noviembre en varias sedes.

En esta edición, Japón es el país invitado y el comisario Seiji Shimoda, director del Nippon International Performance Art Festival, ha planteado una serie de artistas japoneses que junto con performers españoles presentan un programa de tres días con presentaciones y actuaciones que acercarán al público al mundo del arte visual puesto en acción.

 

Acción!MAD comenzó en 2003 cuando no existía ningún festival dedicado específicamente al Arte de Acción y Performance en Madrid. Surgió de la necesidad de llenar un hueco en la programación cultural de la ciudad y se estableció como una cita anual que ofrece al público una visión amplia y profunda de un género independiente, autónomo y gobernado por sus propias reglas espacio-temporales.

“A lo largo de estas 15 ediciones hemos procurado abarcar un espectro geográfico vasto, mostrar distintas generaciones de artistas y diferentes sensibilidades, prestando especial atención al trabajo de las mujeres cuya aportación al Arte de Acción y la Performance ha sido, y es, extraordinariamente importante, original y fecundo”, explica su directora técnica y artística Nieves Correa.

Por Acción!MAD han pasado artistas relevantes como Esther Ferrer (Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2008), Concha Jerez (Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2011), Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2007) o Nacho Criado (Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2008 y el Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2009).

Además de la exhibición de acciones y performances, Acción!MAD organiza talleres, mesas redondas, presentaciones teóricas, charlas, conferencias, propuestas para el espacio público, etc.
En la Nave 10 de Naves Matadero se llevarán a cabo los talleres “El arte de acción como proceso de creación colectiva” impartido por Nieves Correa, artista y directora de AcciónMad! y Seiji Shimoda y un taller para público familiar a cargo del artista Rubén Barroso.


Artistas japoneses participantes en esta edición

Seiji Shimoda. Nacido en Nagano en 1953, se inicia en performance y teatro experimental y a partir de 1970 se convierte en el referente asiático más importante del arte de acción.
Ha participado en más de 100 festivales internacionales de más de treinta países de América, Europa, Asia y Oceanía. Es coordinador de tres encuentros anuales sobre arte de acción, centrándose en el intercambio e interrelación de performers de diferentes países asiáticos como Filipinas, Tailandia, Vietnam, Corea y China.
En la actualidad es director de NIPAF (Festival de Arte de Acción Internacional Nippon). Ha presentado a más de 300 artistas de todo el mundo en varias ciudades de Japón y en el año 2000 se convirtió en el primer artista de Asia galardonado con el premio New York Dance and Performance Awards Bessie (New York Dance And Performance). Es profesor de performance en dos universidades de Tokio (Musashino Art University y Keio University desde los años 2000 y 2015 respectivamente) y es miembro permanente del jurado de performance art china en el Museo de Arte de Macao desde 2004.

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Yumiko Masada. Performer y galerista (Galería Ogawamachi).

Masayuki Okahara. Performer y profesor de Sociología en Keio University.

Yoshio Shirakawa. Graduado en BBAA por la Kunstakademie Düsseldorf.

Haruka Kobayashi. Estudia arte escénico y diseño de vestuario en la Musashino Art University. También trabaja como escenógrafa. En 2015, se unió a NIPAF – Festival de performance de Japón.

Tomoko Shimogori. Performer y trabajadora social psiquiátrica.

Miyaki Ohbayashi. Performer e instructora de arte para personas con discapacidad.

Kanunori Kitazawa. Perfomer y escultor. Dirige el Centro de Arte Matsumoto.

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Yoshio Shirakawa

JUEVES 1 NOVIEMBRE
Nave 10. 19h. Entrada libre
Gema Alcocer (Valencia – España) (dur. 10 min.) Yumiko Masada (Japón) (dur. 30 min)
Masayuki Okahara (Japón) (dur. 30 min)
Víctor Parral (Valencia – España) (dur. 45 min.)

VIERNES 2 NOVIEMBRE
Nave 10. 19h. Entrada libre
Presentación a cargo de Seiji Shimoda en Sala de Madera (dur. 45 min). Una vez terminada, actuarán en este orden:
Yoshio Shirakawa (Japón) (dur. 20 min.)
Irene Santiago (Valencia – España) (dur. 20 min.)
Haruka Kobayashi (Japón) (dur. 25 min.)
Tomoko Shimogori (Japón) (dur. 20 min)

SÁBADO 3 NOVIEMBRE
Nave 10. 19h. Entrada libre
Presentación a cargo de Rubén Barroso en Sala de Madera (dur. 45 min.) Una vez terminada, actuarán en este orden:
Pablo Oria (Valencia – España) (dur. 20 min)
Miyaki Ohbayashi (Japón) (dur. 20 min)
Seiji Shimoda (Japón) (dur. 30 min)
Kanunori Kitazawa (Japón) (dur. 20 min)

Colabora: Fundación Japón, Plataforma Acción!MAD18, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.


Texto y fuentes:

-Nota de prensa cedida por el Departamento de Comunicación de Matadero Madrid. ¡Muchas gracias!

-Sitio web de Fundación Japón


Más información en la web de Naves Matadero o en sus RRSS ( Instagram, Facebook y Twitter), Fundación Japón y Acción!Mad18.

El arte digital de Daito Manabe llega a Cornellá y Madrid con su espectáculo ‘discrete figures’

La estrella mundial de la creación digital Daito Manabe presenta en Cornellá y Madrid discrete figures, su última obra, que rompe una vez más la frontera entre el arte de la danza y la ciencia.

Se trata del proyecto más reciente de uno de los referentes mundiales en creación digital, Daito Manabe y su estudio Rhizomatiks, con la colaboración del grupo de danza ELEVENPLAY y el programador Kyle McDonald.

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Discrete figures fusiona las artes escénicas y las matemáticas en una ingeniosa y elegante exploración de la relación entre el cuerpo humano y los movimientos generados por ordenador. Este rompedor espectáculo multimedia, que llega a L’Auditori de Cornellà tras el éxito de crítica y público en EE.UU. y Canadá, combina drones, inteligencia artificial y aprendizaje automático con la coreografía de cinco bailarinas.

El fundador del estudio Rhizomatiks Research Daito Manabe es considerado uno de los artistas multidisciplinares más importantes en la actualidad, invitado al Festival Sónar 2017, artífice tras la presentación japonesa en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Río y diseñador de los espectáculos de músicos de renombre como Björk, Perfume o Ryuichi Sakamoto. Asimismo, el grupo ELEVENPLAY colabora habitualmente en los conciertos, programas de televisión y videoclips más destacados de Japón, y su líder MIKIKO ha llevado a cabo coreografías para artistas de la talla de BABYMETAL, Perfume o Ringo Shiina.

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Tras el estreno en L’Auditori de Cornellà, discrete figures también se podrá ver el 13 de noviembre en los Teatros Canal de Madrid. Ambas actuaciones ponen el broche de oro a la celebración del 150 Aniversario de relaciones diplomáticas entre Japón y España, que se conmemora este 2018.


Rhizomatiks Research

Rhizomatiks Research se centra principalmente en proyectos del campo de la investigación y el desarrollo, y prioriza abrir nuevas formas de expresión de cara al futuro. El equipo que lidera Rhizomatiks Research ha llevado a cabo proyectos con artistas como Perfume y ELEVENPLAY además de proyectos de media-art y data-art, de los que se encarga de todo el proceso, desde la planificación hasta la implementación y ejecución.

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Sitio web de Rhizomatiks Research


Daito Manabe. Artista, diseñador interactivo, programador y DJ basado en Tokio

Funda Rhizomatiks en 2006, y a partir de 2015 se convierte junto a Motoi Ishibashi en el codirector de Rhizomatiks Research, una división de la empresa centrada en explorar nuevas posibilidades en los reinos de la expresión técnica y artística, con el foco puesto en proyectos que enfatizan la I+D. Asimismo, es profesor en la Keio University SFC.

Los trabajos de Manabe en los ámbitos del diseño, el arte y el entretenimiento presentan nuevas aproximaciones a los materiales y fenómenos cotidianos. Sin embargo su objetivo final no es conseguir un realismo rico y en alta definición resultado del reconocimiento y la recombinación de estos bloques de construcción familiares. Su práctica, en cambio, se nutre de la observación cuidadosa para descubrir y elucidar las posibilidades esenciales inherentes al cuerpo humano, datos, programación, ordenadores y otros fenómenos. Sondea de esta manera las interrelaciones y límites que delinean lo analógico y lo digital, lo real y lo virtual.

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Sitio web personal de Daito Manabe


Motoi Ishibashi. Ingeniero y artista.

Codirector de Rhizomatiks Research.Nacido en Shizuoka (Japón) en 1975, se graduó en el Departamento de Sistemas e Ingeniería de Control del Instituto de Tecnología de Tokio y en la International Academy of Media Arts and Sciences (IAMAS). Desde 2015, Ishibashi ha sido junto a Daito Manabe codirector de Rhizomatiks Research, una división de la empresa centrada en explorar nuevas posibilidades en los reinos de la expresión técnica y artística, con el foco puesto en proyecto que enfatizan la I+D. Ishibashi está involucrado en un amplio abanico de actividades incluyendo performance artísticas, vídeos musicales e instalaciones basadas en la producción de dispositivos y hardware. Su trabajo ha sido reconocido por varios premios, como el Prix Ars Electronica, el León de Cannes y el Japan Media Arts Festival.

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Sitio web personal de Motoi Ishibashi


ELEVENPLAY. Compañía de danza

Esta compañía de danza dirigida por la coreógrafa y directora de arte MIKIKO, fue fundada en 2009 con la esperanza de formar a bailarinas con una alta sensibilidad artística y creatividad además de técnicas, cuerpos y espíritus exquisitos. Compuesto por bailarinas especializadas en una amplia variedad de géneros, las formas de expresión de ELEVENPLAY son diversas y abarcan desde el escenario al vídeo y la fotografía.

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Sitio web de ELEVENPLAY


MIKIKO. Diseñadora de escenario y coreógrafa

Ha sido la directora artística y coreógrafa de más de cincuenta artistas japoneses de fama internacional, como Perfume, BABYMETAL y Ringo Shiina entre otros. Ha recibido numerosos premios en el ámbito de las artes dramáticas, y sus coreografías son altamente apreciadas en la escena pop japonesa. Todo ello permite afirmar que MIKIKO es una de las mejores coreógrafas del Japón actual.

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Mikiko fue seleccionada como © VOGUE Japan -Women of the Year -2017

Sitio web personal de MIKIKO


Kyle McDonald. Artista y programador

Es un contribuidor habitual a los sets de herramientas de código abierto de arte-ingeniería como openFrameworks, y crea programas que permiten a los artistas usar nuevos algoritmos de forma creativa. Tiene por costumbre compartir públicamente ideas y proyectos antes de su finalización. Subvierte creativamente la comunicación en red y la computación, explora los fallos técnicos y prejuicios sistémicos, y extiende estos conceptos a la reversión de todo, desde la identidad a las relaciones humanas.
McDonald ha sido profesor adjunto en el Programa de Telecomunicaciones Interactivas de la Universidad de Nueva York, miembro de F.A.T. Lab, community manager para openFrameworks y artista en residencia en el STUDIO for Creative Inquiry de la Universidad Carnegie Mellon así como en el Centro Yamaguchi de Artes y Medios (YCAM), en Japón. Le han encargado trabajos para exposiciones y festivales de todo el mundo, incluyendo: NTT ICC, Ars Electronia, Sonar/OFFF, Eyebeam, Anyan Public Art Project, Cinekid, CLICK Festival, NODE Festival, y muchos más. A menudo dirige talleres sobre la exploración de la visión computacional e interacción persona-ordenador.

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Sitio web personal de Kyle McDonald


Presentación de Discrete figures en Cornellá, Barcelona

-Organiza: Consulado General del Japón en Barcelona, L’Auditori de Cornellà.

-Colabora: la Fundación Japón en Madrid y Casa Asia

-Fecha y horario: 10 de noviembre, a las 21:00 h. Apertura de puertas a las 20:00 h. Acceso a sala a las 20:30 h.

-Lugar: L’Auditori de Cornellà, Carrer Albert Einstein, 51, 08940 Cornellà de Llobregat, Barcelona

-Entrada general 14 € (19 € el mismo día).
Las entradas se pueden adquirir online, presencialmente en la recepción de L’Auditori de lunes a viernes de 9 a 14 h, o por teléfono: 934 74 02 02 Ext. 1307 de lunes a viernes de 9 a 14 h.

Discrete figures en los Teatros del Canal, Madrid

-Fecha y horario: 13 de noviembre, a las 18:00 y 21:00 h.

-Lugar: Teatros del Canal. Calle de Cea Bermúdez, 1, 28003 Madrid

-Entrada general: 25 €. Comprar entradas en la web.

Más información en la web del Consulado de Japón en Barcelona.


Texto: Nota de prensa cedida por el Departamento de Cultura del Consulado de Japón en Barcelona. ¡Muchas gracias!

Conociendo a la artista japonesa UN©!! Pornopegatinas, sátira comercial y otras sorpresas [Entrevista]

Cae una bomba en Neo-Tokyo y de la explosión surge esta artista del diseño y las pegatinas que se hace llamar UN©!! (pronunciado ‘unco’).  Aprovechando el caos reinante empapela la ciudad con mensajes obscenos. Mutar eslóganes publicitarios y marcas muy reconocidas es otro de sus poderes más interesantes, aunque también se atreve con la escultura y la moda. Preocupada por remover las conciencia de la sociedad japonesa, estrujar sus cerebros y servir tabúes en platos bien fríos, esta artesana del sticker art acaba de finalizar su exposición conjunta SUPER SHIT  con el artista Unkorin en la galería VOID en Asagaya, Tokyo. UN©!! representa bien a todas esas voces que en los muros de Tokyo reclaman feminismo, justicia social y honestidad política, desde una humildad muy punk, joven y pacifista.

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Antes de nada, ¿de dónde viene tu nombre?

UN©!!: Mi nombre artístico「UN©!!」se lee como unko (palabra en japonés para caca). Al principio lo escribía con caracteres comunes y era simplemente UNCO pero, como resultaba demasiado común y poco original, cambié las dos letras finales por el símbolo de copyright ©. Además, UN en inglés se emplea como prefijo negativo, por lo que ahora el nombre posee también el sentido de “sin copyright”, idea que me representa bastante y encaja a la perfección con mis trabajos. Con las dos exclamaciones del final he querido transmitir ese espíritu enérgico y gritón de la pequeña Arale del manga Dr. Slump de Akira Toriyama.

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O-manko kurabu. Diseño por UN©!!

¿Cómo nace un artista de sticker art y ese ansia por utilizar la ciudad como galería de arte?

UN©!!: Mi afición en este duro arte del cutting sticker comenzó durante la movida de los 2000 en Osaka. Esta generación es conocida como la Kansai Zero Jidai 関西ゼロ世代. Durante este tiempo, en un club de música en directo al que solía ir bastante, vi por primera vez que había gente que vendía estas pegatinas. Allí conocí a gente y tuve la oportunidad de que me enseñaran sobre la técnica y el material necesarios.

Este ansia por utilizar la calle como si de una galería se tratara, indudablemente nació en mí tras intercambiar unas palabras con cierto artista. Un día, antes del comienzo de una presentación pública de una exhibición de Takashi Murakami, esta persona me dijo cosas como: “¡Tus creaciones son puro hip-hop! ¡Son muy de la calle! Tienes que llevar tu arte a los espacios públicos para mostrar abiertamente y de forma explícita estos tabúes sociales. El que sean pegatinas lo hace mucho más callejero. ¡Me encanta!”

Sus comentarios me pillaron por sorpresa. Luego en casa busqué quién era esta persona y cuando descubrí que era un fotógrafo super conocido y yo había estado hablando con él como si fuese un don nadie, hasta me entraron sudores fríos [risas].

El encuentro que tuve con este fotógrafo definitivamente marcó mi camino dentro del arte. Por aquel entonces yo no conocía a Banksy o a Jean René (JR), ni mucho sobre otros grandes artistas callejeros.

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¿Sexualizar nombres de marcas es un un simple juego de palabras o una crítica punk y anticapitalista a la dictadura marketiniana de las grandes corporaciones?

UN©!!: La primera razón por la que utilizo los logos y otros elementos reconocibles de grandes corporaciones y empresas es porque ya están incrustados en la cabeza de la gente. De esta forma es muy rápido hacer llegar un mensaje. La segunda razón es que me motiva la brecha y la gran distancia que se crea entre el original y mi transformada versión. No se trata de simplemente proferir un insulto hacia estas grandes corporaciones.

Aunque, excepcionalmente, sí que fue un poco intención de insultar cuando modifiqué el famoso I’m lovin’ it de McDonalds por I’m lovin’ shit. Es algo personal, no es que no me guste McDonalds, es que siempre que voy me quedo con hambre.

En definitiva, podría decirse que, por lo general, no pienso mis diseños con la única intención de expresar mi propia opinión.

Mi actividad no se basa en una actitud contraria respecto al capitalismo. Mientras no se detenga el constante nacimiento de nuevos objetos de inversión, este es un sistema que no puede evitarse. Sin embargo, el arte participando de esto como otro objeto más, ¿acaso no puede aprovecharse, chupar del bote y así conseguir financiación y desarrollarse? Intento que toda esta mecánica capitalista sea compatible con mi necesidad de expresar la rabia y el odio que llevo dentro, que no tiene límites, como tampoco los tiene el capitalismo. En definitiva es un punto en común entre las dos cosas… Últimamente le he estado dando muchas vueltas a esto.

El punk es otro de mis recursos favoritos. No tanto para destruir el sistema y derrocar a las grandes corporaciones, si no porque me permite crear cierto impacto en el espectador, poner el mundo patas arribas y arrasar con todo. Además, me encanta el indie punk y la energía que transmite… ¡El pueblo tiene el poder! 

La censura es un tema muy recurrente en tus diseños. La pornografía japonesa censura los genitales, las policía cubre con un paño las esposas de los criminales, y temas como la orientación sexual es un tabú todavía común.

UN©!!: Mis obras son un intento por mostrar los tabúes sociales, con un lenguaje pop para que estos sean abiertamente expuestos y reconocidos. Tengo un gran interés en identificar cómo se forman y generalizan estos tabúes. Después de todo, un tabú es algo que una parte de la sociedad decide que sea así.

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Todo el mundo conoce el tema de la censura de los genitales en Japón, ¿verdad?

Es curioso que hoy en día la situación llega al punto de que en la televisión japonesa escuchamos constantemente la palabra “polla” sin ningún problema, pero en el momento en el que alguien dice “coño” esa persona queda para siempre marcada como grosera y vulgar.

¿De dónde viene este puto sexismo? Dilemas así me llevan a crear obras que respondan a este panorama sin sentido.

Soy una persona que odia los chistes sexuales fáciles, sin gracia ni fundamento. Cuando alguien, por ejemplo, pronuncia en voz alto el nombre de mi obra Bikkurimanko, disfruto pensando en cómo, de repente, ya nunca más podrá pensar en Bikkuriman de la misma forma. (Bikkuriman “Amazing Man”, al convertirse en Bikkurimanko pasa a significar “Amazing Pussy”).

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¿Es realmente el pueblo japonés tan sensible como creemos? ¿Solo nos queda la escena underground? ¿Serán los ciudadanos de Neo Tokyo más libres de expresar sus opiniones algún día?

UN©!!: En mi opinión, dentro de la sociedad japonesa los sentimientos de verdad ocupan un lugar muy pequeño y secundario. Experiencias como el acoso escolar que sufrí o los círculos sociales muy cerrados, son relativamente comunes, y desgraciadamente todos los días muere gente sin que a nadie le importe.

Esto es un poco extraño… pues todos somos personas y estamos hechos de la misma materia, ¿no?

El color de piel, las aspiraciones personales, las tendencias sexuales, el salario, cualquier aspecto que nos distinga nos convierte en objeto de discriminación o crítica. Basta echarle un vistazo a los comentarios destructivos en las redes para darse cuenta de que los japoneses disfrutan con el sufrimiento ajeno. También se dan casos en los que se persigue a las personas por simplemente decir lo que de verdad piensan. Los acosadores deben tener una vida realmente aburrida.

Me pregunto si en otros países ocurre lo mismo. Las personas que critican tanto deberían empezar por sí mismas. De todas formas, quiero creer en un futuro donde cada uno pueda expresar libremente sus opiniones y pensar que este tipo de sociedad destructiva del internet es simplemente un ligero zumbido procedente de una tormenta lejana.

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Kurutte ii tomo! 狂っていいとも! (¡No hay nada de malo en volverse loco!) es tu lema más recurrente ¿Qué es lo mejor de volverse completamente loco?

UN©!!: Ahondando un poco en lo emocional… Cuando iba al instituto sufrí acoso escolar y una de esas veces estuve dos días seguidos en casa sin asistir a clase. Desafortunadamente, no tuve el apoyo que cabría esperar de mi familia e incluso mi madre llegó a decirme que no le incordiase y me las apañara yo misma con mis problemas. La razón por la que mis compañeros de clase me veían como un objeto de burla se debe en gran medida a que heredé de mi madre una constitución física débil. Pensamientos del tipo “ya no tengo ningún amigo” o “me encuentro sola en este mundo” rondaban constantemente mi cabeza.

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Creo que todo ese estrés psicológico era la razón principal por la que me encontraba tan anímicamente destrozada.

Aparte del coñazo que acabo de soltar, también comencé a beber alcohol y fumar yerba en clubs y así, colocándome y volviéndome loca echaba fuera toda las mierdas que tenía en la cabeza. A veces pienso que tendría menos preocupaciones y viviría más tranquila en el espacio exterior [risas].

El tema de la yerba… es ilegal en Japón, aquí eso no podría contarlo… [risas].

El celebérrimo Akira de Katsuhiro Otomo nos mostró un posible escenario que a todos nos hizo reflexionar y que cambió nuestra percepción del futuro  ¿Cómo te transformó a ti?

UN©!!: Con 6 años descubrí Akira en la biblioteca de mi padre. Yo era muy pequeña cuando lo leí por primera vez y quedé completamente fascinada con las motos y en general la estética de ese mundo… ¡Eran una pasada total!

No sé si ha cambiado o no la forma de pensar sobre el futuro pero, suponiendo que este manga tiene algún tipo de fuerza o poder, aprendí que su principal potencial era el del impacto de su enorme fuerza psicológica y emocional. Esta idea del apocalipsis y el final del mundo que parece inevitablemente conectada con la percepción del futuro, en Akira es, paradójicamente, super emocionante. ¿Qué será lo próximo? ¿Hacia dónde nos conducirá esto?

Imagina un Japón sin energía nuclear, sin Abe y sin censura. ¿Qué diseños haría UN©!!?

UN©!!: De alguna forma considero que mis trabajos buscan que la sociedad reflexione, lo que puede ser visto como un tipo de intervención directa en esta polémica de la energía nuclear.

IMG_20181006_090330.jpgIMG_5212.JPGLa energía nuclear a día de hoy es un territorio que todavía sobrepasa el entendimiento humano. Por ejemplo, en el futuro que propone el anime Ghost in the Shell: Stand Alone Complex la humanidad ya posee la tecnología capaz de extraer la contaminación radiactiva, pero no en nuestra realidad actual.  Algún día me gustaría trabajar con esa idea como concepto. (Bueno, me estoy yendo un poco del tema).

En cuanto a la política, no se trata solo del primer ministro Abe, si no de todos aquellos partidarios de políticas estúpidas del tipo: “¡Vamos a construir centrales cerca del mar! Puede salpicar un poquito de radiación pero, total… ¡Si la vertemos al agua nadie se dará cuenta!”. Todo esto se hace siempre a espaldas del ciudadano, al que se le ocultan todos los detalles y consecuencias.

Mi obra APE que toma la imagen de Shinzo Abe tampoco conlleva mi oposición hacia su gobierno, sino poner sobre la mesa el encubrimiento de sus intentos por recuperar el poder militar de Japón. (En 2014 se aprobó la revisión de la ley del Tratado de Seguridad entre Japón y EEUU para que las Fuerzas de Autodefensa de Japón pudieran volver a tener capacidad de ataque, la cual perdieron tras la Segunda Guerra Mundial con una constitución redactada por las Fuerzas de Ocupación americanas.

Este es un hecho histórico.

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Hay más gente que hace el mismo juego de palabras y se refiere a Abe como “mono” APE y por eso lo utilicé para esta obra. No se trata de una serie anti Abe por mi parte. Aunque quién sabe, todo depende de si me gustan o no las políticas que vayan haciendo.

La censura es algo que siempre tengo que tener en cuenta a la hora de elegir el contenido y la forma de mis obras. En un futuro quiero crear algo que sea capaz de abrir la mente de las personas sin antes tener que pensar o preocuparme por los límites entre derechos de autor y copyright. Mientras más opresión y limitaciones se impongan, mayor tiene que ser la dureza y respuesta del mensaje en las obras. Creo que nunca voy a querer cambiar el hecho de que mis diseños siempre cuestionen los estándares de la censura.

Aunque si llego al punto de que me quieran meter en la cárcel lo mismo me lo pienso y pido perdón.

Hemos visto que te gusta Joan Cornella. ¿Algún otro artista español que te guste? No importa si está vivo o muerto.

UN©!!: Sintiéndolo mucho pero, así de primeras, no me viene a la cabeza ningún otro artista español en estos momentos.

Supe de Joan Cornellá a través de Instagram. No viene a cuento pero, flipé cuando descubrí un día en Nueva York una pegatina suya puesta por la calle.

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¿Algún proyecto futuro?

UN©!!: Justo ahora estoy realizando una exhibición de mis trabajos en Tokyo con Bikkuriman como protagonista e idea central. Bikkuriman es una franquicia con magos, ángeles y demonios como protagonistas que lo petó en Japón al ser la imagen de una popular marca de galletas de chocolate. A finales de los ochenta, el carisma de los personajes permitió a Bikkuriman dar el salto al mundo de los videojuegos y expandir su historia a través del manga y las series de animación.
A decir verdad, esta serie no es de mi época, es de un poco antes y apenas la conocía, pero me transmitía buen rollo para trabajar con ella.

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En 2019 alcanzaremos el año en el que transcurre la historia de Akira en Neo-Tokyo. Me gustaría volcarme con esta temática y colaborar con Katsuhiro Otomo, sacando una línea de condones bajo el lema ¡¡¡Hijo de puta, tienes el pene infectado, ponte un puto condón!!! (ゴムをつけろよチンカス野郎!!!) [risas].

Ya puedo sentir el éxito [risas].IMG_20180710_134507.jpg

Puedo imaginar también un gigantesco pene erecto surgiendo de la explosión que destruirá Neo-Tokyo… ¡Ah! y también quiero construir en Osaka, en frente de la Torre del Sol de Okamoto Tarō, mi obra Pene por la Humanidad y Armonía… ¡Un pedazo de miembro de 70 metros de alto! [risas].

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Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández

Entrevista al fotógrafo y traductor Juan Fandiño. Luz, sombras y sensualidad cotidiana en Japón

Juan Fandiño nace en Madrid y vive en Osaka. Temprano despierta su interés por el arte y la cultura japonesa y esta se convierte en una constante que le acompañará durante su formación artística en la Escuela de Arte de La Palma y en la Universidad Complutense de Madrid. En su fotografía nos encontramos una particular preocupación por el cuerpo de la mujer japonesa y su sensualidad más cotidiana, las emociones personales y muchos momentos íntimos de reflexión que asoman entre sombras y claroscuros. Polifacético, ha traducido a Osamu Dazai en dos ocasiones, Colegiala (Impedimenta, 2013) y Repudiados (Sajalín, 2016), y ha llevado a cabo la dirección artística del videojuego japonés Yume Nikki.

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Antes de nada… ¿Cómo se sienta uno ante un texto de Dazai y le desafía con una traducción al castellano? ¿Cuál es el mensaje más potente que se obtiene de este maestro de la literatura japonesa?

J.F.: Lo primero decir que fue un trabajo en equipo, no lo hice yo solo ni mucho menos. Fue un largo y bonito proceso. Empezó como un proyecto personal que fue creciendo y afortunadamente dio con buen puerto. La idea surgió de mi antigua compañera que, por supuesto, es japonesa. A ella le gustaba mucho la obra de Dazai, la cual es bastante extensa pero poco conocida. Tanto dentro como fuera de Japón, si hablas de Dazai todo el mundo te nombra su obra más famosa, la titulada Indigno de Ser Humano (publicada en España por la editorial Sajalín), pero, sin embargo, casi nadie conoce el resto de su amplia obra. Nosotros quisimos dar a conocer sus obras menos famosas pero no por ello menos importantes o de peor calidad.

Decidimos empezar con una recopilación de relatos cortos que nos publicó la editorial Impedimenta bajo el título de Colegiala. Se trata de una recopilación muy interesante ya que, todos los relatos que la componen, están protagonizados por mujeres que, casi siempre, tienen problemas o están en conflicto con un hombre que no las termina de entender o tratar como se merecen. Ese hombre, aunque no se especifica claramente, es Dazai, y las mujeres que narran sus historias son representaciones de su mujer y sus numerosas amantes. Desde el principio sentimos estos relatos como un intento de Dazai por pedir perdón a esas mujeres, además siempre me fascinó el hecho de que fuese capaz de reconocer sus propios errores y hablar abiertamente de ellos, criticándolos en un intento de, quizás, redimirse.

Un año después comenzamos a traducir una nueva recopilación de relatos, esta vez protagonizados por representaciones del propio Dazai, una vez vez más hablando sobre su vida y los problemas que su comportamiento causaba a sus seres queridos. Esta recopilación fue publicada bajo el título de Repudiados por Sajalín. Siento que ambas obras se complementan y es muy interesante leerlas ya que, en algunos casos, son el mismo relato pero mostrado desde dos puntos de vista diferentes (el del propio Dazai y el de la mujer).

Quedamos muy contentos con el resultado final y estamos muy orgullosos de haber podido traducir directamente del japonés, manteniendo así la esencia de lo que Dazai realmente quiso transmitir. Desgraciadamente muchas traducciones de obras japonesas al castellano no están hechas a partir de la obra original sino de traducciones previas al inglés o el francés, haciendo que muchos detalles y matices se pierdan por el camino. Nosotros siempre defendimos la calidad de las obras traducidas por equipos de una persona japonesa y una del país a cuya lengua se va a traducir antes que los traductores que trabajan a partir de traducciones previas de otros idiomas. Quizá con idiomas europeos esto no sea tan necesario, pero con los idiomas asiáticos, dada su gran diferencia y complejidad, es inevitable que no se pierdan cosas por el camino si no se hace debidamente y con cuidado.

Dazai fue un gran escritor. Una persona con muchísimas inseguridades que, aun a pesar de su comportamiento tóxico y egoísta hacia sus seres queridos, supo plasmar con enorme belleza y honestidad todo lo que ocurría en su interior en un intento de explicar qué le llevaba a hacer tales cosas. Nosotros le estaremos eternamente agradecido por todo lo que nos ha dado y enseñado y, por supuesto, recomendamos leer su obra a cualquiera que esté interesado no solo en literatura japonesa sino en el Japón de principios del siglo XX.

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¿Cómo surge la posibilidad de exponer tus fotos y vivencias en Japón por primera vez? 

J.F.: Di por casualidad con la obra de Kousaku Ishiguro, un fotógrafo de Osaka con una obra muy interesante. Desde el primer momento me atrajo mucho el tono de sus imágenes, el color y como mostraba su entorno. Además le gustaban las obras de Osamu Dazai, autor que, en cierto modo, marcó mi camino durante aquellos años en los que estaba descubriendo Japón.
Contacté con él una vez pude asentarme en Osaka y, amablemente, me invitó a visitarle en su galería. Galería Hommage, situada a las afueras de la ciudad, entre Osaka y Nara. Hicimos buenas migas y empecé a visitarlo con frecuencia, intentando aprender de él todo lo que pudiese. Siento que ahora mismo el tipo de fotografía que me mueve tiene poco que ver con lo que en aquella época intentaba hacer, pero eso no quita su figura fuese y siga siendo una gran fuente de inspiración. Con el tiempo me ofreció la oportunidad de exponer en su galería y por supuesto acepté. Recuerdo con cariño aquellas dos semanas que duró la exposición.

Juan Fandino Martin - KIKU 2

Tomando como referencia el nombre de tu obra KIKU (Crisantemo) y haciendo mención a otra flor como es la yamato nadeshiko y que se relaciona con el ideal tradicional de belleza femenina en Japón, nos preguntamos: ¿Crees que tu fotografía se acerca o se aleja de este ideal? 

J.F.: Es un tema complicado. Empecé a desarrollar esta idea cuando estaba estudiando Bellas Artes en Madrid. Un profesor de escultura nos propuso trabajar sobre algo que realmente nos motivase, que tuviese significado. No un mero ejercicio de clase sino algo que pudiese empezar a dar forma a nuestra obra personal, que nos identificase como artistas. Empecé a darle vueltas y me di cuenta de que, dentro de mi interés por Japón, su cultura y folclore, había algo superior a todo ello que me atraía y fascinaba aún más. Se trataba de la figura de la mujer japonesa, o al menos la idea que yo tenía de ella en aquella época. Empecé a investigar sobre el tema, sobre por qué me atraía de esa manera. Aquel estudio se unió a la obra de Jun’ichirō Tanizaki, en especial a su ensayo El Elogio de la Sombra, donde se expone de una manera muy interesante las diferencias de gusto estético entre Japón y occidente de principios del s.XIX, algo que a día de hoy todavía se mantiene según que lugares.

Poco a poco todo ese aprendizaje fue marcando el tono de mis imágenes, haciendo que acabase convirtiendo ese ideal, esa percepción personal, en el tema central de mi obra, no solo fotográfica sino también pictórica. Con KIKU aún estaba descubriendo distintos caminos y maneras de hacer, y desde aquellas imágenes he cambiado mucho y he pasado por distintas etapas, pero aun así siento que el fondo de mi trabajo, la base, sigue siendo la misma; intentar darle forma o comunicar todo lo que ese ideal me hace sentir.

Juan Fandino Martin - KIKU 9

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Percibimos que tus fotografías en España tienen un tono más familiar y reflexivo, mientras que Japón saca tu parte más instintiva. ¿Son distintas las emociones que te llevan a sacar la cámara y capturar un momento concreto cuando estás en España o en Japón?

J.F.: España y Japón… Creo que los lugares cobran el significado que nosotros les otorgamos. Mi relación con ambos países está marcada por mis vivencias y eso hace que para mí tengan un significado o que me hagan sentir de una manera distinta a la que otra persona pueda percibir. En este punto de mi vida, para mí España es familia, cariño, amor, mientras que Japón es todo lo opuesto. Soledad, incertidumbre, descubrimiento personal. A primera vista puede parecer que tengo una percepción negativa del país, o que no estoy bien aquí, pero no es así. Japón es un país al que vine porque había algo aquí que me estaba llamando, algo que tenía que descubrir, y en eso estoy. Es un lugar que me permite un ritmo de vida y una soledad (intencionada y buscada) que me hace crecer como persona y entenderme mejor a mí mismo (o eso quiero creer).

Por supuesto, todo esto afecta mi obra, y es por esto que las imágenes de España suelen tener un tono muy distinto a las de Japón. Jamás me fuerzo a fotografiar si no siento que quiero hacerlo. Tampoco fotografío temas o escenas que no me interesan. Es todo muy instintivo, lo que es complicado, ya que hace que pueda pasar largas temporadas sin tocar la cámara si esta no me llama. Sin ir más lejos, en 2017 pasé 10 meses sin hacer ni una sola foto por esto mismo. Necesitaba alejarme y ocupar mi mente con otras cosas, hasta que volví a sentir que tenía algo que contar. Esto afecta bastante a la cantidad de material que produzco, pero pienso que no debo forzarme si no siento que deba hacerlo.

A tu serie Yureru le acompaña un poema:

漆黒の瞳が
僕を見つめている雨降る夜
吉祥天…僕は、あなたをみつけたのかい?

Big black eyes
Staring at me in the rainy night
Kisshōten, did I find you?

¿Existe la posibilidad de fotografiar a un kami/deidad o desaparecen justo un instante antes de ser fotografiados?

J.F.: La serie de Yureru (que originalmente iba a tener otro título) es una serie que siento que aun no he terminado y quizá algún día retome. Tengo mucho material guardado que necesita ser revisado antes de poder mostrarlo. El tema central de aquel proyecto empezó siendo algo similar a lo que hablamos anteriormente; el ideal de belleza femenina en Japón, o mejor dicho, mi percepción de ella. Aprendí a través de una persona que en cierto modo marcó mi viaje cuál era la figura de Kisshōten. Una deidad traída del budismo que representa la belleza y fertilidad. En aquel momento me obsesioné muchísimo con aquel concepto e intenté buscarlo en las personas y entornos que marcaban mi día a día. Acabé saturado y en un punto en el que no sabía muy bien por dónde continuar, lo que resultó en que abandonara el proyecto temporalmente hasta que me volviese a sentir con fuerzas de retomarlo. Siento que el tono que le estaba dando no me representaba y tampoco era lo que quería mostrar.

Volviendo a la pregunta, en este contexto para mí los kamis son representaciones idealizadas de los objetivos que queremos conseguir en nuestro camino. Están ahí, pero no siempre tenemos la capacidad de poder verlos (y fotografiarlos). Obsesionarse con algo con tanta intensidad como me ocurrió a mí hace que puedas perder el foco y acabes yendo por caminos equivocados que se van alejando de tu objetivo original. Por eso a veces es mejor saber parar, tomar aire, alejarse y mirar la situación con perspectiva. El tiempo siempre ayuda y, a veces, esos kamis u objetivos lo que necesitan es cierta distancia para poder volver a verlos/retomarlos cuando te sientas preparado.

Has participado como director de arte en el desarrollo de un videojuego de terror. ¿Qué cosas te inspiraron durante el proceso de diseño? ¿Has llevado a ese mundo algo de tu fotografía y/o viceversa? ¿Cuál de todas tus fotografías crees que representaría mejor el miedo o el terror?

J.F.: Lo cierto es que sí. En las fases tempranas del desarrollo tuve que hacer todo el Concept Art y para ello utilicé algunas de mis fotografías como base. Personalmente no calificaría el juego como género de terror pero entiendo que, al tratar el mundo de los sueños y el subconsciente bajo una perspectiva algo oscura pueda acercarse a él. Además de la dirección de arte me encargué de la iluminación y post-processing, que por supuesto estuvieron muy influenciadas por mis gustos fotográficos, utilizando colores, luces y sombras que pudiesen transmitir y ser parte de la historia.

En cuanto al terror en la fotografía, creo que es un tema muy interesante que ha sido poco explorado. No me refiero a mostrar situaciones de horror como puede ser la fotografía de guerra sino a intentar transmitir esa sensación, no tanto por lo que se muestra en la imagen sino más bien por el ambiente y sensación que el autor le otorgue. Personalmente no creo que ninguna de mis imágenes consiga mostrar esas sensaciones ya que básicamente no es algo que haya explorado o intentado, pero sí que hay fotógrafos cuya obra (o mi interpretación de ella) sí que ha conseguido transmitirme esas sensaciones, siendo quizá Antoine d’Agata o Helio León con su trabajo The Purple Room los mejores ejemplos.

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¿Algún proyecto actual o futuro?

J.F.: Siento que con el tiempo mi manera de acercarme a la fotografía ha ido cambiando. Sigo hablando sobre los mismos temas que siempre he tratado solo que ahora lo hago mostrando elementos distintos y a, mi parecer, con una técnica más sutil y depurada. Hace un año empecé a fotografiar sombras naturales proyectadas tanto sobre el entorno como sobre personas, intentando hablar a través de ellas sobre mi situación emocional en Japón y como afecta a mi vida sin dejar de lado todos los temas e inquietudes que he ido tratando a lo largo de la entrevista. Japón es un país con una luz solar maravillosa que hace que el entorno cobre una magia especial difícil de captar en otros lugares. Vivir aquí es un aprendizaje continuo que por su puesto me hace crecer como persona, lo que también afecta a mi obra.

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Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

De cuando desciframos la escritura japonesa tomando café por Madrid

Una tarde madrileña de calor y cultura japonesa. Poco a poco los asistentes fueron tomando asiento dentro del café Livin’ Japan y fuera de él los rezagados apretaban el paso para llegar a tiempo. Al poco rato nos convertimos en compañeros de mesa y compartimos unas cuantas cervezas o cafés y comenzamos a hablar sobre el origen misterioso de la lengua japonesa y sobre las pocas pistas que el tiempo nos ha dejado como rastro.

Resulta que el japonés posee cierto parecido con lenguas muy distantes en el mapa y que  existe una conexión entre Asia occidental y el Extremo Oriente. Hablamos de la posibilidad de una remotísima invasión mongola en el 2500 a.n.e. También mencionamos a la reina chamán Himiko y como los chinos de Wei en el siglo III contactaron con los japoneses, registrándose así por primera vez la existencia de Yamatai-koku (Japón) y su lengua (el japonés o yamato-kotoba). Incluso se pasaron a saludarnos Kenzaburo Óe y Yasunari Kawabata, dos premios Nobel de literatura japoneses que resultan ser el mejor ejemplo de la relevancia y el reconocimiento mundial de la escritura en japonés.

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Escrituras femeninas y masculinas que se sumaron a letras que llegaron al archipiélago nipón desde el continente. Mujeres japonesas que desarrollaron una escritura para comunicarse secretamente entre ellas y echar por tierra arreglos matrimoniales. Monjes que se inventaron todavía otra escritura más para poder pillar apuntes en sus clases de chino en China. Una buena ración de anécdotas curiosas que nos permitieron conocer las distintas escrituras de las que se constituye el japonés. Con esta información tan útil y dos cafés culminamos la tarde ensuciándonos las manos de tinta y escribiendo un haiku de verano. Quizás más bien, de fin de verano.

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Todo río abajo / Sombras fluyen / ¿Y esas luciérnagas? (Chiyo)

¡Gracias por venir!

Micro-taller: Descifrando la escritura japonesa. 23 de Septiembre 2018

El domingo 23 de septiembre en la cafetería Livin’ Japan nos reuniremos para realizar un pequeño taller introductorio a la escritura japonesa. Queremos quitar un supuesto miedo a la caligrafía japonesa. Supuesto porque sabemos que sois valientes de sobra y que tenéis habilidades innatas ocultas.  Hablaremos un poco del origen misterioso de este idioma y luego nos ensuciaremos las manos un poco. Nosotros ponemos papel y tinta.

Una forma distinta de romper el hielo con un idioma lejano pero interesante, mientras tomas un café, una cerveza o un té matcha. Distendidamente y al ritmo de enka.

DESCIFRANDO MICROTALLER.jpg¿Dónde? Cafetería Livin’ Japan. C/ Torrecilla del Leal, 20. Madrid. Metro Antón Martín.

¿Cuándo? Domingo 23 de septiembre a las 18:00.