La electrónica visual de Ryoichi Kurokawa en el primer L.E.V. MATADERO Madrid

Fundación Japón colabora con la primera edición de L.E.V. Matadero, estreno en Matadero Madrid del L.E.V. Festival que este año celebraba en Gijón, su sede habitual, su decimotercera edición. Entre el jueves 17 y el lunes 20 de octubre diferentes espacios de Matadero Madrid (Nave 16, Nave 0, Cineteca Madrid y Plaza Matadero) acogerán la innovadora programación de L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual), plataforma especializada en la producción y divulgación de la creación sonora electrónica y su relación con las artes visuales.
Producto de la colaboración de Fundación Japón el artista japonés Ryoichi Kurokawa visitará L.E.V. Matadero el viernes 18 para presentar su último y espectacular proyecto, subassemblies, un concierto audiovisual sobre la relación entre la naturaleza y las creaciones humanas, a través de una perspectiva de escala arquitectónica. Además, para poder disfrutar completamente de esta pieza, y de las diferentes actividades que allí se desarrollarán durante el Festival, la Nave 16 contará con Soundscape, un sistema de sonido inmersivo diseñado por d&b audiotechnik, que permitirá escuchar y sentir de una forma única todas las propuestas que tendrán lugar en este espacio.

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Fecha y horario: viernes 18 de octubre. Hora por determinar.
Lugar: Nave 16 de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid).
Entradas: 25 euros. La entrada da acceso a todos los espectáculos presentados en la Nave 16 durante el viernes 18 de octubre. Más información sobre entradas aquí.

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— ruins : the remains of human-made architecture —

subassemblies es un concierto audiovisual sobre la relación entre la naturaleza y las creaciones humanas, a través de una perspectiva de escala arquitectónica.
Esta pieza se compone principalmente de datos 3D capturados con escáneres láser, y vídeos de naturaleza, ruinas y arquitectura creada por el hombre, distorsionados y reconstruidos en módulos como subconjuntos (subassemblies) para crear una línea temporal renovada, compuesta por capas de orden y desorden, que muestra la fuerza de la naturaleza y la del arte.
Ruinas, edificios invadidos por la naturaleza y obras arquitectónicas en deterioro se superponen y reconstruyen de forma dinámica, y todas las distintas capas de rarezas que aparecen expuestas en toda su profundidad aumentan la percepción de que estamos flotando, no solo entre la naturaleza y la creación humana, sino también entre los fenómenos abstractos y concretos durante su transición, destrucción y renaturalización. Los movimientos como la anulación de la ley física, los híbridos entre componentes naturales y artificiales, y la transposición de entropía y neguentropía potencian aún más dichas rarezas.

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Still from subassemblies © RYOICHI KUROKAWA. All rights reserved. Studio RYOICHI KUROKAWA Berlin, Germany. studio@ryoichikurokawa.com
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Ryoichi Kurokawa

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© Fotografía por Nina Lüth (MUTEK.ORG)

El artista japonés Ryoichi Kurokawa compone con luz y sonido, usando materiales generados de forma analógica y digital para crear instalaciones audiovisuales que desafían al tiempo, proyecciones en vídeo, grabaciones de audio y performances que fusionan múltiples canales de imágenes y sonidos en una sola entidad, que existe en continua evolución.
Kurokawa siempre ha buscado inspiración en la naturaleza, para explorar los logros que surgen cuando las realidades físicas que observamos y vivimos se mezclan con realidades interpretadas electrónicamente. Kurokawa empezó a experimentar con la sinestesia en instalaciones audiovisuales durante la década de los 90, superponiendo los sentidos del sonido, la vista y el tacto en instalaciones y performances. Su estilo inquisitivo le llevó a integrar en su obra investigaciones científicas sobre la materia, el tiempo y la naturaleza del universo, como su reciente colaboración directa con astrofísicos expertos en formaciones estelares para ad/ab Atom, una instalación de atronadores drones e interferencias que se combinaban con múltiples pantallas parpadeantes; un viaje abstracto por el microverso, alimentado por datos nanocientíficos, imágenes y códigos. Su reciente serie elemental de reproducciones digitales y naturales reorganiza la vida, la muerte y el (re)nacimiento por medio del método “oshibana” de prensado de flores. Durante más de una década, Kurokawa ha expuesto su innovadora obra en solitario o en exposiciones colectivas en galerías y museos de todo el mundo, así como en importantes festivales internacionales. Es un artista y músico autodidacta que ha colaborado con músicos como Ryuichi Sakamoto, Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi de Yellow Magic Orchestra, así como con artistas techno como Aoki Takamasa y Yoshihiro Hanno. (Fuente: L.E.V. Matadero)

 

Sitio web de Ryoichi Kurokawa

Información cedida por Fundación Japón.

El pixel art de Yoshinori Tanaka. Una puerta entre lo real y lo virtual

 

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HARE no STAGE (2019)

Mucho ha pasado desde que Hokusai realizará su famosa serie de xilografías conocida como las Cien vistas del monte Fuji (1834-1849), pero su impronta continúa presente y ha sido heredada incluso por los artistas más inesperados. Yoshinori Tanaka, también conocido como EXCALIBUR, es un polifacético artista japonés que practica desde la escultura, al video arte, pasando por la performance y el diseño gráfico. Un día de 1978 nacería en en Kyoto y su descubrimiento del mundo de los videojuegos lo empujaría a crear y a enamorarse perdidamente del arte digital.

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Yoshinori Tanaka oculta su rostro bajo una máscara hecha de teclas de ordenador

 

Tanaka no es humano, no es como nosotros. Tanaka desmonta teclados de ordenador y los transforma en arte. Tanaka es también digital y puro pixel. Su arte pixelado, denominado en japonés como ドット絵 dotto-e, está inspirado por momentos de su día a día y por recuerdos que por algún motivo u otro han quedado impregnados en su memoria. Le gusta investigar la mitología japonesa e incluirla en sus obras filtrada a través de su particular lenguaje visual. Es estas también debate sobre los límites de los distintos campos de la cultura y cómo estos se entrelazan y se mezclan. Por ejemplo, las referencias a la cultura clubbing se funden con las que hace a la cultura otaku y todo ello producen un universo particular donde rosas y verdes, azules y rojos dibujan un paisaje que nos transporta, inmediatamente y de una manera peculiar, a un extraño mundo de videojuego de gusto añejo y con referencias al arte tradicional. Yoshinori Tanaka da el nombre de Street Ethernet Field a este concepto propio del juego de superposiciones y solapamientos que usa para inspirarse y aplica a sus obras.

“Los píxeles representan la cantidad de información más pequeña y son para nosotros la puerta de entrada y salida perfecta para saber lo que nos depara el futuro. Los pixeles son digitales pero nuestro cerebro no es consciente de ello. Tenemos que aprovechar ese juego con nuestra mente para poder conocer qué es realmente el mundo virtual y poder entrar por su puerta. Mi llave es el arte. El arte es mi espada”.

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Ondenbashi Shibuyagawa (2018)
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Nihonbashi yukihare (2017
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Oji shozoku enoki Omisoka no kitsunebi (2017)
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Azumabashi Sumidagawa Mukojimasen (2017)
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Ueno Shinobazu no ike (2017)
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Manseibashi Onarikaido kadokyo (2016)
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Setagaya ijigen yashiki (2019)

 

Antes mencionaba que Yoshinori Tanaka también es conocido como EXCALIBUR pero me estaba quedando corto. EXCALIBUR también hace referencia al nombre del proyecto colectivo que Tanaka ha fundado para reunir a más artistas que participen de este mundo del arte pixel intelectual desde aportaciones y acercamientos tan distintos como la música o la escultura. Juntos disfrutan creando un mundo pixel, donde cada artista pone su parte e influye y es influido por los demás.

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Tanaka, quien no solo se limita el pixel art, ha ganado premios como el Kyoto International Film and Art Festival 2017, Recycle Art Exhibition 2017 o el Machi-naka Art Design Contest Koenji en 2016. Ha obtenido segundos lugares en el Shibuya Pixel Art Festival de 2018, así como el 12th TAGBOAT AWARD 2017. Durante 2017 recibió la importante beca de la Fundación Fukutake. Ha participado en más de veinte exhibiciones, algunas de ellas fuera de Japón como es el caso de la propia en el Urban Art Fair celebrado en París durante 2018 o la expo Tokyo Neo Pop en la DD Gallery de la misma ciudad este 2019.

Una cosa más antes de invitaros a seguir continuando del arte de Yoshinori Tanaka. Os recomendamos que le echéis un ojo al recién lanzado libro Pixel Vistas: A collection of Contemporary Pixel Art, cuyo título original es ピクセル百景 現代ピクセルアートの世界 Pikuseru hyakkei: gendai pikuseruāto no sekai o que traducido al castellano quedaría como Cien vistas pixel, en lo que supone una referencia directa al maestro clásico del ukiyo-e Katsushika Hokusai. En este delicioso y colorido libro, nuestro artista aparece recogido, junto con muchos otros, como uno de los más influyentes dentro de este género del arte pixel. Podéis comprarlo aquí, a través de Amazon Japan. Solo se encuentra disponible en japonés.

Podéis seguir el trabajo de Yoshinori Tanaka en su Instagram, Facebook y página web.

 

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CRITICAL HIT (HIROSHIMA) (2019)
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PRAY THE GAME (2018)
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CRITICAL HIT (NAGASAKI) (2010)

 

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TODAY (2017). Lámpara de mesa realizada con teclas de ordenador.
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NEO-THE-O (MECHATOPIA) (2013). Bola de discoteca hecha con teclas de ordenador.

Imágenes cedidas por el artista.

La revolución teamLab y las raíces digitales de Japón

¿Qué es teamLab?

La Orquesta de las Pelotas Luminosas (2013). Curioso, ¿verdad? Ahora que tengo tu atención, déjame que te hable de los responsables de esta idea.

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Los orígenes en 2001 de teamLab ya van quedando algo lejanos en el tiempo y el impacto de este grupo ya es lo suficientemente profundo y digno como para ser considerado como un colectivo artístico de culto. El culpable de todo esto es el japonés Toshiyuki Inoko, un carismático e inquieto físico y matemático que quiso poner a prueba las fronteras entre la ciencia y el arte y reunir a un grupo humano que le apoyara en la causa. TeamLab es un nombre que en primera instancia pareciera referir a una organización del tipo científico más que a uno artístico. El motivo de la elección de este nombre reside en que se trata de una empresa artística conformada, en un importante número, por científicos de distintos campos que van desde la informática, pasando por la ingeniería, el diseño, las matemáticas o la arquitectura, hasta la biología, sin olvidar en ningún momento la presencia del artista. Con ya 18 años de actividad este grupo multidisciplinar se ha convertido en el mayor embajador del arte digital de Asia y en todo un referente de la acción artística en el resto del mundo. A día de hoy el equipo total de teamLab está formado por más de cuatrocientos profesionales, distribuido entre su cuartel general de cuatro plantas en un rascacielo de Tokyo y otros laboratorios de creación subsidiarios situados en Singapur y Shangai. El tamaño de equipo de teamLab, es equiparable en número al de los propios del mundo del cine o de los videojuegos y aunque realizan obras a gran formato, la motivación es algo distinta. TeamLab ha buscado la presencia internacional y el poder llevar a cabo su mensaje y acciones artísticas y performativas en un importante número de países en todo el mundo.

Habréis notado que la estrella que aparece en su logo es una clara referencia al mundo de los videojuegos, baluarte del entretenimiento digital, la imaginación y la interactividad, que no podría estar más en consonancia con la filosofía del grupo liderado por Inoko.

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Toshiyuki Inoko, CEO y rockstar de teamLab

El noble propósito del arte digital

TeamLab busca superar las barreras y límites que en principio están impuestos por las categorías que dividen a las ciencias y el arte. Dicho propósito va de la mano con su mensaje más abanderado: el ser humano y la naturaleza son elementos que pueden convivir en armonía. TeamLab, es un colectivo que ha extendido sus ramas más allá de las fronteras que los ha visto nacer, pero es un grupo orgulloso de sus raíces japonesas y hacen gala de ello con sus ideas naturalistas, en concordancia con la idea sintoísta de que el hombre es una parte más de la naturaleza y no un adherido. Aunque la naturaleza que recrea teamLab sea digital, sus esfuerzos por otorgarles viveza es un eficaz, impresionante y colorido esfuerzo artístico, intelectual y científico por hacer entender esto a su público y llevar la ciencia a territorios más humanos a través del arte en sus formas más amables.

Esto sería imposible sin un enfoque universal, el público eres tú o yo mismo, como la propia esencia de su trabajo, que si bien parte de influencias y pretextos propiamente japoneses, son fácilmente extrapolables o comprensibles por cualquier persona. Sus obras buscan la interactividad sin exigir ningún tipo de requerimiento de edad, sexo, nacionalidad o ideología a su público. Si bien esto anterior es cierto, cabe mencionar también que teamLab muestra un gran interés y preocupación por el público más infantil, a quienes consideran de vital importancia hacer llegar el mensaje de armonía y convivencia con la naturaleza de sus obras. A estas alturas podemos hablar, seguramente de forma errónea en mi caso, de que los niños de hoy pueden ser ya categorizados como pertenecientes a una nueva variante humana denominada homo digitalis nativo y quien mejor que teamLab para comunicarse y conectar con ellos. Las performances de teamLab son instintivas y la conexión con los niños es instantánea. TeamLab es bien consciente de ello, por lo cual no han dudado en firmar alguna vez colaboraciones como la del célebre personaje Tony Tony Chopper de One Piece. En su actividad One Piece “Digital Art Island Adventure” (2015), realizada en las instalaciones de la Fuji Television, los niños podían dibujar a su propio Chopper, el joven reno médico de la banda de los Sombrero de Paja, el cual cobraba vida e interactuaba en un mundo virtual con más Choppers dibujados por otros niños. En ese mismo sentido el colectivo ha desarrollado la marca teamLab FuturePark bajo la cual mantienen instalaciones en distintas ciudades de Japón enfocadas en los niños, para fomentar en ellos la interacción digital y los procesos de creación cooperativa y colectiva de los que el propio grupo hace gala.

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Las raíces digitales de Japón

TeamLab es un colectivo que explora fundamentalmente el arte digital como parte inicial y final del proceso de creación de sus obras, pero muchas de ellas están basadas en contenidos artísticos tradicionales e históricos. En algunas de sus obras, aquellas realizadas para un contexto japonés, hacen tratamiento de la importancia del mar para la sociedad japonesa, como en Black Waves (2016) o la relevancia de la caligrafía, como en Spatial Calligraphy, Infinite Circle (2016). En otras, por ejemplo, han empleado grabados y pinturas japonesas para explicar pasajes históricos o ilustrar movimientos artísticos como el ukiyo-e. Este es el caso de instalaciones como Flower and Corpse Glitch Set, donde un total de 12 grabados del periodo Edo (1603-1868) han sido reinterpretados en 3D y donde el típico recurso representativo de la perspectiva isométrica de estas pinturas reacciona a la presencia y movimiento de sus espectadores. Además improvisan una historia original procedente de la combinación de personajes y elementos propios de la mitología japonesa, como la serpiente de ocho cabezas Yamata no Orochi que aparece en Kojiki (712 d.C), o de la literatura como el príncipe, ideado por Murasaki Shikibu, Hikaru Genji del clásico Genji Monogatari (S.X?-S.XI?).

TeamLab también aceptó el reto en 2012 de plasmar la vida urbanita de la Tokyo en las paredes interiores de la primera planta de la gigantesca torre de comunicaciones Tokyo Skytree. Adam Booth, responsable artístico del colectivo, empleó estilos artísticos autóctonos y en peligro de extinción como rakuchurakugaizu, género costumbrista de finales del siglo XVI y que reproducía escenas cotidiana de la vida en la Kyoto, así como el edozubyoubu, con temática cercano al anterior pero situado en Edo y ejecutado sobre paneles de biombo. The TOKYO SKYTREE mural (2012), en sus cuarenta metros de pantallas digitales, nos presenta una capital abarrotada que es un espacio común para millones de encuentros fortuitos entre personas con vidas muy distintas. Un juego de tensiones entre entre el pasado y el presente de la capital, que funciona inevitablemente como metáfora del Japón contemporáneo, y que sobrepasa la capacidad visual y cognitiva del espectador, que abrumado descubre algo nuevo con cada vistazo.

La temática japonesa es inevitable pero el colectivo la ha mostrado allende sus fronteras sin ningún tipo de complejo y con su debida contextualización. TeamLab tiene la capacidad de mostrar una pieza en la Bienal de Arte de Singapur de 2013 y recibir por ella el galardón austriaco Prix Ars Electrónica, considerado, de forma popular, como el Óscar de las new media arts. Este es el caso del espectáculo People can be Realized Even without Order (2013), que propone una fantasmagórica pero animada versión del Awa Odori que se celebra cada verano en la prefectura de Tokushima en Shikoku. Se trata del festival tradicional que pone a bailar en procesión a más gente en todo el país y en dicha instalación el público puede colarse en uno de estos grupos de baile, conocidos como ren 蓮, con la diferencia de que aquí los bailarines son proyecciones holográficas.
Especialmente en Japón llevan a cabo muchas intervenciones en espacios abiertos y naturales. Las instalaciones nocturnas de teamLab en estos lugares producen atmósferas realmente impresionantes y que permiten redescubrir lugares ya míticos y turísticamente muy visitados y conocidos. El proyecto Digitized Cities parte de la base de que para realizar una intervención artística en una ciudad no hace falta la modificación ni actuación agresiva del artista sobre ella. La intervención más reciente bajo este concepto fue Digitized Hiroshima Castle (2019), llevada a cabo fue el pasado 8 de febrero en el, reconstruido tras la bomba atómica, Castillo de Hiroshima o Hiroshima-jo 広島城. TeamLab colocó decenas de lámparas de color en forma de gigantescos huevos que comunicados entre sí emitían sonidos y que respondían al movimientos de aquellos que cruzaban el parque que rodea el castillo. Cada huevo, al ser tocado, emitía un color y un sonido concreto, creando una atmósfera y una sinestesia muy particular, contagiando a los demás huevos cercanos y modulando la luz que iluminaba el castillo. Cuando uno de los “ovoides” cercanos a ti cambia de color, comprendes que procede de la influencia y acción de otra persona sobre otro que se encuentra más o menos cercano. La interconexión entre personas a través del sonido y el color fomenta la idea de que todos los presentes están compartiendo un mismo espacio y formando parte funcional de un organismo vivo.
En A Forest where Gods Live, proyecto hermano del anterior, experimentan con la inmersión a través de un colorido mapping proyectado directamente sobre las árboles, rocas y cuevas del Parque Mifuneyama Rakuen, fundado en 1845 y casa del célebre árbol trimilenario Okosu, majestuoso guardián del Santuario de Takeo, el lugar de culto más antiguo de la ciudad de Saga. La naturaleza digital de teamLab se solapa aquí con la real creando una deliciosa orgía visual y planteando una relación simbiótica y respetuosa entre ambas que difícilmente podrás evitar no subir a Instagram. Puede decirse que teamLab ha llevado la técnica unos niveles tan altos de complejidad que hace sentir ya muy lejos a artistas como Michael Naimark o Jeffrey Shaw, considerados los padres del mapping moderno.

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teamLab para Japón, para Asia y para el mundo

A pesar de que los trabajos que hemos mencionado arriba se basen en elementos fuertemente localistas y situados dentro de la cultura japonesa, la tendencia en los últimos años en teamLab es la de buscar elementos autóctonos de cada zona donde se realizan las instalaciones. Un buen ejemplo de esto sería su primera gran instalación permanente desde que se fundase el colectivo, Graffiti Nature (2016), que llevaron a cabo el Arts&Science Museum de Singapur, donde simularon un bosque de la zona dando vida a un antiguo libro de coloridas ilustraciones sobre la flora y fauna autóctona. TeamLab es fiel a la interactividad como pilar central para sus procesos de creación y aquí las plantas y animales de un viejo libro toman vida y se transforman en un ecosistema digital que se mueve a través de pantallas por las distintas salas del museo, reaccionando a la presencia de los visitantes. Si los animales notan tu presencia, huirán, si nos concentramos en el tallo de una flor esta se abrirá para nuestro deleite visual. Un verdadero trabajo titánico de digitalización y animación de recursos analógicos para nuestro goce visual y sensorial.

La existencia de un gran equipo que realiza un esfuerzo conjunto y al unísono para llevar a cabo sus obras es reflejo de la ambición de los trabajos de teamLab, los cuales se han convertido por su calidad artística y grandes formatos en una referencia fundamental dentro de arte digital actual. Si bien es complejo medir el nivel de repercusión que el colectivo imprime dentro de esta categoría artística, su extensa expansión territorial, más allá del archipiélago nipón, no hace sino evidenciar su cada vez más importante presencia y reconocimiento en todo el mundo. Algunos datos que pueden mencionarse para dar cuenta de su presencia e influencia en espacios artísticos (y científicos) por todo el mundo es el gran número de instalaciones permanentes que poseen. Desde el Living Computer Museum de Seattle, hasta la Art Gallery of New South Wales en Sydney, pasando por el Museo de Arte Asiático de San Francisco o la Pace Gallery de Nueva York. Por supuesto conquistando también Europa en el Grand Palais de París o la Saatchi Gallery de Londres. Y esto anterior solo son ejemplos de una larga lista.

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La madurez definitiva de teamLab. Borderless o la capacidad de crear sin límites

Importantes medios de comunicación como la CNN o Aljazeera han llegado a patrocinar algunas de sus exhibiciones. Además desde sus comienzos han contado con el respaldo del Ministerio de Cultura de Japón, quien en más de una ocasión ha acudido al colectivo en busca de soluciones creativas para proyectos concretos. Tales son las cuotas del impacto de las obras de teamLab que el prestigioso Museo de Arte Mori ha inaugurado recientemente una sucursal de gran formato en la isla artificial de Odaiba en Tokyo para que el colectivo lleva a cabo sus obras y experimentos en su interior. El que se llamará MORI Building DIGITAL ART MUSEUM teamLab Borderless supondrá el mayor espacio construido (más de 10.000 metros cuadrados) hasta la fecha en el mundo para albergar exclusivamente obras de arte digital. Si bien la gestión del museo estará centralizada en el Museo de Arte Mori, localizado en el barrio tokiota de Roppongi, la dirección artística de este espacio correrá fundamentalmente a cargo de teamLab. El colectivo espera también realizar colaboraciones con otros artistas dedicados la creación de arte digital interactivo, de forma que el MORI Building DIGITAL ART MUSEUM se convierta en sede y referente mundial, sin miedo a quedar exagerado, de este tipo de arte. Definitivamente, el grupo de Inoko se ha echado a la espalda el encargo de llevar la vanguardia del arte digital al gran público. Solo cabe reconocerlo y sumergirnos en sus obras, para regocijarnos del cuidado diseño de cada una de ellas y preguntarnos: ¿qué será lo próximo? Lo próximo será lo que teamLab quiera. Su capacidad de inventiva no tiene límites ni fronteras. Podríamos decir que es un continuo, como nuestra relación de humanos con la naturaleza. Podríamos decir: borderless.

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Intercity-Express y Nonotak embajadores del arte digital japonés en el festival MUTEK.ES

El festival internacional de creatividad digital MUTEK.ES celebra este año 2019, entre el 6 y el 9 de marzo, su décima edición en Barcelona. El festival, dedicado a difundir la creatividad digital en música y artes visuales, ha querido para esta edición que el arte digital japonés estuviese muy presente en Barcelona.

Fundación Japón, institución para la difusión de la lengua y la cultura japonesa, colabora apoyando la presencia de dos artistas que servirán como muestra del alto nivel del arte digital en Japón, Intercity-Express (Tetsuji Ohno), quien presentará su espectáculo de música y video proyecciones digitales Triggering (2018), y el músico-arquitecto Takami Nakamoto, miembro del dúo Nonotak junto a la ilustradora Noemi Schipfer, quienes expondrán una de sus últimas instalaciones, ZERO POINT ONE.

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Nonotak es la colaboración entre la ilustradora Noemi Schipfer y el arquitecto-músico Takami Nakamoto. Nonotak comenzó como un proyecto encargado por los arquitectos franceses Bigoni-Mortemard para diseñar un mural de vestíbulo para viviendas públicas en París; Desde entonces, su trabajo se ha mostrado en algunos de los festivales y galerías de arte más prestigiosos del mundo.
Juntos crean deslumbrantes instalaciones de arte visual que cobran vida, fusionan música electrónica, diseño de iluminación con luces estroboscópicas, sombras y múltiples pantallas integradas en estructuras que rodean a los artistas. Noemi y Takami confunden lo virtual y lo real en presentaciones hipnóticas con nombres como Daydream, Isotopes y Dream Collapse, creando un universo de sonido interactivo y metamorfosis ligera que envuelve no solo a los artistas, sino también al público.
Su estilo combina colisiones geométricas en arquitecturas de luz y sonido en instalaciones audiovisuales que exploran (y superan) los límites de la percepción humana. Fuente: Mutek

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Proyecto audiovisual del músico Tetsuji Ohno, nacido en Tokio. Ohno comenzó su carrera en la producción musical a finales de los 90, después de trabajar a mediados de los 90 como DJ en Tokio y sus alrededores. Simultáneamente, ha estado desarrollando trabajos de audio y video para presentaciones en vivo y publicidad. Su sonido tiene una fuerte influencia de sus experiencias en los géneros house, techno, noise y electrónica.

Ha sido invitado a festivales de música y medios de comunicación de todo el mundo, como MUTEK Scopitone (Francia), HPL (Rusia) y Sunscape (Matla). Adicionalmente, sus obras de exhibición han sido premiadas con premios como ARCHIVO (Brasil).

Al vivir en Japón, desarrolla continuamente nuevos proyectos que buscan conectar orgánicamente los sentidos humanos a través de experiencias de sonido integradas en lugares como los Museos Nacionales, en producciones de contenido artístico y comercial. Recientemente ha estado colaborando con el artista sonoro Shinichi Yamamoto en una variedad de proyectos. En esta ocasión nos presenta su último trabajo, Triggering (2018). Fuente: Mutek

ACTIVIDADES:

Masterclass de Nonotak en el Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya

Lugar: Escuela IAAC (Pujades 102, Poble Nou, 08005 Barcelona).

Fecha y hora: martes 5 de marzo a las 19.00h.

Entrada gratuita. Pulse aquí para solicitar plaza.

ZERO POINT ONE, instalación audiovisual de Nonotak en Roca Barcelona Gallery

Lugar: Roca Barcelona Gallery (Carrer de Joan Güell, 211, 08028 Barcelona)

Fechas y horarios: Inauguración miércoles 6 de marzo a las 19.00h.
Entrada: 12€. Para más información sobre la compra de entradas aquí.

Visitas: Desde el jueves 7 al domingo 10 de marzo de 9.00h a 20.00h.


Intercity-Express presenta su show Triggering

Lugar: Antigua Fábrica Estrella Damm (Carrer del Rosselló, 515, 08025 Barcelona).

Fecha y hora: sábado 9 de marzo – 19.00h (El evento comienza a las 13.00h y termina a las 22.00h y cuenta con la participación de varios artistas internacionales).

Entradas: 10€. Para más información sobre la compra de entradas aquí.

Más información en la web del festival.


Información cedida por el Departamento de Arte y Cultura de Fundación Japón.

Los japoneses Exonemo materializan la deep web en Matadero con su mercado negro Yami-Ichi

The Internet Yami Ichi, o “mercado negro de internet”, es un proyecto que nace en Tokyo en 2012 de la mano de una sociedad secreta online, IDPW, que desde entonces se ha replicado en decenas de ciudades, y que el festival Tentacular organiza por primera vez en Madrid en colaboración con los artistas Mario Santamaría y Julian López.

Este sábado 24 de noviembre, de 12:00 a 17:00 en la Nave 16 de Matadero Madrid, con entrada libre.

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En el marco de Tentacular, Festival de Tecnologías Críticas y Aventuras Digitales, este sábado 24 de noviembre, entre las 12:00h. y las 17:00h., en la Nave 16 de Matadero Madrid, tendrá lugar la primera edición madrileña de The Internet Yami-Ichi, el bazar de las cosas de Internet, un formato experimental, entre la exposición y la performance colectiva, ideado IDPW, una sociedad secreta online tras la que se esconde el dúo de artistas japoneses Exonemo, compuesto por Sembo Kensuke y Akaiwa Yae.

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El dúo artístico Exonemo Sembo Kensuke y Akaiwa Yae) © Fotografía por annetteboutellier.com

The Internet Yami Ichi

Mitad mercadillo, mitad gabinete de curiosidades, es un espacio abierto y divertido donde se trafica con ideas e imágenes, inventos absurdos y objetos cotidianos procedentes de las zonas más imaginativas, insidiosas e invisibles de la web. El primer Internet Yami-Ichi fue organizado en Tokio en 2012 por el dúo artístico Exonemo y su misterioso colectivo de arte online IDPW, “una sociedad secreta online con más de 100 años de historia”. Hasta la fecha ha viajado por numerosas ciudades, como New York, Berlín, Barcelona, Moscú, Amsterdam y Seúl.

Vuelta de tuerca a la idea habitual de exposición, entre el encuentro y la performance, es un mercado de pulgas o bazar de “cosas de internet” en el que diseñadores, programadores y artistas muestran, exponen y trafican con ideas, procesos y objetos procedentes de las zonas más imaginativas, insidiosas e invisibles de la web.

Entre los artículos que han sido vendidos en anteriores Yami-Ichis encontramos de todo: desde links prohibidos a ropa estampadas con interfaces ya desaparecidas, desde una clínica de rehabilitación para adictos a Internet hasta asesoramiento para escribir e-mails de odio, contraseñas de usuarios, globos de nieve Edward Snowden, apps rechazadas por Apple, paquetes de 10 Likes por 1 € o fragmentos de discos duros procedentes de un data center de Google en Bélgica.

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Internet Yami-Ichi en TATE Modern, Londres, 2016
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Internet Yami-Ichi en Tokyo, 2012
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Internet Yami-Ichi en Berlín, 2014

Lista de participantes de The Internet Yami-Ichi / Madrid:
IDPW (アイパス) http://idpw.org/ — Clusterduck https://clusterduck.bigcartel.com/ — Tmtmtm https://tmtmtm.xyz/ — Diego Paonessa http://diegopaonessa.net/ — David Quiles Guillo https://davidquilesguillo.com/ — m_m http://www.mariosantamaria.net — Antonio Ferreira http://estudioescritorio.tumblr.com — Sand Gardeners https://sandgardeners.itch.io/brownie-cove-express — Homo Velamine https://www.homovelamine.com/ — Becoming Collective http://becoming.network/ — Daniel Armengol Altayó http://armengol-altayo.com/ — Alicia Way http://away-aliciaway.tumblr.com — Olmo González https://www.olmogonzalezmoriana.com — Dalila Virgolini http://www.dalilavirgolini.com — Las Supernenas http://lagrietaonline.com/la-mono-falange-las-supernenas-matias-daporta-jovendelaperla-somosanto/ — Antonio Zingaro forzaantonio.it — Onur Olgac onurolgac.com — Nora González http://noralabora.com — Javier Arce https://www.instagram.com/javier


En el marco de  Tentacular. Festival de tecnologías críticas y aventuras digitales
Con la colaboración de The Wrong – New Digital Art Biennale

Fecha: Sábado 24 de noviembre, de 12:00 a 17:00
Lugar: Matadero Madrid. Nave 16

Más información en la web de Matadero y en su evento en Facebook.


Información cedida por Tentacular.

Las Rutas de la Remezcla: un espectáculo que propone diálogos imaginarios entre Iberia y Japón

Llevamos la palabra Pan,

llevando la palabra dios.

Pan en japonés se dice Pan

 

Tras varios meses de desarrollo Antropoloops, La Plasita y Tangiblex presentan este sábado 10 de noviembre en el marco del refectorio de Santa Clara (Sevilla), la propuesta ‘Las Rutas de la Remezcla’ un espectáculo gastrosófico-musical que recrea, desde la lógica de la remezcla, los encuentros e intercambios culturales que pudieron producirse entre jesuitas ibéricos y japoneses durante los siglos XVI y XVII.

Sus creadores

Antropoloops (Rubén Alonso y Esperanza Moreno)

La Plasita (Jaime Gastalver y Lilian Walker)

Tangiblex (Miguel Vázquez-Prada)

Gracias al apoyo del banco de proyectos del ICAS, ha sido posible poner en marcha una experiencia con vocación multisensorial y adaptada al espacio en el que se presenta, el refectorio del convento de Santa Clara en Sevilla. La creación entrelazada del menú, de la música y de los visuales pretende dialogar, desde el presente, con los distintos modos de hibridación e intercambios culturales históricos.

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Las expresiones musicales, como las culinarias, guardan en sus pliegues las historias de sus génesis mestizas, sus viajes, migraciones, éxodos y diásporas.

Las recetas, como las canciones, son fruto de la recombinación contínua de un ingrediente tras otro en una cocción-reinterpretación sin fín.

 

Las Rutas de la Remezcla genera una experiencia que sumerge al espectador-comensal en lo sensorial combinando comida, música, visuales y palabra poética. Un ritual narrativo, escénico y gastronómico estructurado en 4 escenas, en el que se dan la mano los aspectos tecnológicos, el conocimiento de los ingredientes y sus viajes. El carácter musical y visual de la propuesta se cumplimenta con un aspecto performativo que pretende acercar el contenido al espectador-comensal, haciéndolo partícipe, en ocasiones, del desarrollo mismo de la dramaturgia.

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Un maridaje en el que las bases sonoras de Antropoloops, se entrelazan con la aportación visual de Tangiblex y las recetas y poemas de La Plasita, tras un proceso de investigación sobre el contexto histórico, gastronómico, visual y musical que comprende el periodo entre 1543 y 1640, dando forma a esta propuesta que remezcla y, al mismo tiempo, se convierte en punto de encuentro de culturas, identidades y alimentos.

Más información en la web del proyecto. Desde acchiKei esperamos que sea todo un éxito y sea posible en un futuro próximo disfrutar de esta experiencia en nuevas ediciones.

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Texto cedido por La Plasita

 

El arte digital de Daito Manabe llega a Cornellá y Madrid con su espectáculo ‘discrete figures’

La estrella mundial de la creación digital Daito Manabe presenta en Cornellá y Madrid discrete figures, su última obra, que rompe una vez más la frontera entre el arte de la danza y la ciencia.

Se trata del proyecto más reciente de uno de los referentes mundiales en creación digital, Daito Manabe y su estudio Rhizomatiks, con la colaboración del grupo de danza ELEVENPLAY y el programador Kyle McDonald.

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Discrete figures fusiona las artes escénicas y las matemáticas en una ingeniosa y elegante exploración de la relación entre el cuerpo humano y los movimientos generados por ordenador. Este rompedor espectáculo multimedia, que llega a L’Auditori de Cornellà tras el éxito de crítica y público en EE.UU. y Canadá, combina drones, inteligencia artificial y aprendizaje automático con la coreografía de cinco bailarinas.

El fundador del estudio Rhizomatiks Research Daito Manabe es considerado uno de los artistas multidisciplinares más importantes en la actualidad, invitado al Festival Sónar 2017, artífice tras la presentación japonesa en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Río y diseñador de los espectáculos de músicos de renombre como Björk, Perfume o Ryuichi Sakamoto. Asimismo, el grupo ELEVENPLAY colabora habitualmente en los conciertos, programas de televisión y videoclips más destacados de Japón, y su líder MIKIKO ha llevado a cabo coreografías para artistas de la talla de BABYMETAL, Perfume o Ringo Shiina.

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Tras el estreno en L’Auditori de Cornellà, discrete figures también se podrá ver el 13 de noviembre en los Teatros Canal de Madrid. Ambas actuaciones ponen el broche de oro a la celebración del 150 Aniversario de relaciones diplomáticas entre Japón y España, que se conmemora este 2018.


Rhizomatiks Research

Rhizomatiks Research se centra principalmente en proyectos del campo de la investigación y el desarrollo, y prioriza abrir nuevas formas de expresión de cara al futuro. El equipo que lidera Rhizomatiks Research ha llevado a cabo proyectos con artistas como Perfume y ELEVENPLAY además de proyectos de media-art y data-art, de los que se encarga de todo el proceso, desde la planificación hasta la implementación y ejecución.

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Sitio web de Rhizomatiks Research


Daito Manabe. Artista, diseñador interactivo, programador y DJ basado en Tokio

Funda Rhizomatiks en 2006, y a partir de 2015 se convierte junto a Motoi Ishibashi en el codirector de Rhizomatiks Research, una división de la empresa centrada en explorar nuevas posibilidades en los reinos de la expresión técnica y artística, con el foco puesto en proyectos que enfatizan la I+D. Asimismo, es profesor en la Keio University SFC.

Los trabajos de Manabe en los ámbitos del diseño, el arte y el entretenimiento presentan nuevas aproximaciones a los materiales y fenómenos cotidianos. Sin embargo su objetivo final no es conseguir un realismo rico y en alta definición resultado del reconocimiento y la recombinación de estos bloques de construcción familiares. Su práctica, en cambio, se nutre de la observación cuidadosa para descubrir y elucidar las posibilidades esenciales inherentes al cuerpo humano, datos, programación, ordenadores y otros fenómenos. Sondea de esta manera las interrelaciones y límites que delinean lo analógico y lo digital, lo real y lo virtual.

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Sitio web personal de Daito Manabe


Motoi Ishibashi. Ingeniero y artista.

Codirector de Rhizomatiks Research.Nacido en Shizuoka (Japón) en 1975, se graduó en el Departamento de Sistemas e Ingeniería de Control del Instituto de Tecnología de Tokio y en la International Academy of Media Arts and Sciences (IAMAS). Desde 2015, Ishibashi ha sido junto a Daito Manabe codirector de Rhizomatiks Research, una división de la empresa centrada en explorar nuevas posibilidades en los reinos de la expresión técnica y artística, con el foco puesto en proyecto que enfatizan la I+D. Ishibashi está involucrado en un amplio abanico de actividades incluyendo performance artísticas, vídeos musicales e instalaciones basadas en la producción de dispositivos y hardware. Su trabajo ha sido reconocido por varios premios, como el Prix Ars Electronica, el León de Cannes y el Japan Media Arts Festival.

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Sitio web personal de Motoi Ishibashi


ELEVENPLAY. Compañía de danza

Esta compañía de danza dirigida por la coreógrafa y directora de arte MIKIKO, fue fundada en 2009 con la esperanza de formar a bailarinas con una alta sensibilidad artística y creatividad además de técnicas, cuerpos y espíritus exquisitos. Compuesto por bailarinas especializadas en una amplia variedad de géneros, las formas de expresión de ELEVENPLAY son diversas y abarcan desde el escenario al vídeo y la fotografía.

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Sitio web de ELEVENPLAY


MIKIKO. Diseñadora de escenario y coreógrafa

Ha sido la directora artística y coreógrafa de más de cincuenta artistas japoneses de fama internacional, como Perfume, BABYMETAL y Ringo Shiina entre otros. Ha recibido numerosos premios en el ámbito de las artes dramáticas, y sus coreografías son altamente apreciadas en la escena pop japonesa. Todo ello permite afirmar que MIKIKO es una de las mejores coreógrafas del Japón actual.

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Mikiko fue seleccionada como © VOGUE Japan -Women of the Year -2017

Sitio web personal de MIKIKO


Kyle McDonald. Artista y programador

Es un contribuidor habitual a los sets de herramientas de código abierto de arte-ingeniería como openFrameworks, y crea programas que permiten a los artistas usar nuevos algoritmos de forma creativa. Tiene por costumbre compartir públicamente ideas y proyectos antes de su finalización. Subvierte creativamente la comunicación en red y la computación, explora los fallos técnicos y prejuicios sistémicos, y extiende estos conceptos a la reversión de todo, desde la identidad a las relaciones humanas.
McDonald ha sido profesor adjunto en el Programa de Telecomunicaciones Interactivas de la Universidad de Nueva York, miembro de F.A.T. Lab, community manager para openFrameworks y artista en residencia en el STUDIO for Creative Inquiry de la Universidad Carnegie Mellon así como en el Centro Yamaguchi de Artes y Medios (YCAM), en Japón. Le han encargado trabajos para exposiciones y festivales de todo el mundo, incluyendo: NTT ICC, Ars Electronia, Sonar/OFFF, Eyebeam, Anyan Public Art Project, Cinekid, CLICK Festival, NODE Festival, y muchos más. A menudo dirige talleres sobre la exploración de la visión computacional e interacción persona-ordenador.

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Sitio web personal de Kyle McDonald


Presentación de Discrete figures en Cornellá, Barcelona

-Organiza: Consulado General del Japón en Barcelona, L’Auditori de Cornellà.

-Colabora: la Fundación Japón en Madrid y Casa Asia

-Fecha y horario: 10 de noviembre, a las 21:00 h. Apertura de puertas a las 20:00 h. Acceso a sala a las 20:30 h.

-Lugar: L’Auditori de Cornellà, Carrer Albert Einstein, 51, 08940 Cornellà de Llobregat, Barcelona

-Entrada general 14 € (19 € el mismo día).
Las entradas se pueden adquirir online, presencialmente en la recepción de L’Auditori de lunes a viernes de 9 a 14 h, o por teléfono: 934 74 02 02 Ext. 1307 de lunes a viernes de 9 a 14 h.

Discrete figures en los Teatros del Canal, Madrid

-Fecha y horario: 13 de noviembre, a las 18:00 y 21:00 h.

-Lugar: Teatros del Canal. Calle de Cea Bermúdez, 1, 28003 Madrid

-Entrada general: 25 €. Comprar entradas en la web.

Más información en la web del Consulado de Japón en Barcelona.


Texto: Nota de prensa cedida por el Departamento de Cultura del Consulado de Japón en Barcelona. ¡Muchas gracias!