Una de las cosas guapas de Tokio es que la ciudad representa un lugar de reunión clave para ilustradores de todo el país. En la capital hacen vida miles de ilustradores de inspiración urbana y callejera que podrían ser, casi cualquiera de ellos, dignos sucesores de los frescos que Katsuhiro Otomo realizase en la Capilla Sixtina. Desde que empezó esta cosa en la que se ha convertido acchiKei ya os hemos hablado de unos cuantos ilustradores de esta cuerda. Hoy es el turno de Kurosawa Momoka.
Esta ilustradora y diseñadora habita las calles de Tokio y comenzó a pintar desde que era solo una niña, movido, como muchos otros, por la influencia del manga, el anime y los nintendos. Aunque promulga más amor por la pintura, en su día a día trabaja en una empresa como diseñadora gráfica. A la hora de inspirarse tira mucho de nama biirus bien fresquitas, de la vida en los bares de Golden Gai en Shinjuku, sus locales favoritos de la ciudad. Incluso ha expuesto sus obras en el Uracue, bar que puede encontrarse en los callejones de esta zona de fiesta.
Las emociones son universales. Todo buen artista entiende esto. Lo cotidiano, lo aparentemente mundano y que no interesa a nadie. Los altibajos. Momoka Kurosawa cuenta que hay que saber buscar en estas emociones la motivación para ponerse a trabajar. Fijándose en ellas encuentra la inspiración suficiente para proyectar en en sus trabajos a los personajes que, aunque procedentes de su mundo interior e introspección, al final del día son reflejo de las cosas que ha vivido y de las personas que le rodean. Nos cuenta que le jode especialmente la injusticia y que en su ciudad a menudo se encuentra con ella (y que cada cual atribuya las críticas de la artista a su gusto). Su forma de pelear contra esto, contra la rabia que se le genera, es canalizar la misma en sus dibujos y… usar mucho el color rojo. Rojo ira/rojo Japón. ¡AKSLAJDLKAAKLSJALKSJDLAKSCOLORROJO!
Al grano. Os dejo con estas ilustraciones que ella misma nos ha pasado y que nos han volado la cabeza. Queremos forrar el piso con pósteres de Momoka… y que se forre ella de paso. Además, nos mola Gorillaz, porque no solo escuchamos openings de animes y música japonesa, y es inevitable acordarse y ver la influencia de Jamie Hewlett en los personajes de Momoka.
¡Podéis seguir los pasos a esta artista japonesa en su Instagram!
El año que Amanda Siworae pasó en Japón fue un antes y un después en su carrera artística, y no solo por el amor hacia el udon que profesa desde aquel entonces. En Tokio tuvo que acostumbrarse al ritmo de vida de esta ciudad y a lo que es aún más complejo: el idioma. Durante 2013 y 2014 estudió durante seis meses en la Kai Japanese School y ya aquí salieron a relucir sus dotes como como artista e ilustradora ganando el concurso de diseño de tarjetas de la escuela. Compaginaba sus estudios de japonés con un trabajo como fotógrafa para la revista suiza Le Temps hasta que un día decidió que tenía ganas de vivir aventuras más intensas y se marchó de la ciudad en busca de ellas. Trabajó limpiando barcos en Okinawa, plantando arroz en los campos de Satoyama en Miyama (Kyoto) e incluso sirviendo en un restaurante.
Nacida en Palencia y criada en Tenerife, es hija de padres maestros y artistas. Que terminase estudiando Bachillerato de Artes e Historia del Arte en la Universidad de Salamanca era de esperar y durante la carrera incluso recibió una beca para continuar estudiando en Siena, Italia. Por si no fuese suficiente, Amanda posee formación reglada en fotografía y un máster en diseño gráfico. Durante un tiempo ejercería en Bilbao ambas profesiones y hoy como freelance habita en Cantabria, lugar del que se dice enamorada por su semejanza con tierras celtas como Escocia e Irlanda. Y es que la cultura celta es junto con la japonesa la que más le influye a la hora de realizar sus ilustraciones, fotografías artísticas y trabajos de animación.
Amanda ha pateado bien el globo y se ha empapado de muchas culturas distintas. Ha vivido en países como USA, Reino Unido, Italia o Japón. Sin embargo, Japón posee un lugar especial en su kokoro y a día de hoy continúa siendo una de las fuentes de inspiración más importantes para esta creadora.
“Diría que mi trabajo artístico es un conglomerado entre la cultura japonesa y la celta, entre ambos mundos y sus tradiciones”.
Ambas culturas ensalzan a la naturaleza como motor esencial y procurador de todo lo demás. La mezcla de ambas tradiciones con elementos representativos y universales de la naturaleza a la que además se le añade un toque más contemporáneo y de modernidad gracias a la inclusión de elementos procedentes de la estética que rodea a géneros musicales electrónicos como el lo-fi o el ambient. Sus ilustraciones son una mezcla dulce y ácida a su vez, pero siempre rítmica. Un genial equilibrio que otorga a los trabajos de Amanda un aspecto fresco y muy reconfortante, que hace que uno pensar que lo que está viendo posee una lógica preestablecida y no urdida y manipulada por una artista que bebe de aquí y de allá. Sus trabajos, más allá de imprimir sus impresiones e influencias sobre las culturas ya mencionadas, también son una forma de hablar sobre su propia vida y reflexionar sobre temáticas como la soledad o el crecimiento personal como mujer.
Hace dos años fue invitada a ser miembro del programa Talento J, una plataforma que reúne a jóvenes talentos españoles cuya actividad se relaciona directamente con Japón. Además, ha sido dos veces ganadora consecutiva del premio Merkarte Tenerife Emerging Artists en 2017 y 2018.
En los últimos tiempos ha realizado colaboraciones como freelance con artistas y compositores del mundo lo-fi como Breezewax o Jy DI Ef, diseñando portadas de discos y ayudándoles a crear sus universos estéticos. Además de eso, Amanda Siworae trabaja se encuentra trabajando un proyecto personal en forma de libro ilustrado y que reflexiona sobre el rol del silencio. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en España y en sus planes futuros entra el regresar a Japón y realizar allí colaboraciones con artistas y galerías del archipiélago nipón. Colaboraciones que no pensamos perdernos.
Reconócelo. Lo tuyo no es el estrés de Tokio y su ajetreado ritmo de vida. Tú eres más de buscar remansos de tranquilidad ocultos en la gran ciudad. En tus auriculares, la calidez de una melodía lo-fi y a tus pies, un amable gatete frotándose contra tobillos. De repente la atmósfera se te antoja como la de un sueño pintado con la paleta de un anime noventero… Reflexionas… ¿cómo imaginabas que sería Japón antes de visitarlo por primera vez? Nuestro Japón, quizás, se parecería mucho al de la ilustradora alemana Surudenise.
Denise es una chica nacida en Frankfurt cuyas ilustraciones han cosechado considerable éxito en las redes. Desde pequeña ha sido una enamorada del anime y desde su primer viaje a Japón, este se convirtió en su fuente principal de inspiración. Ha trabajado como freelance para marcas como la japonesa SEGA o Fanta y hecho sus pinitos en el mundo de los videojuegos con su concept art. Un tratamiento estético de un Japón que evoca nostalgia y calidez al mismo tiempo y que os invitamos a conocer.
Comenzamos…
Sobre tu nombre artístico. Imaginamos que tiene mucho que ver con el verbo する suru, “hacer” en japonés.
Surudenise: ¡Eso es! Me inspiré en una marca de ropa con ese nombre y que ya no existe. Además, creo que el significado en japonés de suru es muy versátil y encaja mucho con cómo me veo a mi misma. En lo creativo no me gusta limitarme solo una cosa ni a solo una disciplina. Me gustan muchas ramas del arte y la creación, por lo que este suru encaja conmigo perfectamente.
¿Cómo se convirtió Japón en el tema principal de tus ilustraciones?
Surudenise: Nací en los años 90, justo cuando el anime estaba comenzando a pegar fuerte en Occidente. No puedo recordar ni un momento de mi infancia en el que no estuviera pegada a la tele viendo anime. Me fascinó y caí prendada de la animación japonesa desde el minuto uno. De hecho, esto fue lo que me llevó a interesarme por Japón. Ya con ocho o nueve años quería visitar el país. Finalmente, hace unos pocos años, por fin pude visitar Japón. Mi primer viaje fue como una inspiración instantánea…la arquitectura, las calles estrechas y pintorescas, la comida… En general toda esa atmósfera, que me atrapó y que desde entonces he querido plasmar.
NEON MOON
¿Qué videojuegos, animes o manga crees que son los que más te han inspirado?
Surudenise: Aquí no hay duda. Por encima de todo, está Akira Toriyama. En especial, Dragon Ball Z, su increíble y peculiar estilo siempre ha sido una gran inspiración para mi. Me gusta tanto que me veo el anime casi todos los años, al menos una o dos veces. Es una serie que me motiva y me pone las pilas, a la vez que me provoca nostalgia. Sin embargo, a nivel artístico, es casi obvio que el anime Sailor Moon es otra de mis grandes fuentes de inspiración y del cual proviene mi esquema y uso del color y el ambiente general que procuro dar a mis ilustraciones. No quiero pasar por alto otros animes que encantan y que han sido de gran influencia como lo son Neon Genesis Evangelion y Samurai Champloo.
En cuanto a videojuegos, siempre he sido super fan de las sagas Silent Hill y Metal Gear Solid.
¿Cómo sería un videojuego creado desde cero por Surudenise?
Surudenise: Seguramente, bastante distinto a lo que os podríais esperar. Cuando se trata de videojuegos, lo visual me importa mucho menos que la experiencia jugable. Lo importante es dar con la esencia de un buen gameplay. Creo que es muy importante crear un videojuego que, sobre todo, sea divertido de jugar. La verdad es que tengo muchas ideas sobre cómo sería mi propio videojuego y, en todas ellas, lo importante es la experiencia. Luego tendría que ver qué tipo de estilo artístico y atmósfera encaja con el tema del juego, pero eso vendría después. Creo que un videojuego similar a al tipo de arte e ilustraciones que hago podría ser divertido, pero también, como os he dicho, me gusta cambiar de estilo y ponerme retos. ¡Estoy abierta a experimentar!
Cuando vemos tus ilustraciones, es inevitable sentirse como escuchando una agradable pista de lo-fi hip hop o algún tema más city pop pero aún así relajado y agradable. ¿Te sientes agusto con etiquetas como las propias del estilo y estética vaporwave y sus derivados? ¿De qué forma crees que tu arte encaja con todo esta estética visual y sonora tan fuertemente inspirada por Japón? Si tu estilo fuera una canción de los 90, ¿cuál sería?
Surudenise: Prefiero no etiquetar mi estilo puesto y así evitar limitarme a una sola cosa o a una sola categoría, pero no me importa cuando la gente lo identifica con la estética del vaporwave, city pop o incluso cyberpunk. De alguna forma las etiquetas hacen de puente entre lo que hago y el público. Son como un camino que la gente puede tomar y así descubrir otras cosas cercanas pero distintas.
¡Le tengo muchísimo amor a toda la música de los 90, por lo que me ponéis en un verdadero aprieto si solo tengo que elegir una canción!. El primer álbum físico que tuve fue Homework (1997) de los franceses Daft Punk, así que diré un tema de ese disco: Revolution 909. Esa sería, sin duda, una de las canciones que pondría banda sonora a mis ilustraciones y fotografías.
NIGHT SWIM (colaboración con la artista Stephanie Priscilla)
RAMUNE CAT
Parece como si la fotografía fuera el primer paso de cada una de tus ilustraciones y diseños. ¿Cuántas horas has pasado pateando ciudades por Japón en busca de la mejor foto con la que realizar luego una ilustración? ¿Cómo de importante es la fotografía para ti?¡¿Cómo se te ocurrió la idea de ese collage tuyo muy loco con el Castillo de Osaka?!
La fotografía fue muy importante para mí al principio, ya que era la base de todas mis ilustraciones partían de una simple foto. Aunque por un lado está mi actividad como fotógrafa y por otro mis trabajos como ilustradora, ya no pienso en ello como dos actividades distintas. Me gusta crear obras en las que aparecen mundos que resultan de la combinación de una fotografía con pequeños trocitos de ilustración que se incrustan en esta. He pasado días y noches deambulando por distintas ciudades de Japón. De esta forma he llegado a conocerme Tokio al dedillo y no solo lo hago por buscar la inspiración y por fotografiar sus rincones, lo hago porque me pierde y fascina su atmósfera y porque es la una de las mejores formas que conozco de intentar llegar a entenderla. Si veis que posteo una imagen a las 5AM, podéis estar seguros al cien por cien que la he tomado y subido a esa hora. Caminar por Tokio me hace perder la noción del tiempo y eso es algo que me encanta.
Desde el año pasado he tenido la oportunidad de aprender mucho más sobre fotografía y mi interés en mejorar desde entonces se ha convertido casi en una obsesión.
Tokyo at 5am
Dreamy Vending Machines
Osaka 2084, 5:37 PM
La idea del collage con el Castillo de Osaka la saqué del opening del anime Samurai Champloo, que como ya os he dicho antes es uno de mis animes favoritos y que tiene el mejor opening de todos. ¡Echadle un vistazo y seguro que dais con la parte que me sirvió de inspiración para el collage!
OSAKA CASTLE
¿Cómo fue la experiencia de que grandes compañías y marcas como SEGA o Fanta quisieran contar contigo?
Surudenise: Cuando decidí convertirme en freelance y dedicarme a tiempo completo a mis trabajos, esperaba que solo iba a realizar trabajos muy concretos para empresas o particulares con necesidades muy específicas. Lo que no esperaba era tener la oportunidad de hacer algo en mi verdadero y propio estilo en un anuncio televisivo para marcas tan grandes como Fanta y SEGA. Fue un verdadero desafío pero también una gran experiencia que me hizo ponerme las pilas y de la que aprendí mucho. Después de eso también me ha surgido la oportunidad de hacer concept arts para algunos videojuegos. Me encantan este tipo de trabajos y me considero muy afortunada cuando consigo encargos de este tipo, ¡pero no hay que bajar la guardia, hay que seguir trabajando duro, mejorar e ir a por más!
A veces, observando tus trabajos, uno tiene la sensación como si hubiese un Japón real que hubiera solapado con otro más onírico… ¿Has estado alguna vez en un lugar que sea como tus ilustraciones?
Surudenise: Me hace muy feliz que me digáis eso, ya que es el tipo de emoción que busco y quiero que mis trabajos evoquen. Ahora que lo mencionáis… hay un templo en Tokio, cuya estructura se encuentra rematada por un color rosa y sus entrada decorada con decenas de macetas con plantitas preciosas. De verdad produce una sensación de estar en un sitio que es hermoso a la par que surrealista. Me gusta tanto ese lugar que una de las veces que acudí allí le pedí a un desconocido que me hiciera una foto con este templo detrás. De vez en cuando encuentro lugares así en Japón y cuando me vengo a dar cuenta estoy viviendo una extraña y agradable ensoñación y enamorándome sin darme cuenta del sitio en cuestión.
MIDNIGHTHARMONY
MIDNIGHT
¿Hay algún lugar, país o ciudad al que te gustaría ir y hacer tu magia?
Surudenise: Hace poco estuve por Seúl y me encantó. Sin duda quiero volver y capturar más de la atmósfera que sentí allí. Además de eso, me encantaría visitar Islandia, Nueva York, Hong Kong y Taiwán. A quién no pero me encanta viajar y me gustaría visitar tantos lugares como pueda permitirme
¿Qué tal la experiencia de haber expuesto cosas tuyas en un sitio tan famoso, guay y con vistas tan guapas como la librería Tsutaya del cruce de Shibuya?
Surudenise: ¡Fue increíble! Me pidieron que exhibiera y vendiera si quería mi arte. Surgió de manera espontánea y, por supuesto, no me lo pensé y acepté. El famoso cruce Scramble Kousaten en Shibuya es un lugar que siempre que veía desde pequeña en los animes y algunos videojuegos. Es un sitio muy icónico y pensar que mi arte estuvo allí expuesto fue alucinante para mí. Ojalá hacer más cosas así.
Shibuya Crossing
¿Algún ensoñador proyecto en mente?
¡Mi ensoñadora y creativa mente nunca descansa! Siempre estoy detrás de algo y trabajando en varias cosas a la vez. Quiero seguir creciendo artísticamente y empezar a experimentar con la combinación de disciplinas y estilos. Por ahora me estoy enfocando en proyectos secretos que espero poder compartir con vosotros… ¡muy pronto!
El diseñador e ilustrador Kazu! nace en Valencia en 1997, donde reside y está terminando los estudios de Diseño y Tecnología por la Universidad Politécnica de Valencia. Desde pequeño ha sido un enamorado de Asia y todas sus culturas. Como para muchos, su primer contacto con el continente asiático fue a través del mundo japonés y las series de anime que de pequeño veía en la tele. Una cosa llevó a la otra y rápidamente se interesó por el manga. Empezó por Saint Seiya y así puso rumbo hacia distintos géneros y estilos; desde las macarradas de Air Gear hasta el costumbrismo de Yotsuba. Por aquel entonces, nuestro amigo Kazu! pensaba que no era humanamente posible dibujar tan bien y se quedaba horas alucinando con las viñetas. Sin embargo, hoy en día poco tiene que envidiar a muchos artistas concept y mangakas de renombre. El particular estilo de sus paisajes cyberpunk, los robots mecha, así como sus personajes adorables y cañeros salidos de una distopía futurista, han hecho que se gane los sobrenombres de “La Rosalia de los Otakus” o “El Hijo Bastardo de Tsutomu Nihei”. Bueno, esto de los sobrenombres no es verdad. Ah, también le gustan mucho las motos. Y los gatos. Ambas cosas. Mucho : ).
Comenzamos…!
Koyaku02火薬
¿Cómo empezó todo?
De pequeño me gustaba mucho diseñar casas y objetos mecánicos. Realmente fue el manga de Air Gear de Ito Ogure el que me marcó y muchísimo. Una de mis aficiones era ir a la biblioteca a medio día con un amigo a dibujar cómo sería nuestra casa cuando fuéramos mayores. Pero no me tomé en serio lo de dibujar hasta más adelante, cuando empecé a introducir mis aficiones dentro de mis dibujos: el diseño de robots y vehículos, las culturas orientales o la arquitectura japonesa. Ahí me di cuenta de que necesitaba aprender muchas otras ramas del cómic como lo son la anatomía, el color, la narración… Después entré en la universidad y me empecé a relacionar con otros artistas de los que he aprendido un montón de cosas.
Viñetas del manga Sky
Para ser tan joven has realizado un buen montón de proyectos…
A día de hoy he participado en la preproducción del manga americano Jinnbots, he colaborado en algunos fanzines y me he autoeditado otros muchos. También trabajé para la parte gráfica de un videojuego titulado Murakami. Por otro lado, me encuentro ahora mismo encargado del arte conceptual para el juego de mesa de ORA Critika, y estoy supervisando la futura revista de cómic y cultura cyberpunk GRAFENO, en colaboración con otros artistas españoles. Procuro apuntarme a todos los eventos y ferias que tengan algo relacionado con mi trabajo e intento mantenerme lo más activo y subirme a todos los carros posibles. Creo que conocer a gente con gustos similares a los mios es de las mejores experiencias de la vida y que más me ayudan a desarrollar mi estilo y técnica.
/hell!
Diseño de personajes para el videojuego Murakami
Ok, cyberpunk pero, vemos mucho más. ¿Cómo definirías tú tu propio estilo?
En cuanto a mi estilo, al final es una mezcla muy rara de miles de cosas. Desde pequeño me di cuenta de que me gustaba todo lo que tenía que ver con el manga, Japón o los robots. Aunque mi estilo pueda parecer que tire al shonen por la estética y diseños cyberpunk, creo que no hay nada más alejado que eso. Cuando cuento historias, prefiero mil veces narrar una buena comida en compañía que una pelea en el desierto, o el día a día de dos amigos a un ninja haciendo conjuros. Creo que esto se debe a que nunca me he interesado mucho por los mangas o animes populares. Disfruto tanto ilustrando casas y templos japoneses, como lo hago dibujando mascotas kawaiis o diseñando motos y vehículos. Si tengo que hablar de influencias, en cuanto a estilo cyberpunk y futurista tengo clarísimo que hablaría de todo el increíble universo de Josan González (DeathBurger), de cualquier viñeta de Tsutomu Nihei (Blame!) o del vastísimo arte conceptual de cualquier entrega de Ghost in the Shell, en especial al manga original de Masamune Shirow. Pero en cuanto a narración y estilo gráfico tengo otros referentes: mi trazo bebe mucho de la soltura de Taiyo Matsutomo; el uso de las perspectivas exageradas de Ito Ogure; y las perspectivas y la arquitectura detrás de cada viñeta de Katsuhiro Otomo. En cuanto a narración podría hablar de muchísimos otros pero, básicamente cualquier cosa que disfruto viendo/leyendo intento guardármela y adaptarla a mis dibujos y mis guiones. Pienso que la mitad del proceso creativo consiste en investigar, nutrirse de otros autores y pulir mucho las ideas y los recursos. Luego lo que queda es simplemente dibujar y para eso lo que se necesita no es otra cosa que practicar.
Escenario para el videojuego Murakami
Splash-page del manga Daoko
Ilustraciones Fanart Mechatober
El ilustrador Kazu! posando sonriente
¡Gracias, Kazu! No dudéis en seguirlo a través de su web, Twitter e Instagram.
Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.
Este genial dibujante nos comparte que comenzó a interesarse por el dibujo gracias a la influencia del anime. Sus cuadernos de instituto alternaban entre una página de apuntes por otra de bocetos y garabatos. A base de fundir cuadernos se convirtió en un maestro de la estética y de la técnica del manga y decidió estudiar arte para perfeccionar sus habilidades.
Nuestro artista se dice admirador de la obra literaria de Goethe y de la pictórica de Van Gogh, de quienes opina que existe un nexo común artístico en la manera en la que ambos expresan sus emociones. Por otro lado, es un estudioso de la obra del renacentista Michelangelo Buonarroti y le encantaría colaborar con él si se inventase la máquina del tiempo en algún momento.
Sin embargo, sus ilustraciones están muy lejos de cualquier cosa que todos estos creadores hubieran podido imaginar en su tiempo. Su obra es un recorrido que homenajea a personajes procedentes de animes y mangas muy populares con la particularidad de que sus actitudes y vestimentas han sido traídas a contextos propios de la moda urbana y joven actual. Sus ilustraciones suenan a vaporwave, a nightcore y a trap. Este último género, junto con su hermano mayor el rap, es otra de las influencias principales de GOATHE, quien ha dedicado ilustraciones a artistas como Billie Eilish, Post Malone o Kendrick Lamar. GOATHE resulta en una especie de extrapolación del cada vez más común “diálogo” entre el capitalismo de las grandes marcas y el arte que, por ejemplo, artistas japoneses como Takashi Murakami han puesto en práctica en la últimas dos décadas.
Cuando sea mayor le gustaría ser cómo Eikichi Onizuka, protagonista del mítico Great Teacher Onizuka del autor Tōru Fujisawa. Si GOETHE tuviera que elegir a un solo personaje de anime sería Onizuka el que se alzase sobre todos los demás. En su opinión, este personaje posee un carisma, un sentido del humor y una inteligencia muy especiales, que lo convierte en un protagonista único. Esto le hizo dedicar a Onizuka a una serie completa de ilustraciones a modo de homenaje.
Goethe no es un simple ilustrador, es un tío solitario al que le gusta reflexionar sobre lo que supone ser creador y artista en la sociedad actual. Conoce las dificultades de este tipo de vida y quiere tener un mensaje con los artistas que están empezando y pasando por momentos de crisis. “Comprende la diferencia entre pasión y pasatiempo. La pasión no consiste en descubrir lo que te gusta, sino que está en aquello por lo que serías capaz de sufrir por continuar haciéndolo”.
Aunque aún no ha realizado ninguna exposición formal ni ha colaborado de facto con ninguna marca, esto es solo cuestión de tiempo. Las redes de GOATHE echan fuego y acumulan a miles de seguidores, entre los que incluso se encuentra el ya mencionado y reconocido artista Takashi Murakami.
¿Quién demonios es Masanori Ushiki y qué me has echado en la bebida? Tranquilo, es cierto que tu Calpis Soda ha sido adulterado, pero el arte de Ushiki ya viene así de fábrica. En concreto de una «fábrica» que en realidad es un estudio en el barrio de Meguro en Tokyo. Masanori, nacido en 1981 oriundo de Niigata, abandonó la costa occidental de Japón para dedicarse por completo a su arte en la capital. En Tokyo terminaría sus estudios de Diseño e Ilustración en la Universidad de Arte de Musashino por allá por 2014 y, tras pasar por muchos trabajos, terminaría por convertirse en un artista cuyas obras han sido expuestas en numerosas galerías dentro y fuera del país. Ushiki ha realizado encargos para importantes empresas como la televisión NHK, Toyota, Converse, Vogue, Red Bull o Medicom Toy, esta última encargada de producir las figuras del famoso artista KAWS.
Ushiki ha realizado encargos para marcas muy famosas como Converse.
『Kappa』(2017)
Masanori con su arte pervierte, de una forma muy divertida y disfrutable, todos esos productos culturales procedentes del mainstream y que están muy presentes en los medios y en el subconsciente de las últimas generaciones de jóvenes japoneses. Superhéroes del cómic y del anime, mascotas de marcas populares, todo eso que nos ha influido cuando éramos unos mocosos y a lo que guardamos, muchas veces injustificada e incomprensiblemente, un rinconcito en nuestros kokoros. En definitiva, el arte de Ushiki es un ejercicio nostálgico que repasa y reinventa todo este espectro de residuos culturales que se alojan en nuestras cabezas. Es también la frustración de un espectador que se ve a si mismo bombardeado por referencias cuya interrelación es inesperada o absurda, en lo que representa a su vez el tipo de humor tan particular del que este artista hace gala.
Como estaba diciendo, Ushiki ha pasado por muchos trabajos y es precisamente esta constancia del esfuerzo y el trabajo la que le ha llevado a convertirse en el artista e ilustrador que es hoy día. Este artista japonés, dentro de su proyecto VISITORS ha realizado y publicado, desde agosto de 2016, una ilustración nueva y distinta en un Instagram abierto con este objetivo. No solo es cuestión de mantener activa una cuenta y así crear un flujo de actividad y presencia en las redes que permita que su trabajo sea descubierto por el mayor número de personas posibles. En el caso de Ushiki existe una necesidad del entrenamiento diario pero también de volcar en redes y comunicar a su público la gran cantidad de influencias de las que beben sus ilustraciones. Este proyecto diario de Ushiki, al cual os dejamos un enlace al final del texto, está constituido por retratos de personajes surrealistas que se inspiran en el manga, la ciencia ficción, la cultura popular o tradicional japonesa, así como en la obra y en los estilos de otros artistas a los que admira. Ushiki dice que para este proyecto basta con dedicar máximo una hora de trabajo a cada una de estas ilustraciones, ya que elaborarlas en exceso les haría perder su encanto.
Estéticamente Masanori Ushiki no tiene pérdida. Con un estilo en consonancia con el manga, pero más ágil y desenfadado, últimamente podréis encontrarlo allá donde veais tinta negra sobre blanco. También practica y mucho el mundo del color con una paleta pop-psicodélica muy cercana a la de otros artistas japoneses como, por ejemplo, el mítico Keiichi Tanaami, Maya Nukumizu o Hideyuki Katsumata, por mencionar solo a algunos de sus paisanos. Hay que mencionar que Ushiki es un artista multidisciplinar que, aunque últimamente concentra sus esfuerzos en el diseño gráfico y la ilustración digital, también trabaja técnicas como el grabado y la escultura en madera.
『young people2』(2017)
Al que le pueda interesar, Ushiki ha publicado recientemente un libro titulado VISITORS, que recoge todo este trabajo diario que hace en Instagram y que es la base de una exposición individual que bajo el mismo nombre ha sido celebrada en Tokyo. Actualmente, podéis disfrutar hasta el 2 de septiembre de esta exposición en Londres, en la Pocko Gallery, en lo que supone el debut del artista en Europa. Podéis encontrar más información en el sitio web de la galería.
Mucho ha pasado desde que Hokusai realizará su famosa serie de xilografías conocida como las Cien vistas del monte Fuji (1834-1849), pero su impronta continúa presente y ha sido heredada incluso por los artistas más inesperados. Yoshinori Tanaka, también conocido como EXCALIBUR, es un polifacético artista japonés que practica desde la escultura, al video arte, pasando por la performance y el diseño gráfico. Un día de 1978 nacería en en Kyoto y su descubrimiento del mundo de los videojuegos lo empujaría a crear y a enamorarse perdidamente del arte digital.
Yoshinori Tanaka oculta su rostro bajo una máscara hecha de teclas de ordenador
Tanaka no es humano, no es como nosotros. Tanaka desmonta teclados de ordenador y los transforma en arte. Tanaka es también digital y puro pixel. Su arte pixelado, denominado en japonés como ドット絵 dotto-e, está inspirado por momentos de su día a día y por recuerdos que por algún motivo u otro han quedado impregnados en su memoria. Le gusta investigar la mitología japonesa e incluirla en sus obras filtrada a través de su particular lenguaje visual. Es estas también debate sobre los límites de los distintos campos de la cultura y cómo estos se entrelazan y se mezclan. Por ejemplo, las referencias a la cultura clubbing se funden con las que hace a la cultura otaku y todo ello producen un universo particular donde rosas y verdes, azules y rojos dibujan un paisaje que nos transporta, inmediatamente y de una manera peculiar, a un extraño mundo de videojuego de gusto añejo y con referencias al arte tradicional. Yoshinori Tanaka da el nombre de Street Ethernet Field a este concepto propio del juego de superposiciones y solapamientos que usa para inspirarse y aplica a sus obras.
“Los píxeles representan la cantidad de información más pequeña y son para nosotros la puerta de entrada y salida perfecta para saber lo que nos depara el futuro. Los pixeles son digitales pero nuestro cerebro no es consciente de ello. Tenemos que aprovechar ese juego con nuestra mente para poder conocer qué es realmente el mundo virtual y poder entrar por su puerta. Mi llave es el arte. El arte es mi espada”.
Ondenbashi Shibuyagawa (2018)
Nihonbashi yukihare (2017
Oji shozoku enoki Omisoka no kitsunebi (2017)
Azumabashi Sumidagawa Mukojimasen (2017)
Ueno Shinobazu no ike (2017)
Manseibashi Onarikaido kadokyo (2016)
Setagaya ijigen yashiki (2019)
Antes mencionaba que Yoshinori Tanaka también es conocido como EXCALIBUR pero me estaba quedando corto. EXCALIBUR también hace referencia al nombre del proyecto colectivo que Tanaka ha fundado para reunir a más artistas que participen de este mundo del arte pixel intelectual desde aportaciones y acercamientos tan distintos como la música o la escultura. Juntos disfrutan creando un mundo pixel, donde cada artista pone su parte e influye y es influido por los demás.
Tanaka, quien no solo se limita el pixel art, ha ganado premios como el Kyoto International Film and Art Festival 2017, Recycle Art Exhibition 2017 o el Machi-naka Art Design Contest Koenji en 2016. Ha obtenido segundos lugares en el Shibuya Pixel Art Festival de 2018, así como el 12th TAGBOAT AWARD 2017. Durante 2017 recibió la importante beca de la Fundación Fukutake. Ha participado en más de veinte exhibiciones, algunas de ellas fuera de Japón como es el caso de la propia en el Urban Art Fair celebrado en París durante 2018 o la expo Tokyo Neo Pop en la DD Gallery de la misma ciudad este 2019.
Una cosa más antes de invitaros a seguir continuando del arte de Yoshinori Tanaka. Os recomendamos que le echéis un ojo al recién lanzado libro Pixel Vistas: A collection of Contemporary Pixel Art, cuyo título original es ピクセル百景 現代ピクセルアートの世界 Pikuseru hyakkei: gendai pikuseruāto no sekai o que traducido al castellano quedaría como Cien vistas pixel, en lo que supone una referencia directa al maestro clásico del ukiyo-e Katsushika Hokusai. En este delicioso y colorido libro, nuestro artista aparece recogido, junto con muchos otros, como uno de los más influyentes dentro de este género del arte pixel. Podéis comprarlo aquí, a través de Amazon Japan. Solo se encuentra disponible en japonés.
Napoyan es una ilustradora y diseñadora gráfica japonesa con gusto por lo cantoso. Cree en el poder de los colores intensos e incluso se excita cuando ve colores potentes. Sus trabajos consisten en introducir colores primarios y combinarlos hasta el infinito. Con su ordenador siluetea fotografías para crear manchas de color uniforme y así crear retratos originales dignos de una noche de tabaco, alcohol y marihuana sintética en Harajuku. Sus expresivos amigos son sus inspiración y siempre busca capturar sus expresiones, revelar sus personalidades y plasmarlos en diseños poperos y psicodélicos.
Recoge y retrata la amistad de los jóvenes de Tokyo y los combina con imaginario budista, actrices porno o skaters para crear una mezcla joven, explosiva y como diría Yasunari Kawabata, muy nansensu. Siente amor por el diseño gráfico y siempre está investigando sobre artistas nuevos. Últimamente se divierte creando extrañas esculturas con temática sexual, que en sus palabras le ayudan a reflexionar sobre su propia sexualidad y la concepción actual de género en Japón. Uno de sus mayores placeres es arrojarse a las calles de Tokyo para buscar pegatinas con buenos diseños y fotografiarlas. “Las calles de las ciudades grandes en Japón son un verdadero museo donde buscar inspiración» nos dice Napoyan.
Nuestra artista está muy influida por el mundo de la moda joven de Japón y por todo este ambiente alternativo tan único de barrios como Amemura en Osaka o Harajuku en Tokyo. En la búsqueda de espacios alternativos, últimamente ha realizado una exhibición de su arte en el centro de estética ASAGAYA 3349, cuyo Instagram es un verdadero manual de esta estética y tendencias de los jóvenes japoneses.
¡Gracias a napoyan por enseñarnos su arte! Os dejamos una pequeña muestra de sus geniales diseños:
Ambas culturas ensalzan a la naturaleza como motor esencial y procurador de todo lo demás. La mezcla de ambas tradiciones con elementos representativos y universales de la naturaleza a la que además se le añade un toque más contemporáneo y de modernidad gracias a la inclusión de elementos procedentes de la estética que rodea a géneros musicales electrónicos como el lo-fi o el ambient. Sus ilustraciones son una mezcla dulce y ácida a su vez, pero siempre rítmica. Un genial equilibrio que otorga a los trabajos de Amanda un aspecto fresco y muy reconfortante, que hace que uno pensar que lo que está viendo posee una lógica preestablecida y no urdida y manipulada por una artista que bebe de aquí y de allá. Sus trabajos, más allá de imprimir sus impresiones e influencias sobre las culturas ya mencionadas, también son una forma de hablar sobre su propia vida y reflexionar sobre temáticas como la soledad o el crecimiento personal como mujer.
![Surudenise. Ilustraciones & C H I L L en un Japón onírico [Entrevista]](https://acchikei.files.wordpress.com/2020/03/instasurudenise2.png?w=825&h=510&crop=1)
acchiKei 