Esculpiendo porno en madera. Entrevistamos al artista okinawense Taisei Otsuka

El pasado octubre de este año tuvimos la oportunidad de conocer y entrevistar a Taisei Otsuka en la galería Souvenir de la ciudad de Barcelona en una exposición paralela al marco de la feria de arte contemporáneo SWAB Barcelona 2018. Taisei nos llamó la atención por ser un escultor okinawense que esculpe en madera momentos y objetos de su vida cotidiana en la ciudad de Naha. Transmuta en madera desde revistas porno, hasta miembros de su familia, pasando por todo tipo de objetos y elementos que le inspiran en su día a día como artista en el archipiélago okinawense. Nuestro artista también expuso en el SWAB en un stand colectivo con sus compañeros Daichi Sato, Paula Fujiwara, Masaya Hiraoka y Cliff Miyagi de los estudios Arcade y One’s Room de Okinawa.

Os dejamos con una interesante entrevista donde este artista formado en la Universidad de Arte Prefectural de Okinawa y que ha llegado a exponer en el Museo Metropolitano de Arte de Tokyo, nos habla de su obra y reflexiona sobre el concepto de la desnudez en Japón.

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¿Qué hace que un artista okinawense quiera mostrar su arte más allá de Japón?

TAISEI: Todavía no puedo decir que como artista me sienta satisfecho pero, tras haber visitado España y otros lugares en Europa estos últimos meses, he regresado a Okinawa con fuerzas renovadas y con ganas de ponerme manos a la obra con nuevas creaciones para poder darme a conocer un poco más.

Aunque esto está cambiando, antes sólo podía hablarse de que el arte importante y que era líder en el mundo se hacía en Europa y Estados Unidos. Siempre andaba dándole vueltas a la cabeza y preguntándome por qué esto era así pero, últimamente he dejado de hacerlo. De repente me interesa y me preocupa más lo que tienen que decir Okinawa y Japón. Realmente quiero descubrir dónde reside el verdadero interés y la personalidad del arte que se hace aquí, en mi tierra natal.

Si “rebobinamos” o invertimos el proceso de fabricación de un trozo de papel, o en tu caso una revista porno o un comic manga, obtenemos un trozo de madera de lo que originalmente podría haber sido un roble o un arce. Esto lo despojaría de su contenido gráfico e intelectual. Sin embargo tú empleas la pintura como si quisieras recuperarlo mientras se mantiene la pureza de la madera original.

¿Cómo surge la idea para tus piezas PORNO (PINK) y PORNO (BLUE)?

TAISEI: Estas dos obras que mencionáis, PORNO (PINK) y PORNO (BLUE), están basadas en toda esa cultura de las revistas porno que existe y, a pesar de internet, perdura en Japón. El porno puede ser algo muy banal pero también de alguna forma es un producto cultural que n nos habla de temas como el género, la sexualidad o el deseo y la lujuria. Lo que he sentido haciendo PORNO (PINK) y PORNO (BLUE) es que estaba evidenciando y transformando en algo muy tangible y evidente asuntos como la sexualidad de los japoneses de hoy en día. Este ha sido mi objetivo e intención principal con ambas obras: materializar algo muy habitual de nuestra sociedad pero que esta se empeña en apartar de lo cotidiano, como se hace con muchos tabúes.

Tiene mucho sentido y es muy interesante la reflexión y analogía que hacéis, ya que al fin y al cabo el papel procede de los árboles y yo esculpo revistas cuyas páginas están talladas directamente en madera, material cuyo origen es el mismo. Siempre me ha gustado emplear la madera en mis esculturas, ya sea para tallar figuras humanas o para hacer estas revistas. Me encanta tallar en madera en parte por la afinidad que siento que tengo hacia las esculturas tribales y folclóricas.

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PORNO PINK, 2018. Las esculturas de madera de Taisei Otsuka se confunden a la vista con los objetos reales a los que estas representan.
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PORNO BLUE, 2018

Sin embargo, realizas esculturas en madera de mucha variedad de objetos. ¿Qué tipo de objetos pueden transformarse en madera dentro del universo Taisei y cuáles no? ¿Estos objetos son simplemente objetos o más bien los sentimientos y las emociones que despiertan en nosotros al verlos convertidos en madera?

TAISEI: Hay muchas cosas que me hacen decantarme por unos temas u otros para elegir el motivo principal de mis esculturas. Una de ellas es el estudio de lo efímero. Lo efímero puede ser pura y literalmente basura que se corrompe, y otras veces lo efímero es un momento irrepetible de la vida. Me siento inevitablemente atraído por este tipo de cosas y creo que tienen cierto valor que las hace importantes. En mi caso, intento transmitir esta sensibilidad e interés por lo efímero utilizando la escultura como medio.

Uno de tus proyectos buscaba retratar a familias reales desnudas y transformarlas en esculturas de madera. No hemos podido evitar acordarnos del recientemente fallecido fotógrafo chino Ren Han, quien también procuró romper esta frontera del pudor y la vergüenza familiar pidiéndole a su madre que posara desnuda para él.

La familia es un grupo de personas que pertenecen a generaciones muy distintas y que posee lazos muy fuertes entre sus integrantes. ¿Cómo se les consigue animar a dejar de lado durante un rato estos tabúes sociosexuales?

TAISEI: Eso siempre va a depender de la naturaleza de la persona. Está claro que cada persona es un mundo y no queda otra que aceptarlo. Por ejemplo, nosotros somos capaces de detenernos ante una obra de arte y formularnos preguntas sobre su realización o el significado de su mensaje. Tenemos ese aspecto en común y podemos comunicarnos en base a eso. Esta empatía que basa en la comunicación y la opinión libre de cada uno es la clave para conseguir la confianza mutua necesaria para realizar este tipo de trabajos.

En Japón podemos encontrar festivales como el Hadaka Matsuri (Festival Desnudo), donde los hombres participan tan solo vistiendo un pequeño taparrabos llamado fundoshi. Los luchadores de sumo ocultan sus genitales con un cinto denominado mawashi, pero pelean prácticamente desnudos. Además, existen festivales que celebran los genitales masculinos donde se pasean representaciones de figuras fálicas por las calles, como es el caso del Kanamara Matsuri.

Como artista japonés, ¿crees que esta concepción de la desnudez en Japón es una ventaja?¿Son los okinawenses más abiertos de miras que el resto de Japón?

TAISEI: Una vez más una pregunta muy interesante. El sumo y muchos otros matsuris japoneses parece que, a pesar de su carácter tradicional, presentan una mentalidad más abierta que la de la sociedad y el país en el que se enmarcan. Aunque me temo mucho que en el fondo simplemente se trata de formalismos que se han mantenido y no una forma de reivindicar el cuerpo humano. En el Japón de ahora, festivales como el Fundoshi/Hadaka Matsuri o el Kanamara Matsuri no son representativos de la desnudez, más bien algo extraordinario, una oportunidad de divertirse rompiendo con lo cotidiano. Es más una libertad como la de un baile de máscaras venecianas, un tiempo pactado durante el que puedes permitirte hacer ciertas cosas que el resto de días la sociedad no aceptaría.

Al fin y al cabo, y en mi opinión, el mawashi de los luchadores de sumo no representa más que su uniforme de trabajo y tampoco es mucho más nudista que un bañador de natación.

Tampoco creo que nuestros antepasados japoneses del periodo Edo, momento en el que surgieron estos matsuris, tampoco creo que fueran más abiertos de mente que nosotros. Por ejemplo, el extensísimo mundo porno de la estampa erótica clásica japonesa o shunga, cumplia la función de evitar las relaciones extramaritales, permitiendo que sus consumidores pudieran desahogarse. Se dice que incluso las esposas de la época las compraban para sus maridos, aunque puede ser que las compraran para ellas mismas también. En cualquier caso creo que este también es un poco el cometido del manga japonés actual y que sin duda supera a la propia sociedad japonesa y al resto del mundo en cuanto a apertura a temáticas sexuales de todo tipo y naturaleza.

Es difícil en estos temas encontrar diferencias verdaderamente sustanciales entre los habitantes de las islas de Okinawa y los de Honshu o el resto de Japón. Japón contiene en su interior una gran multitud de realidades muy distintas entre sí: por un lado grandes ciudades y por el otro zonas rurales donde todos los cambios se producen muy despacio. Tokyo mismo es como un crisol de culturas y con Okinawa pasa igual.

Si resulta que Japón es de color azul, Okinawa sería un tono azul diferente pero sin llegar a ser verde ni morado. Pero en realidad no sé si la gente en Okinawa es más abierta, aunque en mi opinión sí que creo que abunda la amabilidad y la cercanía más que en otras zonas de Japón y esto es algo que a mí mismo me sorprende.

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Suzuki Harunobu, 1770

La última semana de septiembre habéis viajado hasta Barcelona para exponer algunas piezas en la galería Souvenir en el barrio de Gràcia y también en la feria de arte contemporáneo SWAB en Montjüic. ¿Cómo ha sido la experiencia de exponer aquí?

¿ Puedes contarnos algo de algún proyecto actual o futuro?

TAISEI: ¡Me sorprendió y alegró mucho el calor e interés que el público español tuvo en mis piezas y mi técnica!

Puede decirse que el haber viajado fuera este tiempo ha hecho que me replantease muchos aspectos de mi vida en Okinawa. Como decía al principio ahora quiero centrarme y esforzarme más en desarrollar mi propia obra. Últimamente trabajo mucho los retratos. Soy profesor de pintura para niños de instituto y mis estudiantes están ahora realizando retratos muy interesantes e inspiradores. Me gustaría continuar por este camino para desarrollar también un nuevo proyecto. Aún no tengo ni idea de que se tratará o de cómo voy a hacerlo, pero solo el hecho de pensar en ello me llena y me motiva mucho.

Podéis conocer más sobre TAISEI en su Instagram y su sitio web.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

 

Las diseños de la japonesa Napoyan irradian pop, juventud y locura

Napoyan es una ilustradora y diseñadora gráfica japonesa con gusto por lo cantoso. Cree en el poder de los colores intensos e incluso se excita cuando ve colores potentes. Sus trabajos consisten en introducir colores primarios y combinarlos hasta el infinito. Con su ordenador siluetea fotografías para crear manchas de color uniforme y así crear retratos originales dignos de una noche de tabaco, alcohol y marihuana sintética en Harajuku. Sus expresivos amigos son sus inspiración y siempre busca capturar sus expresiones, revelar sus personalidades y plasmarlos en diseños poperos y psicodélicos.

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Recoge y retrata la amistad de los jóvenes de Tokyo y los combina con imaginario budista, actrices porno o skaters para crear una mezcla joven, explosiva y como diría Yasunari Kawabata, muy nansensu. Siente amor por el diseño gráfico y siempre está investigando sobre artistas nuevos. Últimamente se divierte creando extrañas esculturas con temática sexual, que en sus palabras le ayudan a reflexionar sobre su propia sexualidad y la concepción actual de género en Japón. Uno de sus mayores placeres es arrojarse a las calles de Tokyo para buscar pegatinas con buenos diseños y fotografiarlas. “Las calles de las ciudades grandes en Japón son un verdadero museo donde buscar inspiración” nos dice Napoyan.

Nuestra artista está muy influida por el mundo de la moda joven de Japón y por todo este ambiente alternativo tan único de barrios como Amemura en Osaka o Harajuku en Tokyo. En la búsqueda de espacios alternativos, últimamente ha realizado una exhibición de su arte en el centro de estética ASAGAYA 3349, cuyo Instagram es un verdadero manual de esta estética y tendencias de los jóvenes japoneses.

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¡Gracias a napoyan por enseñarnos su arte! Os dejamos una pequeña muestra de sus geniales diseños:

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Instagram de napoyan
Twitter de napoyan

Antinuke 281: un artista que desafía a la muerte en su lucha contra las políticas nucleares de Japón

Las comparaciones son odiosas y la sombra de Banksy es alargada y densa pero, bajo esta ella continúan surgiendo artistas que toman las calles, que las hacen hablar y que desde el anonimato desafían al poder. El artista de Bristol, que ha influenciado a miles de artistas posteriores a su generación, es irremediablemente padre de esta escuela y sus aspectos formales resultan muy accesibles y trasladables en lo formal para todos estos anónimos del graffiti, el stencil o el sticker que trabajan la calle como lienzo y espacio expositivo.

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Antinuke 281, como siempre ocultando su rostro, posa delante de una de sus obras

Las sanciones al arte callejero en Japón son especialmente graves y su severo castigo no son cosa desconocida. Hace poco tiempo conocimos la noticia de como dos estadounidenses habían sido detenidos por las autoridades por atreverse a pintar el vagón-museo del modelo de tren Tokyu 5000 que descansa al aire libre en pleno de cruce de Shibuya y que antiguamente recorría diariamente la línea entre esta zona y Sakuragicho. El pasado mes de febrero, un chico birmano fue detenido por escribir “Feliz cumpleaños” en el Parque Nacional Towada-Hachimantai en la prefectura de Aomori, lo que alentó a las autoridades a realizar panfletos en varios idiomas advirtiendo de las graves sanciones que suponen estos actos. A finales de abril encontramos otro caso: un joven danés llamado Frederik Emil Palmberg, de 21 años, que quiso “simplemente dejar constancia de su visita a Japón” en el metro de Tokyo y fue arrestado por la policía que le detuvo en el aeropuerto justo antes de tomar su vuelo de regreso a Dinamarca.

Tan solo en 2018 ha habido un importante número de noticias protagonizadas por extranjeros que han sido sorprendidos en Japón realizando grafitis y otras manifestaciones de arte urbano en espacios públicos. El gobierno japonés y sus medios de comunicación aliados tienen esta tendencia a hacer hincapié en el hecho de que estos atentados urbanísticos son “casi siempre” perpetrados con “alarmante frecuencia” por extranjeros. Sin embargo encontramos también casos en los que propiamente japoneses realizan los actos más graves. Quizás el caso más llamativo, e insultante, es el del japonés que grabó la palabra estúpido, imbécil (lit. baka ばか) en el monumento erguido en honor a las víctimas del Gran terremoto de Hanshin-Awaji en el que perdieron la vida más de seis mil personas el 17 de enero de 1995 en la ciudad de Kobe.

La psicosis japonesa del extranjero como personaje causante de disturbios se alimenta, en principio, de hechos y casos reales, que si bien no son extremadamente cotidianos, son cada vez más habituales y lo más grave: son siempre noticia. La consideración hacia lo público y el patrimonio compartido conlleva en Japón, más que en cualquier otro país del mundo, una idea de respeto y conservación que en cierta forma es orgullo nacional y medalla de su civismo. De ahí se desprende un poco la dureza de las sanciones y el impacto y repercusión mediática de estos actos.

No podemos quedarnos solo en lo restrictivo, ni tampoco todo es blasfemia y maldiciones sobre el arte urbano en Japón, eso sí, fue necesario esperar hasta 2005 para que se celebrase la primera feria de arte urbano a nivel nacional bajo el nombre The X-Color/Graffiti in Japan Exhibition en la impresionante Art Tower de Mito, Ibaraki. Esta feria explicaría los orígenes del graffiti y sentaría las bases que darían consistencia a la práctica de las distintas disciplinas del arte urbano en Japón. También sería vital la existencia y mayor visibilidad que desde este momento obtendrían artistas como el dúo HITOTZUKI formado por KAMI y SASU, así como del aún más internacional grafitero conocido como Suiko, quienes influenciaron e inspiraron a muchos artistas japoneses a desafiar los límites entre lo legal y lo artístico.

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HITOTZUKI (KAMI+SUSU)
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Suiko

En cualquier caso, la controversia sobre el arte urbano en Japón sigue vigente e incluso estos artistas que acabamos de mencionar también han sido detenidos en varias ocasiones y han tenido que lidiar con las consecuencias de este tipo de expresión artística. Sin embargo, hay algo que hace poderoso al arte urbano, por mucha ilegalidad que suponga y por mucho jabón y disolventes a presión que se lance contra este. Esto es, el potencial de su mensaje. Los japoneses, como cualquier otra sociedad, son sensibles a estos mensajes y la explicitación de estos en las calles es a menudo vista como una oportunidad para poner voz a lo que la represión social no permite o los ciudadanos no se atreven.

Tan solo hace unos días, un tuit de la Oficina Nacional de Inmigración de Japón causó cierta revuelo al criticar las cada vez más frecuentes apariciones de pintadas con mensaje del tipo Free Refugees o Refugees Welcome, reduciendo la polémica a que se trataba de actos vandálicos en propiedades públicas dejando de lado lo importante del asunto. Muchos japoneses, 1300 comentarios y casi 6000 retuits lo avalan, lo tildaron de infantil, hipócrita y de querer desviar la atención sobre las malas condiciones y tratos que los refugiados reciben en las instalaciones que se han destinado para su alojamiento y atención. Es un pensamiento bastante generalizado y lo que les ofende es la realidad de estas prácticas y no un par de pintadas mal puestas. Esto lo sabe bien Antinuke 281, un artista japonés que tiene al gobierno y a la policía con la mosca detrás de la oreja desde hace unos años, pero que se ha ganado el apoyo de un miles de japoneses, consagrándose como uno de los artistas más polémicos y controvertidos del país.

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Antinuke 281, es un pseudónimo que poco o nada esconde las intenciones de su obra. Como si de un superhéroe anónimo que se hubiera autonombrado con su nick de internet se tratase, se arroja a las calles de Tokyo para lanzar su claro mensaje de oposición al uso de energía nuclear en Japón. Su mayor enemigo y villano es la Tokyo Electric Power Company, cuyas siglas son TEPCO, la compañía eléctrica nacional del país y responsable de la central Fukushima Daiichi, donde un 11 de marzo de 2011 colapsaron tres reactores nucleares a causa del terremoto y tsunami que azotaron la costa oriental de Japón.

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El logo de TEPCO como culpable de una metafórica tercera bomba atómica en Fukushima

Lógicamente existen antecedentes de lo que ya se conoce como arte nuclear en Japón. El legado de los traumas de Hiroshima y Nagasaki ha atravesado muchas artes en el país y fuera de este, pero el caso de Japón es único. Como decía antes, Fukushima es el tercero en discordia y ha terminado de asentar una temática grave y delicada en la psique artística japonesa. Kenji Kubota, uno de los curadores más importantes del país y más preocupado por la sociedad japonesa propuso en 2015 a doce artistas japoneses y extranjeros a arriesgarse y viajar hasta las zonas de exclusión en Fukushima, bajo el marco del proyecto Don’t follow the wind. La suma de los trabajos elaborados por aquellos artistas que viajaron a Fukushima ese entonces son retrato del desastre, pero también de la esperanza y el enfrentamiento al corrupto gobierno que censuró y maquilló muchos detalles importantes de lo que allí había ocurrido años antes.

Más allá de la técnica del stencil y otros aspectos formales, no es justo denominar a Antinuke 281 como el Banksy japonés. Si bien la sátira y crítica política está presente en ambos, Antinuke 281 recoge todo un bagaje del arte nuclear que se ha gestado en Japón desde la posguerra y que representa una cicatriz muy personal en la que Banksy no tiene nada que ver. El poder generador de estas armas nucleares no solo produjo muertes, mutaciones y cicatrices queloides en la población, también inspiración y una necesidad lógica de curar un trauma. Surgieron manifestaciones artísticas como la danza ankoku butō, que nace de la mano de Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno, pocos años después de las explosiones e inspirada en la imagen tétrica y deprimente de los transeúntes moribundos que deambulaban agonizantes por Hiroshima y Nagasaki. El dolor y su mensaje es universal, pero la empatía es aún mayor dentro de lo autóctono y los límites de las costas de japón.

Como Banksy es un artista que no da la cara, pero a diferencia de este es un personaje que no se esconde. Sus diseños son a veces elegantes e inteligentes, y otras veces agresivos y violentos, pero siempre están realizando desde una sensibilidad particular que apela directamente a las emociones de aquel los observa. La obra que comenzó a estar en boca de todos y que fue la precursora de su fama es I hate rain, una niña que encarna la inocencia y la indefensión enfundada en un chubasquero bajo la lluvia ácida-química de Tokyo. La obra es controvertida y la emoción que se siente al contemplarla es verdad que recuerda y rima bien con la obra de Banksy Niña con globo. Sin embargo su éxito no solo se vale del contenido crítico sino también al formato pegatina y al hecho de que Antinuke 281 ha producido miles de versiones y distintos diseños de esta para empapelar la ciudad de Tokyo. No se puede huir de ella. Es un sentimiento de culpa que te persigue por la ciudad y también una figura que nos preocupa y que queremos rescatar y proteger… y de paso ver con qué nuevo diseño de su chubasquero le ha vestido su creador. Existen alrededor de nada más y nada menos que 160 versiones de la obra.

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Las obras de Antinuke 281 son a menudo saboteadas por seguidores de la ultraderecha japonesa. Fotografías por © guillaumelahure.com

Y vosotros, ¿os la habéis encontrado por las calles de Tokyo? Daos prisa porque la policía japonesa y los servicios de limpieza del país tienen órdenes de retirar sus pegatinas y obras de las calles. La repercusión del artista es evidente y ha aparecido en medios de comunicación y prensa como Financial Times, The Economist, The Guardian o incluso un pequeño documental producido por Vice Japan. También la versión japonesa de la revista Rolling Stones realizó una entrevista este paladín anti nuclear que es Antinuke 281, consagrándose definitivamente en el país como un artista relevante.

Su cada vez mayor exposición le ha costado que grupos nacionalistas de la ultraderecha japonesa, conocidos como netto uyoku ネット右翼, hayan tumbado en más de una ocasión su página web. También, desde estos mismos círculos, se ha difamado sobre su arte, acusándolo de estar realizado por coreanos anti japón, o incluso se le ha llegado a amenazar de muerte si se atrevía a aparecer en público durante una exposición de sus obras en Tokyo.

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Fotografía por © guillaumelahure.com

Pero 281, bajo sus oscuras gafas de sol y su mascarilla blanca, no cederá en la lucha. En sus propias palabras “quiere un Japón seguro para sus hijos y por este motivo nunca podrá dejar de hacer lo que hace hasta que se muera”. Inspirado por grandes artistas japoneses como Okamoto Taro o el colectivo ChimPom, el artivismo de 281 se constituye cada día más como una poderosa arma de protesta, quizás la relacionada con el arte que mayor impacto ha conseguido en Japón hasta la fecha. No hay vuelta atrás, el mensaje de Antinuke es poderoso, a pesar de que las cloacas del gobierno busquen cada vez más silenciar los movimientos antinucleares en el país. Nuestro artista se basa en hechos: las encuestas dicen que la mayoría de los japoneses no apoyan la explotación de los recursos nucleares. Además opina y advierte que los próximos Juegos Olímpicos de Tokyo 2020 están financiados por empresas que de alguna forma u otra participan de la industria nuclear. Antinuke 281 es un auto afirmado mártir que pone voz a la calle y al pueblo, y que encarna movimientos de desnuclearización y desmilitarización con millones de simpatizantes en todo el mundo. No es un antihéroe en contra de todo gobierno establecido, es un ciudadano indignado que llegaría hasta donde hiciese falta por la paz social y el planeta en el que vivimos. 281 se dice orgulloso de ser japonés y no comparte ideas anarquistas ni desprestigia la forma de gobierno establecida, pero quiere los ciudadanos abran los ojos y despierten. El objetivo es, que algún día, desde las esferas que nos dominan, se entienda que debemos todo al planeta donde vivimos y que este nos ofrece formas de explotación energética mucho más sostenibles que la nuclear.

Todas estas ideas, así como una recopilación de sus trabajos, están plasmadas en sus dos libros: Para todos aquellos jóvenes que habéis nacido en un agonizante país llamado Japónニホンという滅び行く国に生まれた若い君たちへ (2017) y ¿Sigue dormida la rebelión en la ciudad del engaño y la radioactividad? 放射能が降る都市で叛逆もせず眠り続けるのか(2017). Ambos pueden ser encontrados en Amazon por su nombre en japonés.

Sitio web de Antinuke 281

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Pies descalzos: Testimonio del horror de la bomba atómica en Hiroshima a través del manga

Cuando una catástrofe asola un lugar del mundo tendemos casi siempre a pensar primero en las personas que han fallecido al instante o a los pocos días. Es normal, es un pensamiento que entra en nuestra cabeza como un río desbordado y durante un momento nos inunda el cerebro. Luego, tal vez nos paremos a reflexionar sobre aquellos que han sobrevivido a la catástrofe: «¿Qué será de ellos? Bueno, al menos están vivos, eso ya es algo, ¿o no?».

Alguien que sobrevivió a uno de los peores episodios de nuestra historia fue un niño de Hiroshima de tan solo seis años que perdió a toda su familia, a excepción de su madre y de una hermana pequeña, cuando su propia casa se les vino encima aquella mañana del 6 de agosto de 1945. Hablo del mangaka Keiji Nakazawa, que años después reflejó su experiencia en varias obras. Pero sin duda, la que más fronteras ha traspasado, la que podemos encontrar en el Museo Conmemorativo de la Paz de Hiroshima es Hadashi no Genconocido en España como Pies descalzos.

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Keiji Nakazawa, autor de «Pies descalzos».

Nakazawa usa su experiencia personal para hacernos llegar la historia de los que tuvieron suerte, de los supervivientes a la bomba atómica que lanzaron sobre Hiroshima y de cómo algunos lograron salir adelante a pesar de que tenían todas las de perder. Este manga es una lección de historia más valiosa que cualquiera que se pueda aprender en clase. La historia de Gen Nakaoka abre interrogantes que te llevan a buscar más información. Estas son algunas de las cosas que podemos aprender leyendo Pies descalzos.

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Gen y Ryûta.

Yakuza para los huérfanos y Philopon para los soldados

Una guerra no acaba cuando uno de los beligerantes se rinde. Sí, la lucha armada ha terminado, los soldados vuelven a sus países, parece que todo se restaura, pero sabemos que no es tan sencillo. Los periodos de posguerra pueden ser tan duros como los de la misma guerra. En el caso de Japón, tras finalizar la Segunda Guerra Mundial, las personas encontraron un país devastado por la pobreza y el hambre. El emperador, los altos cargos militares y los zaibatsu (monopolios controlados por cuatro familias) habían destrozado la vida de millones de sus propios compatriotas en un intento de demostrar su supuesta superioridad frente a otros pueblos de Asia Oriental. Niños que se quedaron sin padres y soldados que habían luchado por la causa imperialista fueron relegados a la más extrema miseria.

Nuestro protagonista es un niño que pierde a la mayor parte de su familia y que se va encontrando con más niños a los que la guerra ha dejado huérfanos. Entre ellos está Ryuta, que durante un tiempo se ve obligado a trabajar para la yakuza. Porque tras la bomba muchos de los huérfanos fueron captados por la mafia y las niñas eran vendidas para ejercer la prostitución. La falta de productos llevó a la creación de un mercado negro donde había productos alimenticios de todo tipo, pero a precios altísimos. Comprar unos pocos gramos de arroz era imposible para un niño sin ningún recurso, por no hablar de pagarle a un médico. De esta situación se aprovechaba la yakuza.

Ryuta se ve obligado a entrar en la yakuza para costear los gastos médicos de la señora Nakaoka, que ahora es lo más parecido que tiene a una madre.

Otros que terminaron totalmente desprotegidos eran los soldados. Muchos, al regresar a sus ciudades lo habían perdido todo y acababan pidiendo dinero en la calle

A lo largo de todo el manga podemos ver que Gen se encuentra con soldados que piden dinero en la calle.

Pero si hubo algo que acabó con ellos fue el Philopon. No es ningún caso excepcional que los soldados sean drogados para que ejecuten mejor su cometido. El Philopon era metanfetamina, se creó en 1941 para que los soldados japoneses luchasen sin miedo, para que los kamikazes llevaran a fin la orden que les habían dado. Es normal preguntarse cómo podrían esos hombres estrellarse de forma premeditada, uno de los factores era el Philopon. Esta droga también se les administraba a los trabajadores de las fábricas armamentísticas. Tenían que ser productivos, y el Philopon les quitaba el hambre y el sueño. El propio nombre dejaba claro su cometido: philo (amor) y ponos (trabajo) = amor por el trabajo.
Así podían mantener la maquinaria de la guerra en continuo funcionamiento. Al final de la guerra el  Philopon les sobraba a espuertas, así que el gobierno lo vendió a un precio bajo. Los soldados y los trabajadores que lo habían estado consumiendo se habían vuelto adictos, y su venta libre y barata hizo que se llegase al millón y medio de consumidores, entre ellos también gente joven, como es el caso de uno de los amigos de Gen, que tras probarla se vuelve adicto porque le hace olvidar la situación tan miserable en la que se encuentra. Su prohibición llegó en 1951, pero esto no impidió que la yakuza tomase el relevo y la producción se vio aumentada.

El primer contacto de Gen con el Philopon. Curiosamente es su amigo, el que más tarde se va a convertir en adicto, el que le explica lo que es.

Cobayas humanas

Gen no es el único de su familia que sobrevive a la bomba. Su madre, embarazada, también se libra, al menos durante un tiempo. Porque sobrevivir al impacto de la bomba no significaba haberse salvado, la radiación estaba presente  y se manifestaba de diferentes maneras y en diferentes tiempos dependiendo del nivel de exposición. A estas personas se les llamó hibakusha, y sufrieron un gran estigma social (incluso sus descendientes) debido al desconocimiento de los efectos de la radiación.
En ese clima de posguerra que suponía pobreza para casi todo el mundo, la mayoría de las personas enfermas no podían permitirse un tratamiento médico adecuado por falta de dinero. Vemos como Gen lucha porque atiendan a su madre y a su hermana recién nacida. A pesar de la primera negativa de Gen, unos investigadores estadounidenses atienden a su madre, pero no con la intención de curarla.
Tras el lanzamiento de las bombas atómicas, en 1946, el presidente Truman ordenó la creación de la Comisión de víctimas de la bomba atómica (ABBC: Atomic Bomb Casualty Commission). El nombre que eligieron tal vez nos dé una idea equivocada, tal vez nos haga creer que era una comisión para ayudar desinteresadamente a las personas inocentes que habían sufrido las consecuencias de la bomba, pero era realmente una comisión con un objetivo puramente científico: investigar las consecuencias de la bomba atómica en el cuerpo humano y en el medio ambiente. Por lo que no trataban a los supervivientes, solo aceptaba casos de estudios especiales que pudiesen ayudarlos en su investigación, y el tratamiento que recibían era por un tiempo limitado. Era por esto que la gente no confiaba en ellos, y por eso Gen se muestra tan reacio a que traten a su madre, porque sabe que tienen otros intereses más allá de curar a las personas y que en cualquier momento pueden darle la patada.

Tras llevar a la señora Nakaoka a la ABCC.

El rojo: un color peligroso

En esta historia Gen se topa con adultos que lo decepcionan sin parar, no son pocas las ocasiones en que los niños demuestran más sentido común y compasión que los mayores. Pero hay un par de adultos que se salvan, entre ellos el maestro de Gen, un hombre combativo que se muestra en contra de la guerra y de la pésima gestión que hubo después de esta. Vemos que en cierto punto de la historia lo echan de su puesto por ser subversivo y se ve obligado a seguir dando clases en su propia casa a petición del propio Gen. El hecho de que despidiesen a un maestro no es ningún recurso de Nakazawa para hacer la historia más dramática, fue algo que ocurrió durante la ocupación estadounidense y que se denominó red purge (purga roja). No fue algo único de Japón que las personas de izquierdas se viesen perseguidas, estamos hablando del macartismo.

Cuando el general McArthur ocupó Japón en 1945 ya tenía el terreno allanado en su agenda contra los grupos de izquierda del país, que quería convertir en su base para acabar con el creciente comunismo en Asia Oriental. En el periodo Meiji un grupo de anarquistas había planeado matar al emperador, lo que posteriormente supuso un gran control de grupos políticos que estaban en contra del emperador y que resultaban una amenaza para el imperio japonés. Se creó entonces la policía secreta japonesa, Tokubetsu Kōtō Keisatsu, más conocida como la Tokkō. Estaba dividida en seis departamentos, entre ellos la policía del pensamiento. Básicamente iban a por los grupos de izquierdas, muchos de ellos profesores y universitarios, tanto socialistas, comunistas como anarquistas. Había informantes civiles por todas partes y te podían delatar si no tenías un poco de cuidado. En 1945 esta policía desapareció, podríamos pensar que el gobierno estadounidense les hizo un favor a los japoneses, pero la cosa no quedó ahí, porque el anticomunismo siguió muy presente durante los años de la ocupación.

Durante los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial un gran número de trabajadores del sector público y privado, así como sindicalistas, fueron despedidos por tener una ideología de izquierdas. Era el inicio de la Guerra Fría y los estadounidenses querían escarmentar a los ciudadanos subversivos para que otros no siguiesen su ejemplo. Por supuesto, esto también afecto al Partido Comunista, cuyo líder, Kyuichi Tokuda, incluso se vio obligado a exiliarse en China. Los parlamentarios comunistas fueron expulsados y los miembros despedidos de sus cargos públicos. El periódico comunista fue prohibido, al igual que otras publicaciones de la misma vertiente. Era inevitable que la red purge llegase a los medios, porque no podían permitir que los ciudadanos encontrasen otros puntos de vista ni se viesen animados a luchar por sus derechos. Otro sector que se vio también especialmente afectado fue el de la educación, muchos profesores perdieron su trabajo. Se estima que en total la red purge supuso el despido de 40 000 personas. Los encargados de ejecutar dichos despidos eran el gobierno japonés y los círculos de empresarios, pero la orden venía de las fuerzas de ocupación estadounidenses. En un periodo de posguerra perder el trabajo de esa forma llevó a la desesperación a muchas personas hasta el extremo de suicidarse. Y algunos de los que a día de hoy siguen viviendo han procedido a demandar al estado para obtener una recompensar y para recuperar su honor, aunque de momento con poco éxito.

El maestro de Gen le explica en qué consiste la red purge.

Nakazawa nos da una lección de historia en toda regla, es crítico con el ejército de ocupación estadounidense, pero también con el emperador y con los responsables de llevar a la muerte y a la miseria a millones de personas. Es un alegato en contra de los poderosos que manejan el mundo y enfrentan a personas, y esta lección la vemos reflejada sobre todo en el padre de Gen, un hombre que está en contra de la guerra, que no se ha creído el cuento de que Japón vencerá ocurra lo que ocurra, de que son superiores a otras personas. Y expresa su opinión sin miedo, a pesar de que en la comunidad es visto como un traidor. Gen recoge esta enseñanza y jamás la olvida durante los años de posguerra. La imagen y las palabras de su padre son el motor que lo impulsa a seguir adelante y a luchar por las personas.

Decidirse a leer este manga es embarcarse en una historia triste pero real y con pequeños atisbos de esperanza. Es un viaje que te vapulea, te da la mano, y cuando te estás levantando vuelve a empujarte si cabe todavía más fuerte. Dicen que la historia la escriben los vencedores, pues esta historia la escribió alguien que no venció, alguien que perdió prácticamente todo. Es la historia de Gen Nakaoka, pero también es la historia de miles de niños que quedaron huérfanos. Es la historia de la peor cara del ser humano, pero también de la mejor. Es la historia de la desgracia, pero también de la esperanza.

Los japoneses Exonemo materializan la deep web en Matadero con su mercado negro Yami-Ichi

The Internet Yami Ichi, o “mercado negro de internet”, es un proyecto que nace en Tokyo en 2012 de la mano de una sociedad secreta online, IDPW, que desde entonces se ha replicado en decenas de ciudades, y que el festival Tentacular organiza por primera vez en Madrid en colaboración con los artistas Mario Santamaría y Julian López.

Este sábado 24 de noviembre, de 12:00 a 17:00 en la Nave 16 de Matadero Madrid, con entrada libre.

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En el marco de Tentacular, Festival de Tecnologías Críticas y Aventuras Digitales, este sábado 24 de noviembre, entre las 12:00h. y las 17:00h., en la Nave 16 de Matadero Madrid, tendrá lugar la primera edición madrileña de The Internet Yami-Ichi, el bazar de las cosas de Internet, un formato experimental, entre la exposición y la performance colectiva, ideado IDPW, una sociedad secreta online tras la que se esconde el dúo de artistas japoneses Exonemo, compuesto por Sembo Kensuke y Akaiwa Yae.

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El dúo artístico Exonemo Sembo Kensuke y Akaiwa Yae) © Fotografía por annetteboutellier.com

The Internet Yami Ichi

Mitad mercadillo, mitad gabinete de curiosidades, es un espacio abierto y divertido donde se trafica con ideas e imágenes, inventos absurdos y objetos cotidianos procedentes de las zonas más imaginativas, insidiosas e invisibles de la web. El primer Internet Yami-Ichi fue organizado en Tokio en 2012 por el dúo artístico Exonemo y su misterioso colectivo de arte online IDPW, “una sociedad secreta online con más de 100 años de historia”. Hasta la fecha ha viajado por numerosas ciudades, como New York, Berlín, Barcelona, Moscú, Amsterdam y Seúl.

Vuelta de tuerca a la idea habitual de exposición, entre el encuentro y la performance, es un mercado de pulgas o bazar de “cosas de internet” en el que diseñadores, programadores y artistas muestran, exponen y trafican con ideas, procesos y objetos procedentes de las zonas más imaginativas, insidiosas e invisibles de la web.

Entre los artículos que han sido vendidos en anteriores Yami-Ichis encontramos de todo: desde links prohibidos a ropa estampadas con interfaces ya desaparecidas, desde una clínica de rehabilitación para adictos a Internet hasta asesoramiento para escribir e-mails de odio, contraseñas de usuarios, globos de nieve Edward Snowden, apps rechazadas por Apple, paquetes de 10 Likes por 1 € o fragmentos de discos duros procedentes de un data center de Google en Bélgica.

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Internet Yami-Ichi en TATE Modern, Londres, 2016
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Internet Yami-Ichi en Tokyo, 2012
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Internet Yami-Ichi en Berlín, 2014

Lista de participantes de The Internet Yami-Ichi / Madrid:
IDPW (アイパス) http://idpw.org/ — Clusterduck https://clusterduck.bigcartel.com/ — Tmtmtm https://tmtmtm.xyz/ — Diego Paonessa http://diegopaonessa.net/ — David Quiles Guillo https://davidquilesguillo.com/ — m_m http://www.mariosantamaria.net — Antonio Ferreira http://estudioescritorio.tumblr.com — Sand Gardeners https://sandgardeners.itch.io/brownie-cove-express — Homo Velamine https://www.homovelamine.com/ — Becoming Collective http://becoming.network/ — Daniel Armengol Altayó http://armengol-altayo.com/ — Alicia Way http://away-aliciaway.tumblr.com — Olmo González https://www.olmogonzalezmoriana.com — Dalila Virgolini http://www.dalilavirgolini.com — Las Supernenas http://lagrietaonline.com/la-mono-falange-las-supernenas-matias-daporta-jovendelaperla-somosanto/ — Antonio Zingaro forzaantonio.it — Onur Olgac onurolgac.com — Nora González http://noralabora.com — Javier Arce https://www.instagram.com/javier


En el marco de  Tentacular. Festival de tecnologías críticas y aventuras digitales
Con la colaboración de The Wrong – New Digital Art Biennale

Fecha: Sábado 24 de noviembre, de 12:00 a 17:00
Lugar: Matadero Madrid. Nave 16

Más información en la web de Matadero y en su evento en Facebook.


Información cedida por Tentacular.

Tecnointimidad, amor virtual y minorías sexuales: en la búsqueda de la novia que nunca dice “no”

– Este modelo en concreto es espectacular. Además del reconocimiento de voz y cara, la calidad de sonido es fantástica, y el sensor de movimiento es el más avanzado del mercado. Muy recomendable.

– Me lo llevo.

– ¡Estupendo! ¿Quiere que se lo meta en una bolsa?

– No se preocupe. Si le voy a pedir matrimonio ya mismo.

Aun siendo una imagen paródica y exagerada la situación recreada en este diálogo, es posible que más de uno sepa ya por dónde va a ir el asunto. Recientemente, diversos medios de todo el mundo han publicado la noticia de la ceremonia de boda entre Akihiko Kondo, de 35 años, y un holograma de la idol virtual Miku Hatsune. Se trata de un artículo creado por la compañía Gatebox. Fundamentalmente, el aparato muestra un holograma de, en este caso, Miku Hatsune (16 años), que permite y simula una suerte de interacción “real” a través de diversas funcionalidades, generando la fantasía de que el personaje está vivo. Sin duda el anuncio que podéis ver a continuación, protagonizado por otro personaje virtual del estilo, expone de manera mucho más clara algunas de las funcionalidades de este producto, así como el tipo de “interacción” que propone.

La repercusión de la noticia ha generado reacciones de todo tipo: burlas y mofas, mensajes de apoyo, y críticas feroces. Lo primero que quiero señalar, y que muchos medios omiten, especialmente los no japoneses, es que la boda no tiene un carácter oficial, sino simbólico. Procuraré no caer en valoraciones éticas o morales. Mi intención es que podamos entender un poco mejor este fenómeno, y algunas de sus posibles características o repercusiones en materia de género e identidad sexual. Y difícilmente podríamos lograr esto sin recurrir al concepto de tecnointimidad (Alisson, 2006). El concepto de tecnointimidad alude a la relación que un ser humano establece con un ser virtual, siendo este último entendido como un ente animado, vivo, con sentimientos y también necesitado de ciertos cuidados, atenciones o, en general, colaboración de algún tipo. Es la creación de unos determinados lazos emocionales a través de la interacción con seres ficticios como si estos fueran reales.

Tamagotchi
El tamagotchi es un ejemplo clásico de producto relacionado con el fenómeno de la tecnointimidad. Foto extraída de Flickr.

Por supuesto, hay productos creados específicamente para el establecimiento de este tipo de lazos. Los ejemplos probablemente den mejor cuenta de la idea del concepto que esta escueta definición. Un ejemplo clásico y muy sencillo del que habla Alisson (y que quizá no es lo primero que uno tiene en mente al pensar en esto) es el tamagotchi. El objetivo del juego no es otro que cuidar de ese ser virtual que simula ser una mascota, interactuar con él para que esté bien en la medida de lo posible. El tamagotchi es entendido en cierta medida como una mascota real. Acercándonos ya al caso que sirve de base para este artículo, tenemos los videojuegos de temática amorosa, generalmente novelas gráficas, donde el usuario es convertido en el protagonista de la historia, cuyo objetivo no es otro que ligar interactuando con las “chicas” actractivas: los conocidos como videojuegos bishoujo. ¿Y podríamos hablar de tecnointimidad en el caso de la relación entre los idol otaku y las artistas, si entendemos a estas últimas como actrices hasta cierta medida? ¿Y qué me decís de estas parafernalias de realidad virtual? Echad un vistazo a los vídeos:

Al igual que en el artículo en el que trato la situación laboral en la industria idol, también aquí hay varios puntos de vista desde los que podría ser interesante enfocar el tema. Podemos hablar desde una perspectiva más económica y de consumo, reflexionando sobre la salvaje mercantilización del amor, o enfocar el asunto hacia algunas cuestiones de género y de identidad sexual.  Me planteo dos preguntas: ¿Podemos hablar de una “minoría sexual” constituida por individuos como el protagonista de la noticia? Según varios medios, Akihiko Kondo ha solicitado ser reconocido como parte de una minoría sexual, llegando incluso a compararse como gays y lesbianas, señalando respecto a la cuestión del rechazo por parte de la sociedad que “No está bien, es como si intentaras hacer que un hombre gay tuviese una cita con una chica, o que una mujer lesbiana tuviese una cita con un chico”.  Por otro lado ¿en que lugar puede dejar a la mujer real la naturalización de este tipo de “uniones”? Vamos a ello.

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Extracto de Fueraba -Friend to Lover-. Aquí un ejemplo de una novela visual cuyo objetivo es echarse novia.

Primera pregunta, una clásica: ¿en qué está pensando esta persona?, ¿qué puede llevar a alguien a “emparejarse” con un ser virtual? En AcchiKei todavía no dominamos lo de leer mentes, por lo que es imposible responder a esto. Evidentemente cada caso estará condicionado por distintos factores y experiencias. No obstante, permitidme que ponga en relación por un momento el caso Akihiko Kondo con los de algunos idol otakus. Según el diario Asahi Shinbun, Kondo “estaba convencido de que no encontraría a nadie con quien casarse”, mientras que según otros medios, este ha afirmado que le resulta “imposible encontrar una mujer real”. Por su parte, en documentales como Tokyo Idols (2017) o trabajos de investigación como el de Aoyagi (2005), encontramos declaraciones de idol otakus al respecto de estas cuestiones: el caso de un recién divorciado que decide dedicarse en cuerpo y alma a seguir a su idol favorita, así como chicos más jóvenes que aseguran que las relaciones reales son más complicadas, más costosas, traen más problemas, suponen una exposición al rechazo y conllevan un esfuerzo y tiempo que no quieren invertir. Alguno incluso afirma que las mujeres reales están perdiendo la feminidad ideal que las caracterizaba en otros tiempos. No obstante, la fantasía (incluso aunque hablemos en este caso de idols, el tipo de relación establecida no deja de estar construida a través de la fantasía, no es real) es mucho más sencilla y satisfactoria, no trae problemas y encima tienen el “sí” asegurado. Ambos casos están relacionados en tanto que hay una “huida”, una “negación” o un “rechazo” de la posibilidad de mantener una relación amorosa con mujeres reales.

En cualquier caso, lo que parece evidente es que las relaciones de tecnointimidad (en este caso incluyo aquí también las relaciones otaku-idol) suponen una mayor comoidad y seguridad para estos individuos (hablaré de hombres porque no he localizado ningún caso de este estilo protagonizado por una mujer, si bien ya hay algunos artículos con hombres virtuales como protagonistas). ¿Son, por lo tanto, una minoría sexual? Personalmente, y sin ningún ánimo de faltar al respeto, considerarlos como tal me parecería una gran equivocación. Entiendo que es un tema delicado y al mismo tiempo generalizar los casos siempre es peligroso, pero me resulta verdaderamente complicado aceptar como minoría sexual a un grupo de personas cuyo “deseo” hacia entes virtuales nace en muchos casos de un miedo o sentimiento de rechazo respecto a las mujeres reales. Es decir, no se trata simplemente de personas que se sientan atraídas por personajes virtuales o ficticios, sin más. No. Se trata de personas que se sienten atraídas por una serie de proyecciones en forma de personaje femenino que llevan determinadas fantasías, teóricamente irrealizables, al plano “real”, pero a través de seres virtuales cuya “apariencia física” o “forma” entra al 100% dentro de determinados estándares que podemos considerar normativos y que, desde luego, siguen siendo representaciones claras de mujeres (¡o adolescentes!) en el plano de las apariencias, así como de una feminidad generada por y para el hombre. No rechazan el físico de la mujer, no hay un rechazo de los estándares de belleza, no parece haber ningún rechazo sexual hacia la mujer. Lo que hay en muchos casos es un rechazo (o un miedo) al concepto de “mujer real. A la idea esencialista de que las mujeres son por naturaleza de determinadas maneras y que por lo tanto no es posible, o resulta muy tedioso, mantener una relación sentimental satisfactoria con ellas. Salvando las enormes distancias y diferencias en el plano moral entre un, digámoslo con esta palabra, putero, y estos individuos, existe un trasfondo que en numerosas ocasiones es similar: son muchos, en ambos casos, los que consideran que sus alternativas sexuales o afectivas suponen simplemente un camino rápido y sencillo para satisfacer sus deseos, al serles fácilmente accesibles en el mercado. Si la atracción por entes virtuales o ficticios (ya estén representados por mujeres reales o por diseños artificiales) tiene su base en estas cuestiones de rechazo o miedo a la “mujer real”, ¿cómo vamos a considerar a este grupo una minoría sexual equiparable en un sentido político y de identidad a aquellas incluidas dentro del colectivo LGTBI?

Azuma Hikari
Así presenta Gatebox en su web al personaje de Azuma Hikari. Nacida para darte una perfecta experiencia ‘okaeri-nasai’ (algo así como “bienvenido de vuelta a casa”)

Si aceptásemos a este colectivo como minoría sexual, ¿en qué lugar quedaría la mujer? No es ninguna novedad que la industria de la cultura popular japonesa está bien cargadita de machismo, pero veamos este tipo de casos en particular. Estos artefactos como los que podéis ver en los vídeos han sido aceptados por una minoría de hombres  heterosexuales o bisexuales como “sustitutos” afectivos, ya sea total o parcialmente, de las mujeres. Las empresas conocen perfectamente el perfil de consumo y las fantasías de este tipo de consumidores y construyen productos acorde a la demanda (no solo, insisto, en el ámbito de lo tecnológico y lo puramente gráfico, sino también a través de las idol o las meido). Proyectan como “ideal” a una mujer dócil, sumisa, complaciente y que jamás rechazará a su “dueño”. E incluso aunque no fuese así, incluso aunque la personalidad del personaje fuese de otro tipo, siempre estaríamos hablando de personalidades artificiales, idealizadas, alejadas de la realidad y, en un sentido u otro, “perfectas” para el perfil del consumidor. Aquí tiene, mujeres virtuales a la carta. Feminidades virtuales alternativas para que nuestros clientes enfadados con el 50% de la población puedan tener algunas otras opciones donde escoger, mientras nosotros nos lucramos. La mujer perfecta para usted, que jamás le dirá que no y con la que podrá cumplir su fantasía romántica y, ¿por qué no? reproducir estereotipos y adoptar los roles de género más tradicionales de la manera más moderna y actual.

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Es innegable que las meido son también una representación de ese tipo de mujer “ideal” sumisa, dócil y servicial. Fotos extraídas de Wikipedia.

No faltan, ni faltarán, las personas que opinen que “pues adelante, si ellos son felices así, está bien”. No puedo estar de acuerdo. Debe llevarse a cabo (y entiendo que una cosa es decirlo, y otra hacerlo) una normalización tanto de la soltería como un estado compatible con una vida plena y feliz, así como del rechazo como algo que puede llegar a ser habitual en muchas etapas de la vida. Sufrir el rechazo de una, de diez, o de cincuenta mujeres no implica que “las mujeres sean…” y que haya que buscar alternativas a ellas. No deberíamos en ningún caso justificar de ningún modo esta esencialización de la mujer que difícilmente podemos desligar de determinados sentimientos derivados en muchos casos de experiencias personales concretas, ni mucho menos el mercado debería poder lucrarse con ello. Por supuesto es interesante también preguntarse por qué tanta gente puede llegar a sentirse así en la sociedad japonesa, y por qué ese miedo o ese supuesto rechazo relativamente habitual en algunos grupos, pero en ningún caso podemos poner el foco del problema en las mujeres como tal.

No obstante, esto ya son cuestiones que dependen de infinidad de factores y que desde luego no tienen una solución a corto plazo. Más allá de la categorización de este fenómeno de amor virtual como algo “curioso”, “bueno” o “malo”, “natural” o “antinatural”, lo verdaderamente preocupante es que el capital manda, y si puede sacar tajada de las fantasías amorosas de quien sea, lo va a hacer. Y si para ello hay que crear “feminidades virtuales”, por denigrantes que sean, que a nadie le quepa duda de que se va a hacer. Las fantasías masculinas heterosexuales son una mina de oro para estas empresas. ¿Mujeres reales? ¿Para qué? Novia virtual a la carta. Y no se admiten devoluciones.

 

Entrevistamos a Hideyuki Katsumata. Una colorida orgía visual, psicodélica y mitológica.

Hideyuki Katsumata es a día de hoy uno de los grandes maestros de la mezcla iconográfica en Japón. Su arte es una orgía visual, psicodélica y mitológica, donde monstruos, deidades y otras criaturas se dan la mano en el mismo lienzo. Sus composiciones son atrevidas, combinando lo explícitamente sexual con lo divino y lo tradicional. Podríamos atrevernos incluso a decir publicamente que Katsumata es un digno heredero posmoderno de todos esos maestros del shunga y del arte yokai cómo Hokusai o Suzuki Harunobu, llegando hasta el maestro del manga Shigeru Mizuki.

Sin embargo, este artista va mucho más allá, su propuesta es infinitamente más cósmica, universal y metafísica. Robots, demonios oníricos y alienígenas anatómicamente imposibles visitan sus dibujos y comparten escenas muy barrocas con elementos del folclore japonés. Su mayor aliado es la potencia del color y su principal arma la mixtura de influencias y el impactante resultado de sus obras.

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Hideyuki Katsumata en la Dundee Contemporary Arts

Hideyuki vive en Tokyo donde pasa la mayor parte de su tiempo trabajando en su estudio. Es un artista de talla internacional, que ha realizado exposiciones individuales y colectivas de sus obras y participado en conferencias en ciudades de todo el mundo. Realizó USO de HONTOU, su mayor exhibición hasta la fecha, en 2015 en el centro de arte contemporáneo DCA en Dundee, Escocia. Es último año, en 2018 también ha formado parte del proyecto colectivo NAKAMA de ART en Tokyo.

Ha hecho marca de su carismático personaje HANAUTAH, a quien representa asiduamente y que incluso tiene sus propios stickers en la aplicación de mensajería LINE. !Incluso podemos encontrar una habitación de un hotel de Tokyo personalizada con motivos de este personaje!

No solo se dedica a la pintura, si no que es una persona volcada con la cultura y organiza eventos relacionados con otros campos como la música o la moda. Ha realizado portadas de álbumes de discos y videoclips para bandas como Little Dragon o CUZ (Duo formado por Sam Dook de la banda The Go! Team y Mike Watt de los The Stooges).

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Emotional Surgery

Entrevista:

¿Cómo sería Japón si sus creadores hubiesen sido Hideyuki Katsumata y Hanautah en lugar de Izanagi e Izanami?

H.K.: Es la primera pregunta y ya me he quedado flipado. Nunca me habían hecho una pregunta tan difícil y sorprendente como esta [risas].

Estas deidades creadoras de Japón no estaban realmente adscritos de manera indiscutible a una religión particular. Por eso aquel Japón previo al recibimiento de toda esta herencia del budismo era un lugar donde los dioses, los seres mitológicos, los monstruos y los humanos podían convivir respetándose mutuamente. El mundo que habita HANAUTAH también sería algo así. Un lugar animista y colorido, donde todo cobra vida. Algo así como una especie de aldea Villa Pingüino del manga Dr.Slump. Así que un mundo soñado por mi y HANAUTAH sería un concepto muy similar a eso.

Sin embargo, si me dieran ahora mismo la oportunidad y tuviera la capacidad de crear un mundo por mi mismo, lo que haría sería no darle cuerpo a las almas y permitiría que nuestras mentes pudieran viajar libremente por todas las dimensiones del multiverso.

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Por cierto, ¿quién es Hanautah y cómo lo conociste? ¿Nos lo presentas?

H.K.: Hace unos quince años, cuando me encontraba en plenos preparativos para una exhibición, se me apareció en sueños este ser llamado HANAUTAH. En ese entonces se me presentó como una figura de cinco piernas y un par de cuernos. Daba miedo. Era un ser completamente monstruoso y aterrador y por algún motivo estaba muy furioso. De repente y para apaciguarle, se le acercaron cinco chamanes vestidos con ropajes negros y como parte de un ritual lo rodearon y le dedicaron unos rezos…

Me desperté y salté de la cama rápidamente. Fui corriendo a sentarme en mi escritorio e hice un boceto de lo que había visto en este sueño. Recuerdo que volví a la cama y en menos de un segundo ya estaba dormido otra vez.

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Así fue como conocí a HANAUTAH.

El boceto que dibujé aquella noche terminaría por convertirse en la obra principal de la exhibición. En aquel entonces todavía no le había puesto nombre a este singular personaje. Simplemente la presenté como “Criatura con cuernos” (Tsuno no aru ikimono).

Por algún motivo que desconozco comencé a dibujarlo con cierta regularidad. Cuanto más lo dibujaba más me gustaba. Llevado por una misteriosa atracción, poco a poco fui perfeccionando su diseño y finalmente le nombré HANAUTAH. En japonés hanauta 鼻歌 significa tarareo o canturreo. Estaba buscando un nombre que diese sensación de buen rollo y a la vez algo que fuera un poco tonto e infantil. Creo que le pega bastante.

¿Cuándo comenzaste a tomarte en serio plasmar sobre el papel toda esta fantástica psicodelia mitológica y monstruosa?

H.K.: Cuando era pequeño me encantaba todo lo que tenía que ver con el espacio exterior, el origen del universo y los extraterrestres. También todo lo relacionado con el mundo de los espectros, fantasmas yurei y yokai, así como los ooparts y todos esos misterios de la historia y el ocultismo. Por otro lado, odiaba todo lo relacionado con la guerra.

Mi intención es intentar representar el origen de todos estos elementos anteriores. Desde mi humilde posición y los límites de mis capacidades, mezclo y unifico estos elementos haciendo surgir un resultado que sea llamativo. Sin embargo, no busco que este sea el concepto de creación en mi obra, realmente prefiero que todo surja a través del propio hecho de querer explorar y experimentar.

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Muchas veces cuando vemos obras tuyas tenemos la sensación de que has reiniciado toda la mitología existente de la humanidad, y como si de un puzzle se tratase, hubieses seleccionado y unido componentes creando un nuevo orden. Estas criaturas, seres y dioses, ¿existen ya o nacen de forma espontánea sobre el papel? ¿Quieren enviarnos un mensaje o simplemente entretenernos y que disfrutemos de su impresionante aspecto?

H.K.: Está claro que una de las principales cosas que me motivan a producir arte es que me divierto creando estos seres extraordinarios. Por supuesto también hay una influencia obvia de las pinturas religiosas, sobre todo de las más típicamente budistas, pero, a fin de cuentas el resultado es que los personajes son originales y muy míos.

La estética del manga y de los súper héroes japoneses también me ha acompañado desde pequeño y siempre he tomado elementos de ambas cosas. Estos estilos combinan elementos de un lado y de otro, los mezclan y resultan en personajes que a veces son épicos y muy chulos y otras veces muy monos y adorables.

Con mis personajes, por más detestables o nobles que sean, siempre intento que tengan un fuerte poder de atracción y cierto encanto mágico. También busco que puedan identificarse con un tipo de persona determinado, que te hagan preguntarte a qué tipo de persona se asemejarían en la realidad.

De todas formas, cada uno de ellos forma parte imprescindible de la composición, por muy pequeño o minoritario que sea, sin importar su raza o su cultura. Lo que intento es que todo tipo de personaje pueda coexistir en mis obras.

Sé que es un poco jodido de entender [risas]. Para explicar debidamente una idea como esta me haría falta hacer varios episodios, como en la saga de Star Wars.

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En tus composiciones los brazos se multiplican, los ojos brotan por todas partes y de los torsos surgen rostros y viceversa. El color es muy instintivo y protagonista y aporta mucho a ese ambiente psicodélico tan singular. Hablando de aspectos formales, ¿cuales son tus principales influencias artísticas? Sabemos que Picasso ha sido una de ellas.

H.K.: Es así como decís. Recuerdo que de pequeño algunas de las primeras cosas que me llamaron la atención y me impactaron de verdad fueron el ukiyo-e y el arte de Picasso. Es como si la base de toda mi expresión artística actual hubiese estado ahí desde la infancia.

También me encanta representar a mis personajes adoptando posturas y mudras tomados de la imaginería budista de la India. Me gusta mucho la elegancia, fuerza y elasticidad de todo este tipo de movimientos.

Acerca del tema de poner ojos por todas partes… Por lo general los ojos son entendidos como un camino de entrada de lo exterior al interior del cuerpo, pero en mi opinión también es una salida hacia afuera de algo que ya está dentro. Extraemos y recibimos información del objeto que miramos, pero también estamos emitiendo información con el simple hecho de mirar a ese objeto. Es por eso que me resultan tan interesantes.

Al extenderse y multiplicarse estos ojos a través de los brazos, aumenta el alcance, posicionando esa entrada y salida de información que acabo de comentar en un lugar más privilegiado. Esto se relaciona con lo que dije en la anterior respuesta de que cada personaje puede identificarse a una persona real a través de nuestra mirada a estas pinturas. Estos ojos se han convertido como en una especie de amuleto que siempre tengo que incluir en mis trabajos.

Como Picasso mencionó en una entrevista, él estaba altamente interesado en las figuras religiosas africanas. La razón de ser de estas figuras está en el hecho de su utilización como amuleto o pieza clave dentro de un ritual. Conocer e investigar estas figuras es algo que le fascinaba y creo que esta influencia se manifiesta de forma clara en sus obras. Humildemente creo que en este sentido me ocurre lo mismo que a Picasso.

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El sexo es otro aspecto que tratas mucho en tus obras. A veces parece tratarse de una parodia y otras un mensaje más trascendental y filosófico. ¿Se trata de una parodia o una reflexión sobre el género y la condición sexual?

H.K.: Dentro del tradicional ukiyo-e podemos encontrar el género shunga o pintura erótica. Lo erótico no es solo un tema de nuestros días y que sea propiedad del manga actual. El erotismo y el sexo forman parte intrínseca del arte y la cultura japonesa tradicional. Son temas verdaderamente importantes y representativos de nuestra cultura. Este tipo de arte suele reunir elementos muy sutiles e ingeniosamente humorísticos que han retratado muy bien la identidad japonesa.

Por ello, fuera de Japón se le tiene gran consideración a su arte erótico tradicional y actual, pero dentro del país existe un gran tabú y a menudo es un tema a evitar.

¿Por qué tiene que ser así? Esa es la gran pregunta que me hago.

El sexo es un gran tabú en Japón. Esto a veces se convierte en un problema y todo un desafío para los artistas interesados en representar este tipo de cosas. Es una pena pero, por el simple hecho de dibujar genitales o escenas de sexo, te encasillan dentro en un estilo absurdo o más desprestigiado. Los artistas interesados en estas manifestaciones deben desafiar este tabú que impregna a la sociedad japonesa.No se trata de reivindicar la relevancia de estos temas a lo largo de la historia de la humanidad, sino de poder expresar libremente mi interés por lo erótico y sexual.

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Tu obra es un verdadero recorrido de referencias a la cultura japonesa. Nos topamos con samurais, geishas y luchadores de sumo, así con componentes propios de la caligrafía tradicional y versiones de ukiyo-e o shunga. Más allá de lo tradicional, a veces hemos visto que aprovechas para lanzar algún mensaje más social haciendo uso de la sátira política. ¿Tienes interés en continuar explorando/ahondando en aspectos y temáticas de ese tipo?

H.K.: Si hubiese la posibilidad de viajar hacia atrás en el tiempo, siempre he tenido curiosidad por experimentar y conocer cómo era la vida en el Japón del periodo Edo (1603-1868). Me hubiese encantado vivir en primera persona toda esa moda del ukiyo-e y conocer de cerca las que considero las raíces de mi forma de imaginar y crear. Durante el periodo Edo ya encontrábamos cierto relajo de lo dogmáticamente moral en el ukiyo-e, ya existía algo muy parecido al manga y se disfrutaba mucho de la sátira y el humor.

Personalmente no estoy muy satisfecho con las decisiones y forma de actuar del gobierno japonés actual, ni tampoco con las de la política global en el resto del mundo. Mires donde mires siempre hay un trato injusto a la Tierra y creo que siempre se debería actuar de forma que las políticas causen el menor impacto posible sobre esta.

Me gustaría continuar maldiciendo estos tiempos políticos a través del humor y la sátira en mis caricaturas… más que haciendo críticas políticas en el sentido más serio y estricto.

BITCH
BITCH

Entre muchos otros, ¡hiciste la portada de un álbum para Little Dragon! ¿Cómo surgió esta oportunidad? ¿Alguna música que te inspire o te ayude con tus creaciones?

H.K.: Poder hacer la portada del álbum Machine Dreams ha sido una de las experiencias más importantes de mi carrera. Conocí a Little Dragon a través de MySpace y en su visita a Japón quedamos para comer. Así es como surgió esta oportunidad.

En cuanto a música que me inspire para pintar no siento predilección por ningún género o artista. Me pongo un estilo y otro según mi estado de ánimo. Lo que sí hago muy a menudo es escuchar monólogos de rakugo.

Te hemos visto realizando obras en gran formato. Teniendo en cuenta la complejidad de tus piezas, ¿cuál fue la más difícil de plasmar en un muro? Esto…¿Para cuando una en Madrid?

He pintado algunas obras en interiores de buen tamaño, pero la verdad es que no tengo la experiencia de haber dibujado algo tan grande como la fachada de un edificio. He visto que eso se lleva mucho en Europa, pero por ahora no puedo hacerme una idea de la dificultad que realmente conlleva.

Sin duda me gustaría ir a España para realizar algún trabajo algún día. Además, me gusta mucho la marca de sprays Montana Colors que es española.

¿Por qué tus diseños de ropa molan tanto? ¿Algún sitio donde podamos conseguirlos ¿Qué es lo último que has hecho dentro del mundo de la moda?

H.K.: ¡Jajajaja! Muchisimas gracias. Desde hace bastante tiempo he venido haciendo también diseños para moda. Siendo adolescente me encantaba la estética que aparecía en el documental Punk: Attitude (Don Letts, 2005) pero sobre todo el mensaje que transmitían todas esas pintas.

Podéis encontrar estos diseños en SNS, si les escribís un mensaje, creo que tendrán stock y hacen envíos a todo el mundo. Seguro que si hacéis una búsqueda por mi nombre en google también podréis encontrar alguna cosa. ¡También podéis echarle un vistazo a mi tienda en Instagram!

Has viajado mucho por todo Asia. ¿Cómo te han inspirado a ti y tus pinturas estos viajes?

H.K.: Aunque diría que Europa también me ha influenciado mucho, es verdad que me gusta mucho poner juntas las diferentes culturas tradicionales de los distintos países de Asia. Por un lado me inspira y me influyen, pero también enorgullece pertenecer a este continente.

Por otro lado, en las grandes avenidas de las ciudades de todo el mundo, vayas a donde vayas, Asia o Europa, puedes encontrar las mismas tiendas de moda y cadenas de restaurantes. Me hastía que todo sea tan similar y aburrido.

En Tokyo ocurre lo mismo pero tengo que buscar la inspiración en las calles secundarias y callejones, así como en algunas zonas menos visibles del centro. Es allí se conservan las antiguas formas y las relaciones entre las personas son más íntimas y cercanas. Disfruto más de las peculiaridades de estas zonas y de su colorido. Considero que el uso de los colores en mi obra se inspira mucho en estas partes de las ciudades del mundo.

¿Estás trabajando en algo nuevo recientemente?

H.K.: Ahora estoy preparando unos pósteres para la campaña de navidad de la tienda irlandesa Hen Steeth Store. Por otro lado, he organizado para el 8 de diciembre en Koenji, Tokyo una exhibición de música, danza y pintura. También el año que viene, a primeros de febrero, está prevista una exhibición grupal en Bangkok en la que participaré. En realidad estoy a un montón de cosas a la vez. ¡Echad un vistazo a mi Instagram y Facebook por si queréis saber más detalles! ¡¡Muchas gracias!!

Web personal de Hideyuki Katsumata
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Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Las Rutas de la Remezcla: un espectáculo que propone diálogos imaginarios entre Iberia y Japón

Llevamos la palabra Pan,

llevando la palabra dios.

Pan en japonés se dice Pan

 

Tras varios meses de desarrollo Antropoloops, La Plasita y Tangiblex presentan este sábado 10 de noviembre en el marco del refectorio de Santa Clara (Sevilla), la propuesta ‘Las Rutas de la Remezcla’ un espectáculo gastrosófico-musical que recrea, desde la lógica de la remezcla, los encuentros e intercambios culturales que pudieron producirse entre jesuitas ibéricos y japoneses durante los siglos XVI y XVII.

Sus creadores

Antropoloops (Rubén Alonso y Esperanza Moreno)

La Plasita (Jaime Gastalver y Lilian Walker)

Tangiblex (Miguel Vázquez-Prada)

Gracias al apoyo del banco de proyectos del ICAS, ha sido posible poner en marcha una experiencia con vocación multisensorial y adaptada al espacio en el que se presenta, el refectorio del convento de Santa Clara en Sevilla. La creación entrelazada del menú, de la música y de los visuales pretende dialogar, desde el presente, con los distintos modos de hibridación e intercambios culturales históricos.

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Las expresiones musicales, como las culinarias, guardan en sus pliegues las historias de sus génesis mestizas, sus viajes, migraciones, éxodos y diásporas.

Las recetas, como las canciones, son fruto de la recombinación contínua de un ingrediente tras otro en una cocción-reinterpretación sin fín.

 

Las Rutas de la Remezcla genera una experiencia que sumerge al espectador-comensal en lo sensorial combinando comida, música, visuales y palabra poética. Un ritual narrativo, escénico y gastronómico estructurado en 4 escenas, en el que se dan la mano los aspectos tecnológicos, el conocimiento de los ingredientes y sus viajes. El carácter musical y visual de la propuesta se cumplimenta con un aspecto performativo que pretende acercar el contenido al espectador-comensal, haciéndolo partícipe, en ocasiones, del desarrollo mismo de la dramaturgia.

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Un maridaje en el que las bases sonoras de Antropoloops, se entrelazan con la aportación visual de Tangiblex y las recetas y poemas de La Plasita, tras un proceso de investigación sobre el contexto histórico, gastronómico, visual y musical que comprende el periodo entre 1543 y 1640, dando forma a esta propuesta que remezcla y, al mismo tiempo, se convierte en punto de encuentro de culturas, identidades y alimentos.

Más información en la web del proyecto. Desde acchiKei esperamos que sea todo un éxito y sea posible en un futuro próximo disfrutar de esta experiencia en nuevas ediciones.

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Texto cedido por La Plasita

 

Japón y el performer Seiji Shimoda protagonistas del próximo Acción!MAD18 que acogen las Naves de Matadero Madrid

Naves Matadero acoge la XV edición de AcciónMad, festival de arte en acción y performance de Madrid que tendrá lugar del 30 de octubre al 4 de noviembre en varias sedes.

En esta edición, Japón es el país invitado y el comisario Seiji Shimoda, director del Nippon International Performance Art Festival, ha planteado una serie de artistas japoneses que junto con performers españoles presentan un programa de tres días con presentaciones y actuaciones que acercarán al público al mundo del arte visual puesto en acción.

 

Acción!MAD comenzó en 2003 cuando no existía ningún festival dedicado específicamente al Arte de Acción y Performance en Madrid. Surgió de la necesidad de llenar un hueco en la programación cultural de la ciudad y se estableció como una cita anual que ofrece al público una visión amplia y profunda de un género independiente, autónomo y gobernado por sus propias reglas espacio-temporales.

“A lo largo de estas 15 ediciones hemos procurado abarcar un espectro geográfico vasto, mostrar distintas generaciones de artistas y diferentes sensibilidades, prestando especial atención al trabajo de las mujeres cuya aportación al Arte de Acción y la Performance ha sido, y es, extraordinariamente importante, original y fecundo”, explica su directora técnica y artística Nieves Correa.

Por Acción!MAD han pasado artistas relevantes como Esther Ferrer (Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2008), Concha Jerez (Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2011), Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2007) o Nacho Criado (Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2008 y el Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2009).

Además de la exhibición de acciones y performances, Acción!MAD organiza talleres, mesas redondas, presentaciones teóricas, charlas, conferencias, propuestas para el espacio público, etc.
En la Nave 10 de Naves Matadero se llevarán a cabo los talleres “El arte de acción como proceso de creación colectiva” impartido por Nieves Correa, artista y directora de AcciónMad! y Seiji Shimoda y un taller para público familiar a cargo del artista Rubén Barroso.


Artistas japoneses participantes en esta edición

Seiji Shimoda. Nacido en Nagano en 1953, se inicia en performance y teatro experimental y a partir de 1970 se convierte en el referente asiático más importante del arte de acción.
Ha participado en más de 100 festivales internacionales de más de treinta países de América, Europa, Asia y Oceanía. Es coordinador de tres encuentros anuales sobre arte de acción, centrándose en el intercambio e interrelación de performers de diferentes países asiáticos como Filipinas, Tailandia, Vietnam, Corea y China.
En la actualidad es director de NIPAF (Festival de Arte de Acción Internacional Nippon). Ha presentado a más de 300 artistas de todo el mundo en varias ciudades de Japón y en el año 2000 se convirtió en el primer artista de Asia galardonado con el premio New York Dance and Performance Awards Bessie (New York Dance And Performance). Es profesor de performance en dos universidades de Tokio (Musashino Art University y Keio University desde los años 2000 y 2015 respectivamente) y es miembro permanente del jurado de performance art china en el Museo de Arte de Macao desde 2004.

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Yumiko Masada. Performer y galerista (Galería Ogawamachi).

Masayuki Okahara. Performer y profesor de Sociología en Keio University.

Yoshio Shirakawa. Graduado en BBAA por la Kunstakademie Düsseldorf.

Haruka Kobayashi. Estudia arte escénico y diseño de vestuario en la Musashino Art University. También trabaja como escenógrafa. En 2015, se unió a NIPAF – Festival de performance de Japón.

Tomoko Shimogori. Performer y trabajadora social psiquiátrica.

Miyaki Ohbayashi. Performer e instructora de arte para personas con discapacidad.

Kanunori Kitazawa. Perfomer y escultor. Dirige el Centro de Arte Matsumoto.

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Yoshio Shirakawa

JUEVES 1 NOVIEMBRE
Nave 10. 19h. Entrada libre
Gema Alcocer (Valencia – España) (dur. 10 min.) Yumiko Masada (Japón) (dur. 30 min)
Masayuki Okahara (Japón) (dur. 30 min)
Víctor Parral (Valencia – España) (dur. 45 min.)

VIERNES 2 NOVIEMBRE
Nave 10. 19h. Entrada libre
Presentación a cargo de Seiji Shimoda en Sala de Madera (dur. 45 min). Una vez terminada, actuarán en este orden:
Yoshio Shirakawa (Japón) (dur. 20 min.)
Irene Santiago (Valencia – España) (dur. 20 min.)
Haruka Kobayashi (Japón) (dur. 25 min.)
Tomoko Shimogori (Japón) (dur. 20 min)

SÁBADO 3 NOVIEMBRE
Nave 10. 19h. Entrada libre
Presentación a cargo de Rubén Barroso en Sala de Madera (dur. 45 min.) Una vez terminada, actuarán en este orden:
Pablo Oria (Valencia – España) (dur. 20 min)
Miyaki Ohbayashi (Japón) (dur. 20 min)
Seiji Shimoda (Japón) (dur. 30 min)
Kanunori Kitazawa (Japón) (dur. 20 min)

Colabora: Fundación Japón, Plataforma Acción!MAD18, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.


Texto y fuentes:

-Nota de prensa cedida por el Departamento de Comunicación de Matadero Madrid. ¡Muchas gracias!

-Sitio web de Fundación Japón


Más información en la web de Naves Matadero o en sus RRSS ( Instagram, Facebook y Twitter), Fundación Japón y Acción!Mad18.

El arte digital de Daito Manabe llega a Cornellá y Madrid con su espectáculo ‘discrete figures’

La estrella mundial de la creación digital Daito Manabe presenta en Cornellá y Madrid discrete figures, su última obra, que rompe una vez más la frontera entre el arte de la danza y la ciencia.

Se trata del proyecto más reciente de uno de los referentes mundiales en creación digital, Daito Manabe y su estudio Rhizomatiks, con la colaboración del grupo de danza ELEVENPLAY y el programador Kyle McDonald.

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Discrete figures fusiona las artes escénicas y las matemáticas en una ingeniosa y elegante exploración de la relación entre el cuerpo humano y los movimientos generados por ordenador. Este rompedor espectáculo multimedia, que llega a L’Auditori de Cornellà tras el éxito de crítica y público en EE.UU. y Canadá, combina drones, inteligencia artificial y aprendizaje automático con la coreografía de cinco bailarinas.

El fundador del estudio Rhizomatiks Research Daito Manabe es considerado uno de los artistas multidisciplinares más importantes en la actualidad, invitado al Festival Sónar 2017, artífice tras la presentación japonesa en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Río y diseñador de los espectáculos de músicos de renombre como Björk, Perfume o Ryuichi Sakamoto. Asimismo, el grupo ELEVENPLAY colabora habitualmente en los conciertos, programas de televisión y videoclips más destacados de Japón, y su líder MIKIKO ha llevado a cabo coreografías para artistas de la talla de BABYMETAL, Perfume o Ringo Shiina.

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Tras el estreno en L’Auditori de Cornellà, discrete figures también se podrá ver el 13 de noviembre en los Teatros Canal de Madrid. Ambas actuaciones ponen el broche de oro a la celebración del 150 Aniversario de relaciones diplomáticas entre Japón y España, que se conmemora este 2018.


Rhizomatiks Research

Rhizomatiks Research se centra principalmente en proyectos del campo de la investigación y el desarrollo, y prioriza abrir nuevas formas de expresión de cara al futuro. El equipo que lidera Rhizomatiks Research ha llevado a cabo proyectos con artistas como Perfume y ELEVENPLAY además de proyectos de media-art y data-art, de los que se encarga de todo el proceso, desde la planificación hasta la implementación y ejecución.

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Sitio web de Rhizomatiks Research


Daito Manabe. Artista, diseñador interactivo, programador y DJ basado en Tokio

Funda Rhizomatiks en 2006, y a partir de 2015 se convierte junto a Motoi Ishibashi en el codirector de Rhizomatiks Research, una división de la empresa centrada en explorar nuevas posibilidades en los reinos de la expresión técnica y artística, con el foco puesto en proyectos que enfatizan la I+D. Asimismo, es profesor en la Keio University SFC.

Los trabajos de Manabe en los ámbitos del diseño, el arte y el entretenimiento presentan nuevas aproximaciones a los materiales y fenómenos cotidianos. Sin embargo su objetivo final no es conseguir un realismo rico y en alta definición resultado del reconocimiento y la recombinación de estos bloques de construcción familiares. Su práctica, en cambio, se nutre de la observación cuidadosa para descubrir y elucidar las posibilidades esenciales inherentes al cuerpo humano, datos, programación, ordenadores y otros fenómenos. Sondea de esta manera las interrelaciones y límites que delinean lo analógico y lo digital, lo real y lo virtual.

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Sitio web personal de Daito Manabe


Motoi Ishibashi. Ingeniero y artista.

Codirector de Rhizomatiks Research.Nacido en Shizuoka (Japón) en 1975, se graduó en el Departamento de Sistemas e Ingeniería de Control del Instituto de Tecnología de Tokio y en la International Academy of Media Arts and Sciences (IAMAS). Desde 2015, Ishibashi ha sido junto a Daito Manabe codirector de Rhizomatiks Research, una división de la empresa centrada en explorar nuevas posibilidades en los reinos de la expresión técnica y artística, con el foco puesto en proyecto que enfatizan la I+D. Ishibashi está involucrado en un amplio abanico de actividades incluyendo performance artísticas, vídeos musicales e instalaciones basadas en la producción de dispositivos y hardware. Su trabajo ha sido reconocido por varios premios, como el Prix Ars Electronica, el León de Cannes y el Japan Media Arts Festival.

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Sitio web personal de Motoi Ishibashi


ELEVENPLAY. Compañía de danza

Esta compañía de danza dirigida por la coreógrafa y directora de arte MIKIKO, fue fundada en 2009 con la esperanza de formar a bailarinas con una alta sensibilidad artística y creatividad además de técnicas, cuerpos y espíritus exquisitos. Compuesto por bailarinas especializadas en una amplia variedad de géneros, las formas de expresión de ELEVENPLAY son diversas y abarcan desde el escenario al vídeo y la fotografía.

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Sitio web de ELEVENPLAY


MIKIKO. Diseñadora de escenario y coreógrafa

Ha sido la directora artística y coreógrafa de más de cincuenta artistas japoneses de fama internacional, como Perfume, BABYMETAL y Ringo Shiina entre otros. Ha recibido numerosos premios en el ámbito de las artes dramáticas, y sus coreografías son altamente apreciadas en la escena pop japonesa. Todo ello permite afirmar que MIKIKO es una de las mejores coreógrafas del Japón actual.

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Mikiko fue seleccionada como © VOGUE Japan -Women of the Year -2017

Sitio web personal de MIKIKO


Kyle McDonald. Artista y programador

Es un contribuidor habitual a los sets de herramientas de código abierto de arte-ingeniería como openFrameworks, y crea programas que permiten a los artistas usar nuevos algoritmos de forma creativa. Tiene por costumbre compartir públicamente ideas y proyectos antes de su finalización. Subvierte creativamente la comunicación en red y la computación, explora los fallos técnicos y prejuicios sistémicos, y extiende estos conceptos a la reversión de todo, desde la identidad a las relaciones humanas.
McDonald ha sido profesor adjunto en el Programa de Telecomunicaciones Interactivas de la Universidad de Nueva York, miembro de F.A.T. Lab, community manager para openFrameworks y artista en residencia en el STUDIO for Creative Inquiry de la Universidad Carnegie Mellon así como en el Centro Yamaguchi de Artes y Medios (YCAM), en Japón. Le han encargado trabajos para exposiciones y festivales de todo el mundo, incluyendo: NTT ICC, Ars Electronia, Sonar/OFFF, Eyebeam, Anyan Public Art Project, Cinekid, CLICK Festival, NODE Festival, y muchos más. A menudo dirige talleres sobre la exploración de la visión computacional e interacción persona-ordenador.

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Sitio web personal de Kyle McDonald


Presentación de Discrete figures en Cornellá, Barcelona

-Organiza: Consulado General del Japón en Barcelona, L’Auditori de Cornellà.

-Colabora: la Fundación Japón en Madrid y Casa Asia

-Fecha y horario: 10 de noviembre, a las 21:00 h. Apertura de puertas a las 20:00 h. Acceso a sala a las 20:30 h.

-Lugar: L’Auditori de Cornellà, Carrer Albert Einstein, 51, 08940 Cornellà de Llobregat, Barcelona

-Entrada general 14 € (19 € el mismo día).
Las entradas se pueden adquirir online, presencialmente en la recepción de L’Auditori de lunes a viernes de 9 a 14 h, o por teléfono: 934 74 02 02 Ext. 1307 de lunes a viernes de 9 a 14 h.

Discrete figures en los Teatros del Canal, Madrid

-Fecha y horario: 13 de noviembre, a las 18:00 y 21:00 h.

-Lugar: Teatros del Canal. Calle de Cea Bermúdez, 1, 28003 Madrid

-Entrada general: 25 €. Comprar entradas en la web.

Más información en la web del Consulado de Japón en Barcelona.


Texto: Nota de prensa cedida por el Departamento de Cultura del Consulado de Japón en Barcelona. ¡Muchas gracias!