El viaje de Jun Chihara. De oficinista a tatuador en Barcelona

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Instagram de Jun Chihara.

Jun Chihara es un tatuador japonés con base de operaciones en Barcelona. Pero esto no siempre fue así. Hace siete años, Jun era un sarariiman más. Un chico trajeado que iba a su puesto de trabajo y volvía rendido a casa tras una dura jornada de oficina. Sin embargo, todo se torcería. O no. En cualquier caso, el destino decidió cambiar radicalmente su vida. Una mañana se enteraría de que su empresa se encontraba en la quiebra y que la vida que llevaba hasta ese entonces se había esfumado. Jun aprovechó ese momento de crisis para cambiar de rumbo y dedicarse a un trabajo más creativo y manual, a algo que le apetecía mucho más que las interminables hojas de cálculo, los aburridos procesadores de texto y las exigencias de sus jefes. Además, tenía muy claro que quería salir de Japón y conocer culturas de otros lugares del mundo. Tomó un mapa y a ciegas señaló un lugar. Su dedo fue a parar en la península ibérica y escogió Barcelona como su nueva ciudad.

Cuando llegó a Barcelona le fascinó la forma tan abierta con la que las personas mostraban sus tatuajes y empezó a brotar en él un interés creciente por este arte. En algún momento, casi sin darse cuenta, decidió dedicarse a este mundo del tatuaje y llamó a la puerta de varios estudios. Uno de ellos, llamado Void Barcelona, le acogió y allí encontró gente dispuesta a formarle. A día de hoy, el bueno de Jun, forma parte de la plantilla oficial del estudio y continúa trabajando allí.

Tras una temporada de aprendizaje empezó a viajar para tatuar por todo el mundo. Así, Chihara, pudo hacer contactos, conocer a muchas personas y traer a su estilo influencias de otras culturas. La personalidad de los tatuajes de Jun es de alguna forma reflejo de todo el aprendizaje y vivencia que este tatuador japonés ha recogido viajando alrededor del mundo.

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Cuando llegó a Barcelona le fascinó la forma tan abierta con la que las personas mostraban sus tatuajes y empezó a brotar en él un interés creciente por este arte.

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En cuanto a su estilo de dibujo, nos cuenta que intenta no dejarse llevar por otros tatuadores de referencia ni tendencias actuales o modas. Lo que le gusta es consultar libros antiguos de arte, robar ideas del pasado y probar a aplicarlas en sus diseños. Si uno se detiene a observar la iconografía de los tatuajes de Jun Chihara, se topará con una curiosa mezcla de elementos muy puramente japoneses que han sido combinados con otros de culturas distintas como la coreana o la azteca

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Para Jun el tatuaje es una forma de conocer a personas distintas y a distintas personas. A culturas distintas y a distintas culturas. Un medio que le permite abrirse al mundo y conocerlo y creando de esta forma piezas que conectan a culturas opuestas y/o lejanas en un mismo espacio.

Últimamente Jun compagina sus trabajos como tatuador con nuevos proyectos. Recientemente ha comenzado a atreverse con la pintura mural y sus encargos no hacen más que crecer. Por mencionar algunos, si vais al restaurante Fujitaka de Badalona o al Mikasa en Barcelona, podréis encontrar piezas suyas en las paredes del interior de ambos locales.

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Instagram de Jun Chihara.
Void Barcelona.
Restaurantes Fujitaka y Mikasa.

© Fotografías realizadas por Nelson Núñez y Pancho de León.

Entrevista a Aya Sawada. Viaje a la intimidad de su fotografía

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Aya Sawada (Madrid, 1986) es una fotógrafa que recoge la sutileza de la cotidiano de manera directa y sin tapujos. El interior de sus modelos queda plasmado en cada una de sus fotografías y estas recogen la determinación e intimidad de una adolescencia y juventud que parecen eternas. Las miradas fijas y penetrantes producen una conexión con estas personas, que terminan convirtiéndose en médiums a través de los cuales Aya cristaliza sus emociones y vivencias. Su trabajo como fotógrafa profesional comenzaría en 2014, después de su estancia de dos años en el Estudio Ebis de Tokyo, donde aprendió todo lo que había que saber sobre este arte. Iluminación, encuadres, Aya adquirirá todos estos conocimientos para marcharse a Berlín en 2016 y explorar su mundo artístico interior en la que supone su etapa más introspectiva. Desde 2018 reside en Barcelona, donde no hace mucho ha llevado a cabo, en Spai Travinae, la exposición titulada Worlds Away, conjuntamente con la fotógrafa Paula Fujiwara. Marcas de gran renombre se han sentido atraídas por la fotografía de Aya Sawada y recientemente empresas como Nike le han realizado encargos.

Comenzamos…

Cuando nos van a tirar una foto es habitual decir “pataaaataaaa”. Tanto en la palabra ‘patata’ como en tu nombre, Aya Sawada, solo aparece la vocal ‘a’, por lo que está claro que tu gran conexión con la fotografía es cosa del destino. Ahora en serio, ¿cómo nace tu amor y pasión por esta disciplina?

Aya: ¡Lol!
Mi amor por la foto nace de manera natural; como una manera de expresarme, de sacar energía hacia fuera y de contar mi historia. Creo que pienso en imágenes, así que supongo que es el formato que mejor se adapta a mis capacidades artísticas. Cuando cierro los ojos también veo imágenes y creo que esto me ayuda en el tema composición y encuadres…

El formato foto me limita artísticamente porque mi imaginación supera los límites de la realidad. Por eso utilizo mucho la metáfora y la analogía. Lo que me fascina de la foto es la idea de poder congelar un instante y hacerlo presente y pasado en el futuro… no se si me explico. Imagina una foto que compras en un mercado de antigüedades en la que aparece una familia que vivió en 1900 en Florencia… De ellos no queda mucho más que un instante de su historia en una foto. Como esa foto llegó hasta ahí también forma parte de su historia. Es cool ¿no? La capacidad de las fotos de congelar el presente en 2 dimensiones. Esto me gusta. Es la multidimensionalidad del arte.

¿Cómo es aprender fotografía y trabajar de asistente en Tokyo, ciudad que podría considerarse capital mundial de este arte?

Aya: Trabajé como asistente en el Estudio Ebis en Tokyo durante 2 años. Fue duro. Muchas horas de trabajo y mucha disciplina.
Lo más difícil fue adaptarme al sistema laboral japonés y aguantar el ritmo. Pero fue un buen training y también hubo muchos buenos momentos. Durante el tiempo que estuve en Ebis, prácticamente no hacía otra cosa que no fuera trabajar. Después tuve un poco más de tiempo para empaparme más de la escena de la fotografía tokiota y aplicar esta influencia a mis fotos… Tokio es una ciudad que estimula los sentidos exageradamente e invita a la creatividad. Descubrí que los artistas que más me llamaban la atención disparaban analógico, así que me compre una cámara analógica, que a día de hoy sigo usando. Aunque ahora estoy retomando la fotografía digital…

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Madrid, Berlín, Barcelona. ¿Puede una fotógrafa japonesa encontrar algo de su tierra natal en alguna de estas ciudades en las que has vivido?

Aya: En realidad es Madrid, Tokio, Berlín, Barcelona. Nací y crecí en Madrid. Soy mitad japonesa mitad española. Mi carácter es más europeo pero no suelo identificarme con ninguna nacionalidad. La gente me pregunta mucho sobre esto. Personalmente me considero de ninguna parte…

Me fui a vivir a Tokio hace 8 años para experimentar Japón, aprender fotografía y encontrarme a mí misma. Después de 5 años allí, me mudé a Berlín donde a parte de japoneses no encontré nada de Japón. Excepto que los trenes se parecían porque Japón copió el modelo alemán de ferrocarriles modernos. Y también que son muy agradecidos y muy polite. En España no encuentro mucho de Japón; el gusto por el arte culinario y…¿mi madre? que es japonesa… La cultura y las costumbres no pueden ser más opuestas… Actualmente resido en Barcelona, desde octubre de 2017.

Tu fotografía revela una intimidad muy peculiar y genial. Los modelos parecen mirarnos fijamente y comunicarnos que están sintiendo en sus adentros. En tu fotografía, si uno se descuida tan solo un poco, rápidamente olvida que estemos observándolos a través del objetivo de tu cámara. Lograr este efecto, ¿es una fórmula estudiada o parte de tu instinto fotográfico? ¿Es difícil conseguir que los modelos japoneses puedan abrirse y mostrar su cara interna de esa forma?

Aya: Muchas gracias, aprecio mucho vuestra percepción. En realidad no lo sé. Podría decir que les retrato tal y como les veo. Son ellas distorsionadas a través de mi… O yo distorsionada a través de ellas… Lo que he entendido después de los años es que mis fotos son sobre mí, primero. Por eso me cuesta definirlo, y por eso son imágenes…

¿Fórmula o instinto? Disparo desde el corazón, conecto con lo invisible, con la pureza de la feminidad y la verdad que se esconde tras la vulnerabilidad. También me divierte provocar y dar lugar a la malinterpretación. Me gusta jugar a la contradicción, y saltarme las reglas. Cuando estoy disparando me siento libre y dejo de pensar. Cuando más disfruto fotografiando es cuando dejo de pensar.

¿Es difícil que los japoneses se abran? Depende de la persona pero en general sí, más difícil que en Occidente. De todas formas, la estética asiática tiene ese algo que me engancha. No lo puedo evitar…

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Sin embargo, esta intimidad se vuelve bidireccional y también podemos ver mucho de Aya y lo que realmente ocurre en su kokoro en algunos de tus trabajos. En tu proyecto audiovisual Gratitude (2019), del cual os dejamos el enlace aquí abajo, cuentas un poco de tu historia personal y familiar, la cual evidencia tu inevitable nexo con Japón y el componente muchas veces duro y nostálgico de la distancia. ¿Podrías hablarnos un poco de este proyecto y si tienes pensado seguir trabajando en más material autobiográfico?

Aya: Empezando por el final. Sí. Casi todo mi trabajo artístico es autobiográfico de manera indirecta. Gratitude es la primera pieza que escribe nombre y apellidos. Las imágenes las he ido grabando en los últimos 6 años y la idea era hacer un video para sanar a mi madre. Los traumas familiares se transmiten de generación en generación y en mi familia es tangible que exista cierto respeto al agua porque el hermano pequeño de mi madre se ahogó en el mar cuando tenía 24 años.

Si algo me ha enseñado el arte es que es capaz de sanar y de provocar risas y lágrimas de liberación. A mi familia le emocionó y de eso es de lo que se trataba este trabajo.
Escucharme hablar y cantar con mi hermana y mi madre me hizo conectar con ellas y con mi niña interior. Fueron 3 días intensos de proceso creativo. El mensaje: la gratitud es el ingrediente mágico para vivir.

En la lista de elementos y artistas que influyen en tu fotografía, ¿cuál dirías que es el más inesperado e imprevisible?

Aya: Elementos: Mi propia historia.
Artista: Miyazaki Hayao. Crecí con sus personajes y nunca deja de inspirarme. Hay mucho de su imaginario en mis fotos.

Últimamente te hemos visto trabajando con marcas muy conocidas, como por ejemplo Nike. ¿Cómo se traduce/transforma la intimidad y cercanía de tu fotografía cuando se trata de trabajos comerciales?

Aya: Estoy tratando de averiguarlo. Es el mismo ojo el que mira a través del objetivo pero, profesionalmente, tengo que saber adaptarme a lo que se me pide, disfrutando lo máximo posible. Artísticamente es otro departamento el que me ayuda a resolver mis enigmas. Mantener el equilibrio es lo importante.
Estoy muy agradecida de haber tenido una oportunidad así. No es una profesión fácil pero es muy gratificante.

¿Qué anda tramando Aya Sawada?

Aya: Pues la verdad que tramar… no mucho. Simplemente quiero continuar haciendo fotos, seguir trabajando, aprendiendo y también viajar. Actualmente estoy más centrada en mi carrera profesional, aunque sin abandonar mis proyectos personales. Respecto a proyectos artísticos futuros… quizás otra exposición en Barcelona, mejorar, superarme y ¡¡hacer magia!!

¡¡¡Muchas gracias por la entrevista ACCHIKEI!!!
¡Un placer colaborar con vosotros! Sayonaraaa :):):)

Instagram de Aya Sawada.

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Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Acompaña a Mari Ito por “El jardín de los deseos del Japón contemporáneo”

Zaragoza acoge en la sala de exposiciones del Torreón Fortea una exposición de la artista japonesa Mari Ito, titulada “El jardín de los deseos del Japón contemporáneo”, que podrá verse hasta el próximo 23 de junio.

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El origen del deseo (nacimiento de los orígenes del deseo), 2019 Pigmentos, cola nikawa y papel japonés oguniwashi, 140 x 280

Mari Ito nace en 1980 en la ciudad de Tokio. En el año 2003 comienza sus estudios en Joshibi Daigaku, trasladándose en 2006 a Barcelona para continuar sus estudios en la Facultad de Bellas Artes. A pesar de que la artista ya había realizado exposiciones individuales y colectivas en su país de origen, es en esta ciudad donde se abre camino entre los circuitos artísticos: primero en la ciudad condal, más tarde en el resto de la península y posteriormente en París, Suiza, Estambul, Hong Kong, Singapur, Miami, Nueva York o Canadá. Desde el año 2011 expone en la galería japonesa Zeit Foto Salon, una de las más renombradas en el panorama artístico internacional.

El título de la muestra nos invita a pasear por uno de los espacios más representativos del país del sol naciente, como lo son los jardines. Asimismo, nos propone un viaje hacia el interior, no solamente del artista, sino del pueblo japonés contemporáneo” – afirma Alejandra Rodríguez, comisaria de la exposición.

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Mi origen del deseo, 2018 Pigmentos, cola nikawa, papel japonés, tinta china 33 x 41

En las obras de Mari Ito existe una temática con una larga tradición en la Historia del Arte y un fuerte arraigo en el arte japonés, como son las composiciones florales. Para la comisaria de la exposición, Mari Ito “recurre a la representación del nacimiento de flores (reales o inventadas), para expresar aquellas pulsiones innatas que existen y se manifiestan en cada uno de nosotros. Se sirve de estas `flores¿ para exteriorizar determinados deseos y emociones que, en algunos entornos, como puede ser el japonés, tienden a ser reprimidos en ambientes públicos”.

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El origen del deseo (nacimiento de los orígenes del deseo), 2019 Pigmentos, cola nikawa y papel japonés oguniwashi, 140 x 280
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Origen del deseo (deseos malos), 2012 Pigmentos, cola nikawa, papel japonés, tinta china y pan de oro,155 x 135

Como complemento a la exposición, se han programado distintas actividades didácticas, como son una visita a la exposición y un taller con Mari Ito al final de dicha visita, para conocer el proceso creativo de la artista japonesa. Destinada a público en general (mayores de 12 años), la actividad se realizará el día 10 de mayo, a las 18,00 horas, y el día 11 de mayo, a las 11,30 horas.  El aforo es limitado (máximo 15 personas) y la entrada es libre, por lo que hay que hacer la reserva previa en la recepción de la sala de exposiciones del Torreón Fortea, o en el teléfono 976 724200 y marcar la extensión 804401.

“El jardín de los deseos del Japón contemporáneo”

COMISARIA: Alejandra Rodríguez Cunchillos

FECHAS: 11 de abril al 23 de junio de 2019. 

LUGAR: Sala de exposiciones Torreón Fortea de Zaragoza.

Más información aquí.

Sitio web personal de Mari Ito.

Gracias a Alejandra Rodríguez por cedernos amablemente la información.

 

Intercity-Express y Nonotak embajadores del arte digital japonés en el festival MUTEK.ES

El festival internacional de creatividad digital MUTEK.ES celebra este año 2019, entre el 6 y el 9 de marzo, su décima edición en Barcelona. El festival, dedicado a difundir la creatividad digital en música y artes visuales, ha querido para esta edición que el arte digital japonés estuviese muy presente en Barcelona.

Fundación Japón, institución para la difusión de la lengua y la cultura japonesa, colabora apoyando la presencia de dos artistas que servirán como muestra del alto nivel del arte digital en Japón, Intercity-Express (Tetsuji Ohno), quien presentará su espectáculo de música y video proyecciones digitales Triggering (2018), y el músico-arquitecto Takami Nakamoto, miembro del dúo Nonotak junto a la ilustradora Noemi Schipfer, quienes expondrán una de sus últimas instalaciones, ZERO POINT ONE.

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Nonotak es la colaboración entre la ilustradora Noemi Schipfer y el arquitecto-músico Takami Nakamoto. Nonotak comenzó como un proyecto encargado por los arquitectos franceses Bigoni-Mortemard para diseñar un mural de vestíbulo para viviendas públicas en París; Desde entonces, su trabajo se ha mostrado en algunos de los festivales y galerías de arte más prestigiosos del mundo.
Juntos crean deslumbrantes instalaciones de arte visual que cobran vida, fusionan música electrónica, diseño de iluminación con luces estroboscópicas, sombras y múltiples pantallas integradas en estructuras que rodean a los artistas. Noemi y Takami confunden lo virtual y lo real en presentaciones hipnóticas con nombres como Daydream, Isotopes y Dream Collapse, creando un universo de sonido interactivo y metamorfosis ligera que envuelve no solo a los artistas, sino también al público.
Su estilo combina colisiones geométricas en arquitecturas de luz y sonido en instalaciones audiovisuales que exploran (y superan) los límites de la percepción humana. Fuente: Mutek

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Proyecto audiovisual del músico Tetsuji Ohno, nacido en Tokio. Ohno comenzó su carrera en la producción musical a finales de los 90, después de trabajar a mediados de los 90 como DJ en Tokio y sus alrededores. Simultáneamente, ha estado desarrollando trabajos de audio y video para presentaciones en vivo y publicidad. Su sonido tiene una fuerte influencia de sus experiencias en los géneros house, techno, noise y electrónica.

Ha sido invitado a festivales de música y medios de comunicación de todo el mundo, como MUTEK Scopitone (Francia), HPL (Rusia) y Sunscape (Matla). Adicionalmente, sus obras de exhibición han sido premiadas con premios como ARCHIVO (Brasil).

Al vivir en Japón, desarrolla continuamente nuevos proyectos que buscan conectar orgánicamente los sentidos humanos a través de experiencias de sonido integradas en lugares como los Museos Nacionales, en producciones de contenido artístico y comercial. Recientemente ha estado colaborando con el artista sonoro Shinichi Yamamoto en una variedad de proyectos. En esta ocasión nos presenta su último trabajo, Triggering (2018). Fuente: Mutek

ACTIVIDADES:

Masterclass de Nonotak en el Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya

Lugar: Escuela IAAC (Pujades 102, Poble Nou, 08005 Barcelona).

Fecha y hora: martes 5 de marzo a las 19.00h.

Entrada gratuita. Pulse aquí para solicitar plaza.

ZERO POINT ONE, instalación audiovisual de Nonotak en Roca Barcelona Gallery

Lugar: Roca Barcelona Gallery (Carrer de Joan Güell, 211, 08028 Barcelona)

Fechas y horarios: Inauguración miércoles 6 de marzo a las 19.00h.
Entrada: 12€. Para más información sobre la compra de entradas aquí.

Visitas: Desde el jueves 7 al domingo 10 de marzo de 9.00h a 20.00h.


Intercity-Express presenta su show Triggering

Lugar: Antigua Fábrica Estrella Damm (Carrer del Rosselló, 515, 08025 Barcelona).

Fecha y hora: sábado 9 de marzo – 19.00h (El evento comienza a las 13.00h y termina a las 22.00h y cuenta con la participación de varios artistas internacionales).

Entradas: 10€. Para más información sobre la compra de entradas aquí.

Más información en la web del festival.


Información cedida por el Departamento de Arte y Cultura de Fundación Japón.

Esculpiendo porno en madera. Entrevistamos al artista okinawense Taisei Otsuka

El pasado octubre de este año tuvimos la oportunidad de conocer y entrevistar a Taisei Otsuka en la galería Souvenir de la ciudad de Barcelona en una exposición paralela al marco de la feria de arte contemporáneo SWAB Barcelona 2018. Taisei nos llamó la atención por ser un escultor okinawense que esculpe en madera momentos y objetos de su vida cotidiana en la ciudad de Naha. Transmuta en madera desde revistas porno, hasta miembros de su familia, pasando por todo tipo de objetos y elementos que le inspiran en su día a día como artista en el archipiélago okinawense. Nuestro artista también expuso en el SWAB en un stand colectivo con sus compañeros Daichi Sato, Paula Fujiwara, Masaya Hiraoka y Cliff Miyagi de los estudios Arcade y One’s Room de Okinawa.

Os dejamos con una interesante entrevista donde este artista formado en la Universidad de Arte Prefectural de Okinawa y que ha llegado a exponer en el Museo Metropolitano de Arte de Tokyo, nos habla de su obra y reflexiona sobre el concepto de la desnudez en Japón.

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¿Qué hace que un artista okinawense quiera mostrar su arte más allá de Japón?

TAISEI: Todavía no puedo decir que como artista me sienta satisfecho pero, tras haber visitado España y otros lugares en Europa estos últimos meses, he regresado a Okinawa con fuerzas renovadas y con ganas de ponerme manos a la obra con nuevas creaciones para poder darme a conocer un poco más.

Aunque esto está cambiando, antes sólo podía hablarse de que el arte importante y que era líder en el mundo se hacía en Europa y Estados Unidos. Siempre andaba dándole vueltas a la cabeza y preguntándome por qué esto era así pero, últimamente he dejado de hacerlo. De repente me interesa y me preocupa más lo que tienen que decir Okinawa y Japón. Realmente quiero descubrir dónde reside el verdadero interés y la personalidad del arte que se hace aquí, en mi tierra natal.

Si “rebobinamos” o invertimos el proceso de fabricación de un trozo de papel, o en tu caso una revista porno o un comic manga, obtenemos un trozo de madera de lo que originalmente podría haber sido un roble o un arce. Esto lo despojaría de su contenido gráfico e intelectual. Sin embargo tú empleas la pintura como si quisieras recuperarlo mientras se mantiene la pureza de la madera original.

¿Cómo surge la idea para tus piezas PORNO (PINK) y PORNO (BLUE)?

TAISEI: Estas dos obras que mencionáis, PORNO (PINK) y PORNO (BLUE), están basadas en toda esa cultura de las revistas porno que existe y, a pesar de internet, perdura en Japón. El porno puede ser algo muy banal pero también de alguna forma es un producto cultural que n nos habla de temas como el género, la sexualidad o el deseo y la lujuria. Lo que he sentido haciendo PORNO (PINK) y PORNO (BLUE) es que estaba evidenciando y transformando en algo muy tangible y evidente asuntos como la sexualidad de los japoneses de hoy en día. Este ha sido mi objetivo e intención principal con ambas obras: materializar algo muy habitual de nuestra sociedad pero que esta se empeña en apartar de lo cotidiano, como se hace con muchos tabúes.

Tiene mucho sentido y es muy interesante la reflexión y analogía que hacéis, ya que al fin y al cabo el papel procede de los árboles y yo esculpo revistas cuyas páginas están talladas directamente en madera, material cuyo origen es el mismo. Siempre me ha gustado emplear la madera en mis esculturas, ya sea para tallar figuras humanas o para hacer estas revistas. Me encanta tallar en madera en parte por la afinidad que siento que tengo hacia las esculturas tribales y folclóricas.

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PORNO PINK, 2018. Las esculturas de madera de Taisei Otsuka se confunden a la vista con los objetos reales a los que estas representan.
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PORNO BLUE, 2018

Sin embargo, realizas esculturas en madera de mucha variedad de objetos. ¿Qué tipo de objetos pueden transformarse en madera dentro del universo Taisei y cuáles no? ¿Estos objetos son simplemente objetos o más bien los sentimientos y las emociones que despiertan en nosotros al verlos convertidos en madera?

TAISEI: Hay muchas cosas que me hacen decantarme por unos temas u otros para elegir el motivo principal de mis esculturas. Una de ellas es el estudio de lo efímero. Lo efímero puede ser pura y literalmente basura que se corrompe, y otras veces lo efímero es un momento irrepetible de la vida. Me siento inevitablemente atraído por este tipo de cosas y creo que tienen cierto valor que las hace importantes. En mi caso, intento transmitir esta sensibilidad e interés por lo efímero utilizando la escultura como medio.

Uno de tus proyectos buscaba retratar a familias reales desnudas y transformarlas en esculturas de madera. No hemos podido evitar acordarnos del recientemente fallecido fotógrafo chino Ren Han, quien también procuró romper esta frontera del pudor y la vergüenza familiar pidiéndole a su madre que posara desnuda para él.

La familia es un grupo de personas que pertenecen a generaciones muy distintas y que posee lazos muy fuertes entre sus integrantes. ¿Cómo se les consigue animar a dejar de lado durante un rato estos tabúes sociosexuales?

TAISEI: Eso siempre va a depender de la naturaleza de la persona. Está claro que cada persona es un mundo y no queda otra que aceptarlo. Por ejemplo, nosotros somos capaces de detenernos ante una obra de arte y formularnos preguntas sobre su realización o el significado de su mensaje. Tenemos ese aspecto en común y podemos comunicarnos en base a eso. Esta empatía que basa en la comunicación y la opinión libre de cada uno es la clave para conseguir la confianza mutua necesaria para realizar este tipo de trabajos.

En Japón podemos encontrar festivales como el Hadaka Matsuri (Festival Desnudo), donde los hombres participan tan solo vistiendo un pequeño taparrabos llamado fundoshi. Los luchadores de sumo ocultan sus genitales con un cinto denominado mawashi, pero pelean prácticamente desnudos. Además, existen festivales que celebran los genitales masculinos donde se pasean representaciones de figuras fálicas por las calles, como es el caso del Kanamara Matsuri.

Como artista japonés, ¿crees que esta concepción de la desnudez en Japón es una ventaja?¿Son los okinawenses más abiertos de miras que el resto de Japón?

TAISEI: Una vez más una pregunta muy interesante. El sumo y muchos otros matsuris japoneses parece que, a pesar de su carácter tradicional, presentan una mentalidad más abierta que la de la sociedad y el país en el que se enmarcan. Aunque me temo mucho que en el fondo simplemente se trata de formalismos que se han mantenido y no una forma de reivindicar el cuerpo humano. En el Japón de ahora, festivales como el Fundoshi/Hadaka Matsuri o el Kanamara Matsuri no son representativos de la desnudez, más bien algo extraordinario, una oportunidad de divertirse rompiendo con lo cotidiano. Es más una libertad como la de un baile de máscaras venecianas, un tiempo pactado durante el que puedes permitirte hacer ciertas cosas que el resto de días la sociedad no aceptaría.

Al fin y al cabo, y en mi opinión, el mawashi de los luchadores de sumo no representa más que su uniforme de trabajo y tampoco es mucho más nudista que un bañador de natación.

Tampoco creo que nuestros antepasados japoneses del periodo Edo, momento en el que surgieron estos matsuris, tampoco creo que fueran más abiertos de mente que nosotros. Por ejemplo, el extensísimo mundo porno de la estampa erótica clásica japonesa o shunga, cumplia la función de evitar las relaciones extramaritales, permitiendo que sus consumidores pudieran desahogarse. Se dice que incluso las esposas de la época las compraban para sus maridos, aunque puede ser que las compraran para ellas mismas también. En cualquier caso creo que este también es un poco el cometido del manga japonés actual y que sin duda supera a la propia sociedad japonesa y al resto del mundo en cuanto a apertura a temáticas sexuales de todo tipo y naturaleza.

Es difícil en estos temas encontrar diferencias verdaderamente sustanciales entre los habitantes de las islas de Okinawa y los de Honshu o el resto de Japón. Japón contiene en su interior una gran multitud de realidades muy distintas entre sí: por un lado grandes ciudades y por el otro zonas rurales donde todos los cambios se producen muy despacio. Tokyo mismo es como un crisol de culturas y con Okinawa pasa igual.

Si resulta que Japón es de color azul, Okinawa sería un tono azul diferente pero sin llegar a ser verde ni morado. Pero en realidad no sé si la gente en Okinawa es más abierta, aunque en mi opinión sí que creo que abunda la amabilidad y la cercanía más que en otras zonas de Japón y esto es algo que a mí mismo me sorprende.

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Suzuki Harunobu, 1770

La última semana de septiembre habéis viajado hasta Barcelona para exponer algunas piezas en la galería Souvenir en el barrio de Gràcia y también en la feria de arte contemporáneo SWAB en Montjüic. ¿Cómo ha sido la experiencia de exponer aquí?

¿ Puedes contarnos algo de algún proyecto actual o futuro?

TAISEI: ¡Me sorprendió y alegró mucho el calor e interés que el público español tuvo en mis piezas y mi técnica!

Puede decirse que el haber viajado fuera este tiempo ha hecho que me replantease muchos aspectos de mi vida en Okinawa. Como decía al principio ahora quiero centrarme y esforzarme más en desarrollar mi propia obra. Últimamente trabajo mucho los retratos. Soy profesor de pintura para niños de instituto y mis estudiantes están ahora realizando retratos muy interesantes e inspiradores. Me gustaría continuar por este camino para desarrollar también un nuevo proyecto. Aún no tengo ni idea de que se tratará o de cómo voy a hacerlo, pero solo el hecho de pensar en ello me llena y me motiva mucho.

Podéis conocer más sobre TAISEI en su Instagram y su sitio web.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.