Tamanaramen: ángeles y carnets falsos en los clubes underground de Tokio [Entrevista]

por Noa Cid

Los magnéticos susurros de la música de Tamanaramen hipnotizan en los conciertos y raves de la escena underground de Tokio. Esta artista, nacida en 2001 en la ciudad, lleva publicando música desde 2018. El pasado 2020 fue su año más prolífico hasta ahora, con los lanzamientos de su tercer, cuarto y quinto EP —“Mabatake”, “Sour cream” y “Future”—, además del single “Sennyo” en colaboración con el artista estadounidense ZAH. 

En enero de 2021 publicó también un nuevo single, “Fake ID”, acompañado de un vídeo dirigido por su hermana, la artista visual Hana Watanabe. Desde el principio, Hana ha dotado al proyecto Tamanaramen de una entidad visual única en perfecta sintonía con su música. Tanto es así que ambas han decidido que Tamanaramen será a partir de ahora un proyecto conformado por ambas, en el que música e imagen siempre irán unidas. 

Portada de «Future», el quinto EP de Tamanaramen, publicado en octubre de 2020. Artwork por Hana Watanabe.

Tamanaramen ha colaborado en las emisoras de radio online NTS y HKCR. Su música ha sido incluida en listas de reproducción de influencia internacional como “XL Play” del sello inglés XL Recordings, o la selección semanal de la revista i-D.  

Conocí la música de Tamanaramen poco después de mudarme a Tokio, y rápidamente se convirtió en mi artista favorita. Después de casi un año siguiendo de cerca su trabajo y el de su hermana, su música, sus directos y sus vídeos, acabé haciéndome buena amiga de ambas. Animada por hacer que el público español conozca y se enamore de Tamanaramen tanto como yo, les envié estas preguntas. 

Tamanaramen «Twitch pixie» por Hana Watanabe.

¿Cómo empezó el proyecto Tamanaramen? ¿Y de dónde surgió este nombre tan especial?

El nombre surgió a través del teclado predictivo [el que convierte hiragana en kanji al escribir en japonés] cuando creé mi cuenta de Twitter y me pareció apropiado. 

Comencé a hacer música porque quería recordar y grabar los eventos triviales y la atmósfera de la vida cotidiana. Desde el inicio, mi hermana Hana trabajó en el proyecto creando los artworks e imágenes. A partir de este año 2021, consideramos Tamanaramen como un proyecto de dos personas. Mi hermana y yo trabajaremos entendiendo sonido y vídeo como una unidad. 

En una ocasión leí que se referían a tu música como “ambient pop”. ¿Crees que es una definición adecuada? ¿Cómo defines tu música, qué géneros la inspiran? 

¡No sabía que mi música se considera “ambient pop” (risas)! Pero puede ser cierto. Mi género musical favorito es el ambient, y me han influido el techno, el house y el trap.

Tamanaramen actuando en la rave PURE2000 del colectivo SPEED en Kawasaki. Foto por © Noa Cid

Tus letras, que combinan frases en inglés y en japonés, son muy variadas: hay ángeles, hay fiestas, hay lugares evocadores. ¿Qué mensajes quiere transmitir al mundo Tamanaramen?

Lo que hacemos se centra en algo muy personal. No es un diario, pero se acerca a ese concepto. Por eso, me hace feliz que la persona que está escuchando pueda captar y conectar efímeramente con esos momentos.

Dime tres canciones de otros artistas o bandas que te gustaría haber creado tú.

“I’m Not In love” de 10cc, “Licking An Orchid” de Yves Tumor y “All The Things She Said” de t.A.T.u. 

Has colaborado ya con varios productores, como CVN o LSTNGT, y artistas como ZAH. ¿Con qué otros artistas, mainstream o underground, te encantaría colaborar alguna vez?

Me gustaría hacer una canción con Hikaru Utada.

Directo de Tamanaramen en la sala SPREAD en Shimokitazawa, Tokio, en octubre de 2020. Foto por © Noa Cid

En tiempos de pandemia, muchos conciertos y fiestas se están haciendo online, ya sea con restransmisiones en streaming o en espacios virtuales. ¿Cómo ves tú los conciertos del futuro? 

Creo que los eventos online serán más variados. Me pregunto por ejemplo si se popularizará la realidad virtual para este uso… ¡Pero yo quiero usar mi cuerpo y compartir espacio con otros a través de la música! 

¿Cuál es esa canción o disco que siempre escuchas cuando quieres sentirte bien? 

El mix de Salem de “I’ll Fly With You” y “Lifted” de Palmistry. 

Tamanaramen en concierto en la sala LIQUIDROOM en Ebisu, Tokio, en noviembre de 2020. Foto por © Noa Cid

¿Cuál es la música que más has escuchado en lo que llevamos de 2021? ¿Y cuál es el artista o banda de Japón que más te gusta actualmente?

He estado escuchando la música de Hideki Umezawa, él es mi favorito actualmente.  

Escucha a Tamanaramen en Spotify, Apple Music o SoundCloud.

Mira los vídeos de Tamanaramen en YouTube.

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Sigue a Hana Watanabe en Instagram.

Tokio clubbing, pero es 2020…

— Escrito por James Suarez. Trad.: José Fernández

Fotografías por © James Suarez

El año iba a ser 2020. Todo apuntaba a ello… y aún más después haber hospedado con éxito la Rugby World Cup. Tokio parecía más que lista y preparada para recibir y orquestar este verano uno de los eventos deportivos más grandes e importantes del mundo: las Olimpiadas de 2020. Las infraestructuras necesarias estaban listas y en su sitio. Todo en orden y bien colocadito. Se habían hecho los ajustes necesarios. Incluso el gobierno japonés había modificado su calendario de festivos nacionales para adaptarse bien a las fechas durante las que iba a transcurrir el evento. Hasta se habían modificado y aprobado algunas leyes… como lo de fumar en espacios cerrados, que se había prohibido para evitar problemas con la esperada entrada masiva de turistas procedentes de todo el mundo. Entonces viene lo jodido. Una pandemia global aparece y propina al ocio nocturno, con el más potente de sus ganchos, una hostia de las que a uno le cuesta recuperarse.

Tras el encierro el verano se acabó, llevándose por delante, entre otras cosas más importantes, a las famosas Olimpiadas… Pero, ¿qué ha pasado con la fiesta? ¿cómo está siendo el resurgir de la vida nocturna tokiota y la escena clubbing en la capital?

Tokio, agosto de 2020

Junio. Parece que ha pasado una eternidad. El gobierno japonés levantó el estado de emergencia y empezó aflojar con los negocios considerados como no esenciales. La vida urbanita comenzaba a recuperarse. Sin embargo, no salí por ahí de fiesta hasta julio. No pisé un club hasta mediados de ese mes y las fotos que veis aquí las he hecho desde entonces hasta ahora.

Tokio, agosto de 2020

Las discotecas y los bares, aunque con menos ruido y humo del habitual, volvieron a acoger en sus suelos pegajosos a clientes sedientos de alcohol y ritmos electrónicos. Eso sí, bajo medidas estrictas en las que no faltaban controles de temperaturas y maniobras de desinfección. A veces incluso te solicitaban proporcionar datos personales de contacto para advertirte en caso de que se confirmase que algún otro asistente había dado positivo… por covid-19. No me voy a meter en cómo de eficaces eran los métodos que vi. No sabría decir, pero si participando y haciendo lo que me pedían iba a significar más seguridad y que los negocios podrían estar abiertos y no arruinarse, estaba totalmente dispuesto a colaborar en tales procedimientos.

Tokio, agosto de 2020

Para muchos, el mantener la mascarilla mientras se pilla un pedo es prácticamente imposible. Algunos clubes de la ciudad disponían de atentos guardianes (aka. personal de seguridad) que iban a asegurarse de que los fiesteros se colocaran de vuelta la mascarilla sobre sus rostros… inmediatamente después de cada trago a sus respectivas bebidas. Sorbo, mascarilla, sorbo, mascarilla. Pero la noche avanza y la peña cada vez está más borracha. Y la gente borracha se ve que es menos autoconsciente y olvidadiza, por lo que a veces se les olvidaba lo de la mascarilla después de cada ración de vodka (aka. sake). La mitad de las veces terminaba con la escena típica de un grupo de amigos en los que unos pocos gritan a los otros, haciéndose oír como pueden por encima de la música a toda hostia , que se pusieran la mascarilla.

Tokio, julio de 2020

Es verdad que algunos asistentes a estos clubes optan por no usar protección en absoluto. Mascarillas, me refiero. Sin embargo, a medida que pasa el tiempo, poco a poco parece que ha ido calando el mensaje de que la mascarilla va sobre la cara y no sobre otras partes de sus cuerpos.

Tokio, agosto de 2020
Tokio, agosto de 2020

Las multitudes que veo en los clubes nocturnos parecen pertenecer al club privilegiado de ser jóvenes. Personas que, en principio, son más fuertes y resistentes ante esta enfermedad del covid-19. Por otro lado, lo cierto es que todos los garitos y clubes a los que he asistido este verano en Tokio siempre tenían limitación de aforo, básico para evitar que se petaran, y que corriese el aire, procurando la mayor ventilación posible.

Tokio, julio de 2020

Todavía es difícil decir cuál será el futuro que depara a la escena clubbing de Tokio. Siguen siendo momentos extraños y se viven situaciones ambiguas. Lo que yo veo es que las calles cada vez están más ajetreadas a cada fin de semana que pasa y que el ritmo frenético vuelve a ser precisamente eso. Vamos, que los garitos vuelven a estar a tope. Sin embargo, no hay cura del virus a la vista. No sabemos cuándo aparecerá o si es que lo hará pero, una cosa está clara, la «nueva normalidad» ya existe en los clubes de la capital, de esta forma tan peculiar como esperable. Sé que hay muchos países repartidos por el planeta que aún siguen confinados. Lo sé y por eso estoy agradecido de poder estar viviendo la incomodez de la nueva noche de Tokio, por que sea más relevante o menos para el futuro de la humanidad o incluso para la economía global, representa los intentos que estamos haciendo todos por seguir bailando, por seguir adelante. Por mantener la escena viva.

Tokio, agosto de 2020

Ah, y recuerda que, si estás buscando aventuras de alcohol y desenfreno romántico, la monogamía, en estos momentos, es la mejor opción…

Tokio, agosto de 2020

Y llevar mascarilla no tiene porque no haceros sentir fabulosos…

Tokio, agosto de 2020

¡Tampoco el distanciamiento social debería impediros bailar… pero separados, eh!

Fotografías por © James Suarez. ¡Podéis seguirme en mi web, Instagram y tienda online!

La electrónica visual de Ryoichi Kurokawa en el primer L.E.V. MATADERO Madrid

Fundación Japón colabora con la primera edición de L.E.V. Matadero, estreno en Matadero Madrid del L.E.V. Festival que este año celebraba en Gijón, su sede habitual, su decimotercera edición. Entre el jueves 17 y el lunes 20 de octubre diferentes espacios de Matadero Madrid (Nave 16, Nave 0, Cineteca Madrid y Plaza Matadero) acogerán la innovadora programación de L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual), plataforma especializada en la producción y divulgación de la creación sonora electrónica y su relación con las artes visuales.
Producto de la colaboración de Fundación Japón el artista japonés Ryoichi Kurokawa visitará L.E.V. Matadero el viernes 18 para presentar su último y espectacular proyecto, subassemblies, un concierto audiovisual sobre la relación entre la naturaleza y las creaciones humanas, a través de una perspectiva de escala arquitectónica. Además, para poder disfrutar completamente de esta pieza, y de las diferentes actividades que allí se desarrollarán durante el Festival, la Nave 16 contará con Soundscape, un sistema de sonido inmersivo diseñado por d&b audiotechnik, que permitirá escuchar y sentir de una forma única todas las propuestas que tendrán lugar en este espacio.

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Fecha y horario: viernes 18 de octubre. Hora por determinar.
Lugar: Nave 16 de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 14. 28045 Madrid).
Entradas: 25 euros. La entrada da acceso a todos los espectáculos presentados en la Nave 16 durante el viernes 18 de octubre. Más información sobre entradas aquí.

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— ruins : the remains of human-made architecture —

subassemblies es un concierto audiovisual sobre la relación entre la naturaleza y las creaciones humanas, a través de una perspectiva de escala arquitectónica.
Esta pieza se compone principalmente de datos 3D capturados con escáneres láser, y vídeos de naturaleza, ruinas y arquitectura creada por el hombre, distorsionados y reconstruidos en módulos como subconjuntos (subassemblies) para crear una línea temporal renovada, compuesta por capas de orden y desorden, que muestra la fuerza de la naturaleza y la del arte.
Ruinas, edificios invadidos por la naturaleza y obras arquitectónicas en deterioro se superponen y reconstruyen de forma dinámica, y todas las distintas capas de rarezas que aparecen expuestas en toda su profundidad aumentan la percepción de que estamos flotando, no solo entre la naturaleza y la creación humana, sino también entre los fenómenos abstractos y concretos durante su transición, destrucción y renaturalización. Los movimientos como la anulación de la ley física, los híbridos entre componentes naturales y artificiales, y la transposición de entropía y neguentropía potencian aún más dichas rarezas.

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Still from subassemblies © RYOICHI KUROKAWA. All rights reserved. Studio RYOICHI KUROKAWA Berlin, Germany. studio@ryoichikurokawa.com

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Ryoichi Kurokawa

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© Fotografía por Nina Lüth (MUTEK.ORG)

El artista japonés Ryoichi Kurokawa compone con luz y sonido, usando materiales generados de forma analógica y digital para crear instalaciones audiovisuales que desafían al tiempo, proyecciones en vídeo, grabaciones de audio y performances que fusionan múltiples canales de imágenes y sonidos en una sola entidad, que existe en continua evolución.
Kurokawa siempre ha buscado inspiración en la naturaleza, para explorar los logros que surgen cuando las realidades físicas que observamos y vivimos se mezclan con realidades interpretadas electrónicamente. Kurokawa empezó a experimentar con la sinestesia en instalaciones audiovisuales durante la década de los 90, superponiendo los sentidos del sonido, la vista y el tacto en instalaciones y performances. Su estilo inquisitivo le llevó a integrar en su obra investigaciones científicas sobre la materia, el tiempo y la naturaleza del universo, como su reciente colaboración directa con astrofísicos expertos en formaciones estelares para ad/ab Atom, una instalación de atronadores drones e interferencias que se combinaban con múltiples pantallas parpadeantes; un viaje abstracto por el microverso, alimentado por datos nanocientíficos, imágenes y códigos. Su reciente serie elemental de reproducciones digitales y naturales reorganiza la vida, la muerte y el (re)nacimiento por medio del método “oshibana” de prensado de flores. Durante más de una década, Kurokawa ha expuesto su innovadora obra en solitario o en exposiciones colectivas en galerías y museos de todo el mundo, así como en importantes festivales internacionales. Es un artista y músico autodidacta que ha colaborado con músicos como Ryuichi Sakamoto, Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi de Yellow Magic Orchestra, así como con artistas techno como Aoki Takamasa y Yoshihiro Hanno. (Fuente: L.E.V. Matadero)

 

Sitio web de Ryoichi Kurokawa

Información cedida por Fundación Japón.

Música electrónica japonesa en FAN NAVES. El festival de electrónica made in Asia de Matadero Madrid

Fan Naves, Festival de Música Asiática Avanzada, trae a Matadero Madrid lo mejor de la electrónica y el sonido experimental.

El festival reunirá por primera vez en un mismo día a tres mujeres de referencia en la electrónica asiática y mundial: Kyoka, Pan Daijing y Hito Dj. También estarán presentes, entre muchos otros, los japoneses Yousuke Yukimatsu, referente de la electrónica gracias al equilibrio que ha encontrado entre exploración y ritmo, y Yosi Horikawa, el hombre de las miniaturas, que genera sonidos con elementos cotidianos y de la naturaleza.

En total, 10 horas ininterrumpidas de la mejor música electrónica y experimental de todo Asia.

El festival comienza el día 10 con los coreanos Tacit Group grupo que crea en directo trabajos audiovisuales basados en algoritmos, imágenes y sonidos. Otros nueve artistas se darán cita el día 11 en la Nave 11 a partir de las 21h, con un total de diez horas ininterrumpidas de la música asiática más contemporánea y vanguardista.

El festival reúne por primera vez a tres de las mujeres referencia en la electrónica mundial: Kyoka, Pan Daijing y Hito Dj.

La súper estrella de la música electrónica japonesa Hito Dj ha sido una de las artistas habituales, desde 2012, en las noches «Richie Hawtin presents ENTER» en Space Ibiza, evento que ganó los premios DJ Awards a la mejor noche en Ibiza en dos años consecutivos. Habitual de los mejores clubs de Alemania y Japón, tras pasar por Coachella y Naves Matadero en 2018 (con un sold out), regresa a emocionar al público. La artista china Pan Daijing ha actuado en los escenarios de la electrónica más importantes del mundo, incluido el Sonar. Llega a Fan Naves para mostrar Fist Piece, un concierto que estrenó en Kraftwerk de Berlín y que ha pasado por el Barbican de Londres, entre otros templos. La vanguardista música de la japonesa Kyoka se caracteriza por su experimentación con el sonido y sus influencias orientales, americanas y europeas recibidas a lo largo de su trayectoria. Fue la primera mujer fichada por Raster-Noton, el sello referente de la electrónica más elevada.

La música electrónica en Irán, Singapur, China y Tailandia

The Guardian ha dedicado solo hace unas semanas un reportaje a la música electrónica iraní y es que es ahora mismo un gran hervidero de la música más avanzada. Sote, el creador de la música electrónica más importante de Irán cuenta el éxito de SET Festival de Teherán del que es cofundador. En Naves Matadero presentará su último álbum Sacred Horror in Design, aclamado por su búsqueda y su desafiante fusión de la electrónica con la música clásica iraní.
Por otra parte, FAN Naves presenta a Fauxe, uno de los músicos y productores más prolíficos de Singapur. Con frecuencia, colabora con otros artistas y utiliza músicas tradicionales de Singapur que fusiona con R&B, hip-hop y bases electrónicos. En el campo de batalla que es la música contemporánea, la música de Fauxe es todo un desafío.

Han Xiaohan es un músico y compositor de música contemporánea que adopta elementos de la música folclórica del noreste de Asia. Para investigar la música mitológica chamánica, visita numerosas aldeas manchúes remotas de China y Mongolia, realizando grabaciones de campo. La percusión, las voces, la naturaleza y los efectos de sonido crean un aura misteriosa, desolada y etérea como un todo.

El estilo de Koichi Shimizu, uno de los artistas sonoros más importantes que viven en Tailandia, se puede describir como una mezcla de electrónica, con sonidos industriales y experimentales. Una bomba explosiva musical. Activo en la electrónica desde finales de los 90, ha colaborado con diferentes artistas (Inner8, Constant Value, etc) siendo su relación con el director Apitchatpong Weerasethakul (premiado con la Palma de Oro en Cannes) la que más fama internacional le ha otorgado.

Exploración, ritmo y objetos cotidianos

El cartel de FAN Naves se completa con el japonés Yousuke Yukimatsu, un referente de la electrónica gracias al equilibrio que ha encontrado entre exploración y ritmo. Y Yosi Horikawa, artista japonés con un don para convertir objetos cotidianos en improvisados instrumentos de música y para transformar sonidos grabados en medio de la naturaleza, como el canto de los pájaros, en una pieza musical.


HITO DJ

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La súper estrella de la música electrónica japonesa Hito ha sido una de las artistas habituales, desde 2012, en las noches «Richie Hawtin presents ENTER» en Space Ibiza, evento que ganó los premios DJ Awards a la mejor noche en Ibiza en dos años consecutivos. Durante estas fiestas, vestida siempre con kimonos de seda, Hito ha conquistado a los invitados de la zona ENTER.Sake, una sala inspirada en un bar de sake japonés, con sus sesiones de electrónica de avanzada confeccionadas 100% en vinilo. Habitual de los mejores clubs de Alemania y Japón, tras pasar por Coachella y Naves Matadero en 2018 (con un sold out), regresa a emocionar al público.

Nacida en Japón, se trasladó a Berlín en 1999 donde desarrolló su pasión por la música. Seducida por la escena de la capital alemana ha pinchado en diferentes clubes underground de la capital alemana como Suicide Circus o Fiese Remise y en Womb (Tokio) y Circus (Osaka) de su Japón natal. Además ha puesto a bailar al público del BPM Festival en Portugal, Tomorrowland en Bélgica, Sonus y ULTRA / Resistance en Croacia. En agosto comenzó su propia serie de eventos ‘OTO’ en IPSE en Berlín.

KYOKA

kyokacoveracchikeiLa vanguardista música de la japonesa Kyoka se caracteriza por su experimentación con el sonido y sus influencias orientales, americanas y europeas recibidas a lo largo de su trayectoria. Sus grabaciones de campo, ‘glitches’ y distorsiones vocales desbordan energía e invitan al baile. Además de haber pasado por todos los festivales de referencia cabe destacar que fue la primera mujer fichada por Raster-Noton, el sello referente de la electrónica más elevada. Ryuichi Sakamoto ha destacado su talento diciendo: “¡Pánico! Suena como una caja de juguetes puesta del revés. ¿Cómo es capaz de crear sonidos tan bellos y caóticos? ¡La adoro!”.

YOUSUKE YUKIMATSU

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El japonés Yousuke Yukimatsu comenzó como DJ en 2008 y tuvo su primera gran oportunidad en 2014 cuando tocaba con DJ Nobu y NHK’Koyxen. En la actualidad es un referente de la electrónica gracias al equilibrio que ha encontrado entre exploración y ritmo.

KOICHI SHIMIZU

Koichi Shimizu

El estilo de Koichi Shimizu, uno de los artistas sonoros más importantes que viven en Tailandia, se puede describir como una mezcla de electrónica, con sonidos industriales y experimentales.
Una bomba explosiva musical. Activo en la eclectrónica desde finales de los 90, ha colaborado con diferentes artistas (Inner8, Constant Value, etc) siendo su relación con el director Apichatpong Weerasethakul la que más fama internacional le ha otorgado. Tras pasar por Naves Matadero, realizará una residencia artística en AADK España – Residencia de Artistas La Negra – Centro Negra en Murcia.

YOSI HORIKAWA

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Yosi Horikawa tiene un don para convertir objetos cotidianos en improvisados instrumentos de música y para transformar sonidos grabados en medio de la naturaleza, como el canto de los pájaros, en una pieza musical. Comenzó a hacer música los 12 años grabando en su habitación su habitación junto a golpecitos en el lateral de su cama a modo de percusión. Desde entonces, para este artista japonés los pequeños detalles hacen de sus creaciones algo único y lleva al público a un viaje excepcional.

 

Lugar: Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas (Naves 10 y 11).
Fecha: Viernes 10 y Sábado 11 de mayo de 21.00h a 06.30h.
Entradas: 15€. Podéis consultar fechas, horarios y comprar entradas aquí.

VIERNES 10:
20:30h TACIT GROUP

SÁBADO 11:
19:00h TACIT GROUP
21:00h YOSI HORIKAWA
22:05h FAUXE
23:15h SOTE feat. Tarik Barri
0:20h KYOKA
1:30h PAN DAIJING
2:15h HITO (PLAYdifferently, OTO)
3:25h KOICHI SHIMIZU
4:20h YOUSUKE YUKIMATSU
5:30h XIAO HAN
*Horario sujeto a cambios.

Información cedida por Matadero Madrid.

Turismo por el Japón de la música electrónica con el documental ‘Japan City Guides’

La célebre y británica plataforma musical Resident Advisor, junto con con el apoyo y producción de la JNTO – Oficina Nacional de Turismo de Japón, han elaborado una campaña turística magnífica para el país nipón tomando como elemento fundamental la música electrónica japonesa, sus músicos y los espacios que esta ocupa en distintas ciudades del archipiélago.

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La relevancia de la música electrónica japonesa

La música electrónica es a menudo sinónimo del mundo nocturno. Y me atrevo a afirmar que Japón, que puede ser considerado padre de la técnica de este tipo de producción musical, es sinónimo de música electrónica. Al terminar la Segunda Guerra Mundial, Japón tuvo que lidiar con el yugo de la ocupación estadounidense y su intervencionismo en la política e industria del país. La economía fue reconducida hacia la producción industrial y tecnológica en un importante porcentaje. Este episodio socialmente traumático de la historia japonesa definiría muchas de las características que a día de hoy son tradicionalmente atribuidas a la sociedad japonesa. Esto es, su convicción por un desarrollo tecnológico que facilite la vida y que esté al servicio de las personas.

Este periodo sería clave para el florecimiento de muchos movimientos artísticos colectivos como Gutai o High Red Center, el surgir de nuevas formas de danza como lo es el butou y por supuesto, la transformación de la música con la adopción de estilos occidentales. Este largo periodo de posguerra sería testigo de los primeros momentos de la música electrónica japonesa. El elemento que marcaría el antes y después en la música japonesa sería el theremin, desarrollado en los años 20 por el ruso Léon Theremin y que es considerado como el primer instrumento de música electrónica de la historia.

El gobierno japonés, bajo la supervisión de Estados Unidos, llevaría a cabo campañas de apoyo a la música invirtiendo en el desarrollo de instrumentos musicales de alta calidad. A día de hoy Japón cuenta con numerosas marcas punteras en la fabricación de instrumentos musicales cuya alta calidad es reconocida en todo el mundo. Un destacado compositor japonés llamado Minao Shibata (1926-96) escribiría diversas publicaciones sobre el futuro de la música y sus instrumentos y como si de una premonición se tratase, Akio Morita, cofundador de Sony poco tiempo después se convertiría en el padre del G-Type, que se constituye como primer dispositivo electrónico moderno de grabación de sonido en cintas. Shibata, haciendo uso del G-Type fundaría el que se considera el primer grupo de músicos que comenzaría a experimentar con la electrónica. Tampoco sería comprensible la existencia del techno ni la electrónica moderna si no hubiera tenido lugar la empresa japonesa Roland con sus secuenciadores TR-303 y TR-909 o Korg y Yamaha con sus sintetizadores y teclados electrónicos. En definitiva, estos elementos son un importante legado para la fundación y posterior desarrollo de la electrónica japonesa y su repercusión permitió la evolución de este género en el resto del mundo.

Hoy, los artistas y músicos de electrónica japoneses, después de la crisis del clubbing en Japón durante los 2000, reciben un cada vez mayor reconocimiento internacional y algunos de ellos se consideran verdaderos embajadores y paradigmas de ciertos subgéneros dentro de este espectro musical. No es momento en esta entrada de nombrar ejemplos concretos, ya que son muchísimos, pero sí de tener en cuenta que el revival del club y del techno en Japón progresa más que adecuadamente y que tiene un futuro asegurado. Otra faceta que hace especial a la música electrónica japonesa es la profunda y paulatina hibridación de esta con otras artes. Japón es un país puntero en lo que se refiere a la combinación de música y arte digital y nadie discute eso cuando atendemos a figuras como Ryoji Ikeda, Itaru Yasuda, Hiroaki Umeda o Daito Manabe, por mencionar tan solo a unos pocos.

Adios fueiho. Hola música

Atrás quedaron los tiempos donde se vendía la polémica de las prohibiciones relacionadas con la Ley de Moral Pública o Fūzoku Eigyō Torishimari Hō, comúnmente abreviada como fueiho. Bailar en Japón no es ilegal como muchos medios sensacionalistas quieren continuar transmitiendo, acentuando casos aislados, simplificando gravemente una situación cuanto menos compleja y magnificando de forma poco realista los contenidos de una ley que atiende más a asuntos relacionados con la explotación sexual, el juego y las apuestas o el narcotráfico. Hoy, desde el gobierno japonés y su Oficina Nacional de Turismo se reivindica la escena clubbing del país y se pone en valor la calidad de la música de sus artistas.

Por otro lado, la escena del clubbing en Japón, que tuvo su mayor exponente en los 80 y 90 y que está viviendo actualmente un verdadero resurgir con la nueva ola del dance y del techno, es sana, y rica, y aunque la fueiho no ha desaparecido completamente la policía tradicionalmente ha hecho la vista gorda en aquellos lugares donde las personas simplemente acuden a disfrutar de la música, beber algo y a mover un poco los pies. Es absurdo pensar que fueiho es una ley relevante para la merma de este tipo de actividades cuando Tokyo y Osaka son verdaderos referentes mundiales de la electrónica. Es cierto que la polémica existió, que movilizó a muchos músicos y que fue origen de un intenso debate pero, en la práctica real, la problemática se presenta cada vez más resuelta y la discusión algo desfasada.

¿Qué es Japan City Guides?

La célebre y británica plataforma musical Resident Advisor, revista esencial para todo aficionado a la electrónica y punto de venta de entradas para sesiones en todo el mundo, con el apoyo y producción de la JNTO u Oficina Nacional de Turismo de Japón, cuya sucursal española se inauguró en 2017, han perpetrado una magnífica campaña turística para el país nipón tomando como elemento fundamental la música electrónica y los espacios que esta ocupa en distintas ciudades del archipiélago.

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La propuesta Japan City Guides reúne a cuatro artistas japoneses, todos ellos músicos de electrónica de gran reconocimiento fuera y dentro de Japón. Cada uno de ellos nos guía por locales de moda o de culto dentro del mundo de la música electrónica japonesa y que son también representativos de la escena club de cada una de las ciudades por las que nos hacen de guías. Tokyo, Kyoto, Osaka, Sapporo y Nagoya son las ciudades a las que viajamos como turistas musicales en una serie de cuatro pequeños documentales en YouTube a través de los cuales los músicos protagonistas nos cuentan curiosidades,  nos descubren lugares desconocidos y alternativos o nos presentan a los dueños de estos templos de la música electrónica en Japón.

Quizás el más reconocido a nivel internacional de los participantes de Japan City Guides sea AOKI takamasa. Podríamos considerar a Takamasa como el artista y embajador japonés del Intelligent Dance Music o IDM. El IDM es un género de vanguardia y experimentación que presenta un gusto por las melodías quebradas y los acordes disonantes. Nacido en Osaka, Aoki Takamasa busca expresar con su música (y fotografía) la naturaleza del ser humano y el conflicto entre cuerpo e intelecto. Actualmente colabora con la banda de rock alternativo Sakanaction, así como con la firma de moda Anrealage, para quienes realiza el diseño de sonido para sus desfiles en las pasarelas más importantes del mundo. Experimental en el sonido y fascinado por la vanguardia y los retos que depara el futuro, AOKI takamasa, nos guía por su particular y musical Osaka. Takamasa destaca el carácter de las gentes de Osaka como uno de los más peculiares del país «en el buen sentido» según sus palabras. Defiende la creatividad de su tierra y cómo Osaka siempre se muestra abierta e interesada por las vanguardias, no solo en el sentido musical. Su parte del documental es casi como estar una cita íntima con el artista. Nos toma de la mano y nos lleva al peculiar Compufunk, su tienda de discos y sala de conciertos con pizza casera favorita de la ciudad. Incluso lo acompañamos a echar unas carreras en unos karts para después mostrarnos el mítico Circus, uno de los mejores clubes de techno de la ciudad. También visitaremos Kyoto, de la cual Takamasa destaca su rica cultura underground y la presencia de locales destinados a la música electrónica experimental y de culto.  Nos descubrirá allí un curioso y desconocido garito llamado Soto, regentado por la banda de música experimental Kukangendai y la subterránea galería de arte Y Gion que durante la noche se transforma en un moderno club de electrónica.

 

Más Japan City Guides

Lo anterior es solo una muestra. En Japan City Guides también conoceréis Tokyo de la mano de la DJ Akiko Kiyama, Sapporo junto a DJ DYE o la escena de Nagoya junto a Takahide Higuchi, aka Foodman. Desde acchiKei.com os animamos muy fuerte a que veais los documentales. Se trata de un trabajo con un nivel de producción muy fino y altamente disfrutable, con valor cultural y sobre todo de interés turístico para todos aquellos que busquen lugares donde poder vivir y disfrutar la electrónica en Japón.

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Podéis hacer clic aquí para visitar el sitio web oficial de Japan City Guides, donde encontraréis el resto de vídeos y listas de reproducción de Spotify creadas por los músicos protagonistas y que buscan ilustrar la atmósfera que les inspira cada ciudad.

Sitio web de Resident Advisor

Sitio web de la Oficina Nacional de Turismo de Japón

 

 

 

 

Supercodex de Ryoji Ikeda este febrero en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

El artista visual y compositor japonés capaz de leer las infinitas relaciones entre arte y tecnología y materializar de manera fascinante el sonido de la información y la información del sonido, por primera vez en Madrid con su último trabajo: Supercodex. Un directo audiovisual que se mueve entre lo experimental y el Techno abstracto en una intensa experiencia sensorial única e hipnótica dentro del universo binario de los números y las imágenes.

Hay quien le define como el Mozart de la performance digital electrónica y de la música audiovisual actual. Y lo cierto es que es uno de los compositores más innovadores de la escena contemporánea y uno de los exponentes más radicales del universo matemático de la editorial alemana Raster-Noton, además del referente mundial y el pionero de la nueva música electrónica minimalista integrada con otras artes y la ciencia.

El artista visual y músico japonés Ryoji Ikeda (1966, Gibu) formará parte de la programación de la X Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Acontemporáneas (MADATAC), para ofrecer un concierto audiovisual único en la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes (CBA) el 23 de febrero (20h.). Gracias a la Muestra, por primera vez en Madrid se podrá ver y escuchar Supercodex, un concierto audiovisual que toma su título del álbum homónimo y completa la trilogía iniciada en Dataplex (2005) y Test Pattern (2008) para concluir de manera extrema los resultados de una compleja investigación sobre la relación dual entre el sonido digital y su traducción a datos informáticos. Porque, después de casi 20 años de investigación, 8 álbumes, publicaciones y un mayor número de instalaciones ambientales y actuaciones en directo donde su video arte sonoro se convierte en una experiencia perceptiva, si algo define a
este músico inusual es su capacidad y profundidad para leer las infinitas relaciones entre arte y tecnología y para crear una matemática del sonido a partir de principios aritméticos que permitan modificar logaritmos de manera expresiva, elaborando representaciones visuales y sonoras de la información que contienen.

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¿Qué es lo que más interesa hoy en día en el mundo empresarial y en el imaginario colectivo del arte contemporáneo? Acaso los datos, su flujo y su movimiento. Por eso Ikeda logra materializar de manera fascinante el sonido de la información y la información del sonido. Y lo hará en MADATAC, en un directo multitudinario en el CBA que, en la línea de los experimental y el Techno abstracto, garantiza una intensa experiencia sensorial hipnótica en el universo binario de los números y las imágenes. Orquestando sonido, imágenes, materiales, fenómenos físicos y nociones matemáticas, en Supercodex construye, mediante diversos fragmentos, un flujo que aúna las dimensiones visual y auditiva, y revela, entre códigos y cálculos, un corazón palpitante adentrándose en un mundo de belleza desconocida, así como la esencia aritmética y computacional del sonido. Pionero en trasladar la electrónica a lugares donde nunca nadie se ha atrevido, Supercodex se presenta en Madrid como “un concierto fácilmente equiparable, como dicen los expertos, a un viaje astral, algo muy diferente a lo que nadie haya visto antes”, afirma el director de MADATAC, Iury Lech. Ikeda actúa y expone en los museos más importantes del mundo, entre ellos el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, Museo de arte de Singapur, Ars Electronica Center Linz, Elektra Festival Montreal, Sonar Barcelona, Aichi Triennale Nagoya, Palazzo Grassi Venecia, Barbican Center Londres, DHC/Art Montreal, MoMA Nueva York, Metropolitan Museum of New York, Experimento Kyoto, etc.

-Fecha y horario: 23 de febrero de 2019, a las 20:00 h.

-Lugar: Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Calle de Alcalá, 42

-Venta de entradas en la web del CBA


Información cedida por el Departamento de Comunicación del Círculo de Bellas Artes.