Hablamos con la artista Maya Nukumizu. Superheroínas en un mundo de violencia y psicodelia

my_twisted_time

Maya Nukumizu es una artista plástica nacida en Kioto en 1982. Su arte oscila entre una psicodelia pop muy particular que bebe directamente de la estética manga bishojo. Nukumizu retrata a menudo la figura de las chicas adolescentes en la sociedad actual, donde son hipersexualizadas. La artista crea un propio universo que, marcado por la guerra y la violencia, es salvado por heroínas que luchan contra personajes malvados y villanos. Aunque su universo es una creación propia, Nukumizu insiste en que no es tan diferente del mundo en el que vivimos. El horror de la guerra puede brotar en cualquier momento y cualquier lugar, por lo que no conviene olvidar los errores del pasado.
Es discípula del célebre pintor Keiichi Tanaami (1936, Tokio), considerado pionero del pop art en Japón. De él ha aprendido todo lo que hay que saber del arte. Sin embargo, Maya Nukumizu también tiene formación en el campo del diseño y la publicidad. Ha ejercido como profesora en la Universidad de Arte y Diseño de Kyoto y ha realizado exposiciones de sus obras también fuera de Japón. Marcas reconocidas internacionalmente han comenzado a fijarse en sus obras y en los últimos tiempos ha realizado trabajos con Adidas, al igual que su maestro Keiichi Tanaami, quien tiene una línea de ropa con dicha marca.

Comenzamos…

¿Cómo fue tu primer contacto con el arte? Tu estilo es muy particular, ¿podrías decirnos de dónde viene? ¿Cómo lo definirías?

M.N.: Mi padre era escultor y por eso teníamos un taller en casa. Para mí, desde pequeña, era habitual el ir a ver exposiciones y museos junto a mi familia. También crecí en un barrio de Kioto, alejado del centro, donde vivían y se reunían artistas de la ciudad. Podría decir que antes de saber lo que era el arte, este ya estaba en mi vida.
Cerca de mi casa, en nuestro barrio, también había una fábrica donde se hacían figuras de series de animación para parques de atracciones. En esta fábrica, los trabajadores leían muchos mangas y luego los dejaban tirados por allí… Yo los iba a buscar a la basura y leerlos en plan ninja. A escondidas. Junto con otros niños del barrio nos colábamos en la fábrica cuando ya no estaban los trabajadores. Lo recuerdo como si fuese hoy y con mucho cariño. Allí descubrí los impactantes mangas de Kazuo Umezu. Por aquel tiempo, cuando estaba en primaria también descubrí el famoso manga shojo Sailor Moon. Era lo más popular del momento y yo, por supuesto, estaba completamente enganchada. En resumen, si hay algo que describe mi infancia es que la pasé con la cabeza metida en los mangas.
Al final de la primaria, todos los niños de la clase tuvimos que escribir lo que queríamos ser de mayores. En mi caso lo tenía muy claro: quería ser artista. Pero no un artista que hiciera cosas clásicas y complicadas. Quería utilizar el estilo sencillo del manga y hacer arte con este.
Ya en secundaria, me pasaba el día copiando los mangas que me gustaban, mejorando mi dibujo. Fue por aquella época cuando decidí que algún día dibujaría mi propio manga. Sin embargo, para hacer un buen manga hace falta una buena historia y una buena estructura, cosa que no se me daba nada bien. Así que decidí abandonar mi sueño de convertirme en mangaka y dedicarme simplemente a dibujar.
Otro de mis mangas favoritos, y que más tiempo pasaba dibujando, era Rurouni Kenshin. Practicaba todos los días, copiando sus dibujos en mi cuaderno. Por alguna razón, me había obsesionado con la forma en la que el mangaka dibujaba los ojos a sus personajes.
Aún hoy no sé por qué tenía esa necesidad tan fuerte de dibujar pero, recuerdo esa energía como si fuese un primer amor, que nunca se olvida. Creo que el origen del deseo de convertirme en artista, proviene de aquellos momentos. He querido crear nuevas formas de expresión, utilizando un estilo manga dentro de mi arte, como cuando estaba en primaria y escribí en la escuela cual era mi sueño de futuro.

sirens

Una de las principales temáticas que trabajas es la de la sexualización de la mujer, representada de una forma muy psicodélica y surrealista.

M.N.: Me considero una persona tímida, algo impaciente e insegura. Siempre he odiado esa parte de mí, esa debilidad. Sin embargo, cuando dibujo o pinto, siento que me vuelvo más fuerte y que nada puede afectarme… Entonces es cuando Marguerite viene a mi mente. Marguerite es un personaje que un día apareció en mi cabeza y materialicé sobre el papel. Marguerite siempre acude a mi rescate para protegerme de todas esas emociones negativas, como si de una superheroína se tratase. Es solo un personaje que inventé pero, por algún motivo, me inspira y me da fuerzas.
Cosas horribles ocurren en el mundo a diario y siento que mi opinión sobre estas depende de aquello que leo en internet y redes sociales. Internet está muy saturado y es un verdadero mar de información. A veces es un lugar divertido. Otras veces, aterrador. Y aquí en este país donde vivo, Japón, Internet es muy poderoso y sofocante. No hay forma de huir de él. Los problemas que tiene la mujer en la sociedad son evidenciados también en internet y están constantemente presentes, por lo que tampoco supone un lugar relajado ni de tregua para nosotras. En internet, como mujer, siempre tengo la sensación de que estar expuesta a los ojos y juicios ajenos y me temo mucho que hay más mujeres a las que le pasa lo mismo.
Parece que no queda otra en esta sociedad en la que vivimos.
Hay muchas de mis obras que representan luchas de personajes femeninos contra supervillanos y monstruos. Es una forma de combatir esta ansiedad e inseguridad mías y quiero que también pueda servir e inspirar fortaleza a otras mujeres en el mundo.

tumblr_pjaqieoudy1qa9n5no1_1280.jpg
Marguerite es un personaje recurrente de Maya Nukumizu y suele aparecer cubierta en una sábana y con una aureola sobre su cabeza

tumblr_nf51rgAFJm1qa9n5no1_1280.jpg

 

Al igual que tu maestro, el famoso pintor Keiichi Tanaami, trabajas la psicodelia en las composiciones e introducción de elementos y figuras. ¿Estos elementos tienen un significado concreto dentro de tu universo particular?

M.N.: Al maestro Keiichi Tanaami lo conocí por primera vez durante tercero de carrera en un seminario y desde entonces hemos mantenido una gran relación de amistad. No solo es el artista que más ha influenciado mi obra, sino también el maestro al que le debo todo lo que soy ahora. Si no le hubiese llegado a conocer habría terminado convirtiéndome en otra cosa y no en artista. Cada vez que miro las pinturas de Tanaami sensei siento como si estas me hubieran visto crecer y yo hubiese aprendido todo lo que sé de ellas. Definitivamente, su influencia en mi es muy importante.

keiichimaya.jpg
Keiichi Tanaami y Maya Nukumizu

La verdad es que no siento que mi obra se enmarque dentro de lo psicodélico. Por ejemplo, cuando uso los rayos de sol que aparecen en la famosa bandera imperial japonesa, lo que intento hacer es entretejer conceptos. ¿Por qué? Por que aunque hoy en día, Japón es un país pacífico y pacifista, adolece una crisis existencial a consecuencia de su pasado. Las tensiones políticas actuales, internas y externas, tampoco ayudan y hacen temer que se desate una nueva guerra. Empleo en mis obras esta bandera como forma de advertir que se trata de un riesgo real y que ciertas conductas que vemos en la actualidad presentan reminiscencias de este fatídico pasado.
Por otro lado, mis personajes están muy influenciados por el estilo del manga, con sus líneas expresivas y el trazo muy marcado. Como he dicho antes, el estilo particular del manga es para mí una herramienta esencial en la creación de mis piezas.
Al mismo tiempo, cuando pienso en cómo tiene que ser la composición de una obra concreta, creo que es cuando sale mi parte de diseñadora profesional. Lo primero que piensa la gente al ver alguna de mis piezas, es que pretendo hacer un juego de equilibrio y contrastes entre colores claros y oscuros. Lo cierto es que a nivel visual se trata precisamente de conseguir eso. Quiero hacer obras que causen impacto en el espectador, que pongan a funcionar sus cerebros y que no sean fácilmente olvidables.
Para mi, hay belleza en ese impacto.

Esta intencionalidad es, por supuesto, también influencia de Tanaami sensei, de quien de alguna manera he heredado su forma de entender el arte y la belleza que hay en este. La verdad, es que por este tipo de cosas, puedo llegar a entender por qué mi obra se considera psicodélica.

tumblr_publo4zNaq1qa9n5no1_1280

La influencia del manga es evidente en los personajes que representas en tus trabajos. ¿Cuánto influye el manga en tu obra? ¿Tienes algún manga favorito?

M.N.: Influye muchísimo. Cómo he comentado, desde mi infancia mi manga favorito ha sido Sailor Moon. Es un manga conocido en todo el mundo y que marcó una época, como pudo ser Wonder Woman en Estados Unidos. Además, en el caso de Sailor Moon, la protagonista no es la típica heroína que solo se dedica a hacer el bien, sino que tiene un marcado carácter japonés y es muy humana. Es una chica un poco debilucha y torpe, que además se enamora del chico guay de turno. Por lo general, es una chica normal, con un día a día aburrido y ordinario, hasta que se topa con los malos y saca todo su valor y fuerza para combatirlos. Diría que este gusto por los personajes con tanta personalidad y contrastes me viene desde pequeña.
Otros mangas que me gustan y son muy importantes para mí podrían ser, por ejemplo, 14 años 「14歳」de Kazuo Umezu, Mi nombre es Shingo「わたしは真悟」 de Junji Ito o cualquiera de las historias de Suehiro Maruo. Por lo general, me encantan los mangas de terror que son capaces de mezclar lo bello y lo extraño.

 

Si tuvieras que elegir una obra tuya, ¿con cuál te quedarías?.

M.N.: Sin dudarlo me quedaría con mi obra titulada Yellow twins head bomb. Si te fijas, esta obra busca representar la reprochable actitud de algunos países que, con el objetivo de ganar fuerza en tiempos de guerra, son capaces de transformar en una herramienta y en un arma, hasta a una indefensa y vulnerable niña. En cualquier época de la historia y por un sin fin de motivos, los seres humanos siempre hemos cometido el error de buscar excusas para entrar en guerra y hacer atrocidades.
Además, en esta obra, he intentado retratar cómo me sentiría y el horror que experimentaría si estuviese viviendo una guerra de primera mano… (Aunque puede que esta ya haya empezado).

the_head-bomb_YELLOW_TWINS

Has sido profesora en la Universidad de Arte y Diseño de Kyoto y realizas trabajos en el mundo de la publicidad. ¿Cómo es tu experiencia en este campo? ¿Qué ámbito te gusta más?

M.N.: Es una alegría completamente distinta el poder trabajar en publicidad y en multimedia, más allá de los trabajos de pintura en exposiciones y ferias de arte.
Si tu trabajo aparece en la portada de un disco o en la cubierta de un libro llegará a muchas más personas que podrán conocer tu arte. Es una forma de conectar con personas a las que de otra forma no esperarías poder llegar.
La verdad es que nunca he querido quedarme estancada en un solo ámbito. Prefiero no decidirme por ninguno ni ponerme limitaciones.

¿Tienes algún proyecto actual o futuro?

M.N.: El pasado agosto se celebró el SUMMER SONIC 2019, un festival de rock de Tokio. El festival contaba en su programa con SONICART, una iniciativa que daba espacio al arte y me invitaron a hacer un live painting allí.
Próximamente, del 20 al 29 de septiembre, estaré en el espacio 3331 Arts Chiyoda, en Akihabara, para la celebración de WAVE 2019, una exposición colectiva en la participo,
Otros proyectos, están relacionados con la animación. En bastantes ocasiones me invitan países extranjeros como Suiza o Reino Unido, donde he participado en festivales de producción audiovisual. De hecho, justo ahora estoy trabajando en un proyecto de este tipo y me gustaría seguir profundizando en este campo… y en muchos otros.

ECQp9n7VUAMr0xr
Maya Nukumizu posa junto con su live painting en el festival SUMMER SONIC 2019 de Tokio.

Puedes seguir a Maya Nukumizu en su sitio web, Twitter o Instagram.

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.

Masanori Ushiki y su diario de ilustraciones surrealistas

¿Quién demonios es Masanori Ushiki y qué me has echado en la bebida? Tranquilo, es cierto que tu Calpis Soda ha sido adulterado, pero el arte de Ushiki ya viene así de fábrica. En concreto de una «fábrica» que en realidad es un estudio en el barrio de Meguro en Tokyo. Masanori, nacido en 1981 oriundo de Niigata, abandonó la costa occidental de Japón para dedicarse por completo a su arte en la capital. En Tokyo terminaría sus estudios de Diseño e Ilustración en la Universidad de Arte de Musashino por allá por 2014 y, tras pasar por muchos trabajos, terminaría por convertirse en un artista cuyas obras han sido expuestas en numerosas galerías dentro y fuera del país. Ushiki ha realizado encargos para importantes empresas como la televisión NHK, Toyota, Converse, Vogue, Red Bull o Medicom Toy, esta última encargada de producir las figuras del famoso artista KAWS.

converse.jpg
Ushiki ha realizado encargos para marcas muy famosas como Converse.
e31a09ce18dccfd1d54a46858893bd85_3988dd449830c1b315a9015f0340cf8b.jpg
『Kappa』(2017)

Masanori con su arte pervierte, de una forma muy divertida y disfrutable, todos esos productos culturales procedentes del mainstream y que están muy presentes en los medios y en el subconsciente de las últimas generaciones de jóvenes japoneses. Superhéroes del cómic y del anime, mascotas de marcas populares, todo eso que nos ha influido cuando éramos unos mocosos y a lo que guardamos, muchas veces injustificada e incomprensiblemente, un rinconcito en nuestros kokoros. En definitiva, el arte de Ushiki es un ejercicio nostálgico que repasa y reinventa todo este espectro de residuos culturales que se alojan en nuestras cabezas. Es también la frustración de un espectador que se ve a si mismo bombardeado por referencias cuya interrelación es inesperada o absurda, en lo que representa a su vez el tipo de humor tan particular del que este artista hace gala.

Como estaba diciendo, Ushiki ha pasado por muchos trabajos y es precisamente esta constancia del esfuerzo y el trabajo la que le ha llevado a convertirse en el artista e ilustrador que es hoy día. Este artista japonés, dentro de su proyecto VISITORS ha realizado y publicado, desde agosto de 2016, una ilustración nueva y distinta en un Instagram abierto con este objetivo. No solo es cuestión de mantener activa una cuenta y así crear un flujo de actividad y presencia en las redes que permita que su trabajo sea descubierto por el mayor número de personas posibles. En el caso de Ushiki existe una necesidad del entrenamiento diario pero también de volcar en redes y comunicar a su público la gran cantidad de influencias de las que beben sus ilustraciones. Este proyecto diario de Ushiki, al cual os dejamos un enlace al final del texto, está constituido por retratos de personajes surrealistas que se inspiran en el manga, la ciencia ficción, la cultura popular o tradicional japonesa, así como en la obra y en los estilos de otros artistas a los que admira. Ushiki dice que para este proyecto basta con dedicar máximo una hora de trabajo a cada una de estas ilustraciones, ya que elaborarlas en exceso les haría perder su encanto.

 

730-1170x1170

 

37135500_966283716912887_5635706436265705472_n59720665_1302918616523602_2091866894943382094_n

 

Estéticamente Masanori Ushiki no tiene pérdida. Con un estilo en consonancia con el manga, pero más ágil y desenfadado, últimamente podréis encontrarlo allá donde veais tinta negra sobre blanco. También practica y mucho el mundo del color con una paleta pop-psicodélica muy cercana a la de otros artistas japoneses como, por ejemplo, el mítico Keiichi Tanaami, Maya Nukumizu o Hideyuki Katsumata, por mencionar solo a algunos de sus paisanos. Hay que mencionar que Ushiki es un artista multidisciplinar que, aunque últimamente concentra sus esfuerzos en el diseño gráfico y la ilustración digital, también trabaja técnicas como el grabado y la escultura en madera.

be93fae4a6960033de35b5301cc7124d_9fbf90cc88c681ed55d00dbedbc16eb1 (1)
『young people2』(2017)

Al que le pueda interesar, Ushiki ha publicado recientemente un libro titulado VISITORS, que recoge todo este trabajo diario que hace en Instagram y que es la base de una exposición individual que bajo el mismo nombre ha sido celebrada en Tokyo. Actualmente, podéis disfrutar hasta el 2 de septiembre de esta exposición en Londres, en la Pocko Gallery, en lo que supone el debut del artista en Europa. Podéis encontrar más información en el sitio web de la galería.

d1a976f18abe5e335c6f03a9340f7a44_5eec3d8d5e1ac444227906e69a2b31ac (1).jpg

Sitio web.

Instagram de Masanori Ushiki.

Instagram del proyecto diario Visitors.

Podéis comprar su libro de ilustraciones Visitors aquí.

Entrevistamos a Hideyuki Katsumata. Una colorida orgía visual, psicodélica y mitológica.

Hideyuki Katsumata es a día de hoy uno de los grandes maestros de la mezcla iconográfica en Japón. Su arte es una orgía visual, psicodélica y mitológica, donde monstruos, deidades y otras criaturas se dan la mano en el mismo lienzo. Sus composiciones son atrevidas, combinando lo explícitamente sexual con lo divino y lo tradicional. Podríamos atrevernos incluso a decir publicamente que Katsumata es un digno heredero posmoderno de todos esos maestros del shunga y del arte yokai cómo Hokusai o Suzuki Harunobu, llegando hasta el maestro del manga Shigeru Mizuki.

Sin embargo, este artista va mucho más allá, su propuesta es infinitamente más cósmica, universal y metafísica. Robots, demonios oníricos y alienígenas anatómicamente imposibles visitan sus dibujos y comparten escenas muy barrocas con elementos del folclore japonés. Su mayor aliado es la potencia del color y su principal arma la mixtura de influencias y el impactante resultado de sus obras.

Hideyukiprofile1.jpg
Hideyuki Katsumata en la Dundee Contemporary Arts

Hideyuki vive en Tokyo donde pasa la mayor parte de su tiempo trabajando en su estudio. Es un artista de talla internacional, que ha realizado exposiciones individuales y colectivas de sus obras y participado en conferencias en ciudades de todo el mundo. Realizó USO de HONTOU, su mayor exhibición hasta la fecha, en 2015 en el centro de arte contemporáneo DCA en Dundee, Escocia. Es último año, en 2018 también ha formado parte del proyecto colectivo NAKAMA de ART en Tokyo.

Ha hecho marca de su carismático personaje HANAUTAH, a quien representa asiduamente y que incluso tiene sus propios stickers en la aplicación de mensajería LINE. !Incluso podemos encontrar una habitación de un hotel de Tokyo personalizada con motivos de este personaje!

No solo se dedica a la pintura, si no que es una persona volcada con la cultura y organiza eventos relacionados con otros campos como la música o la moda. Ha realizado portadas de álbumes de discos y videoclips para bandas como Little Dragon o CUZ (Duo formado por Sam Dook de la banda The Go! Team y Mike Watt de los The Stooges).

272f5214db67d5fa34b91412341617d7
Emotional Surgery

Entrevista:

¿Cómo sería Japón si sus creadores hubiesen sido Hideyuki Katsumata y Hanautah en lugar de Izanagi e Izanami?

H.K.: Es la primera pregunta y ya me he quedado flipado. Nunca me habían hecho una pregunta tan difícil y sorprendente como esta [risas].

Estas deidades creadoras de Japón no estaban realmente adscritos de manera indiscutible a una religión particular. Por eso aquel Japón previo al recibimiento de toda esta herencia del budismo era un lugar donde los dioses, los seres mitológicos, los monstruos y los humanos podían convivir respetándose mutuamente. El mundo que habita HANAUTAH también sería algo así. Un lugar animista y colorido, donde todo cobra vida. Algo así como una especie de aldea Villa Pingüino del manga Dr.Slump. Así que un mundo soñado por mi y HANAUTAH sería un concepto muy similar a eso.

Sin embargo, si me dieran ahora mismo la oportunidad y tuviera la capacidad de crear un mundo por mi mismo, lo que haría sería no darle cuerpo a las almas y permitiría que nuestras mentes pudieran viajar libremente por todas las dimensiones del multiverso.

eye_hideyuki_katsumata_2

Por cierto, ¿quién es Hanautah y cómo lo conociste? ¿Nos lo presentas?

H.K.: Hace unos quince años, cuando me encontraba en plenos preparativos para una exhibición, se me apareció en sueños este ser llamado HANAUTAH. En ese entonces se me presentó como una figura de cinco piernas y un par de cuernos. Daba miedo. Era un ser completamente monstruoso y aterrador y por algún motivo estaba muy furioso. De repente y para apaciguarle, se le acercaron cinco chamanes vestidos con ropajes negros y como parte de un ritual lo rodearon y le dedicaron unos rezos…

Me desperté y salté de la cama rápidamente. Fui corriendo a sentarme en mi escritorio e hice un boceto de lo que había visto en este sueño. Recuerdo que volví a la cama y en menos de un segundo ya estaba dormido otra vez.

line

Así fue como conocí a HANAUTAH.

El boceto que dibujé aquella noche terminaría por convertirse en la obra principal de la exhibición. En aquel entonces todavía no le había puesto nombre a este singular personaje. Simplemente la presenté como “Criatura con cuernos” (Tsuno no aru ikimono).

Por algún motivo que desconozco comencé a dibujarlo con cierta regularidad. Cuanto más lo dibujaba más me gustaba. Llevado por una misteriosa atracción, poco a poco fui perfeccionando su diseño y finalmente le nombré HANAUTAH. En japonés hanauta 鼻歌 significa tarareo o canturreo. Estaba buscando un nombre que diese sensación de buen rollo y a la vez algo que fuera un poco tonto e infantil. Creo que le pega bastante.

¿Cuándo comenzaste a tomarte en serio plasmar sobre el papel toda esta fantástica psicodelia mitológica y monstruosa?

H.K.: Cuando era pequeño me encantaba todo lo que tenía que ver con el espacio exterior, el origen del universo y los extraterrestres. También todo lo relacionado con el mundo de los espectros, fantasmas yurei y yokai, así como los ooparts y todos esos misterios de la historia y el ocultismo. Por otro lado, odiaba todo lo relacionado con la guerra.

Mi intención es intentar representar el origen de todos estos elementos anteriores. Desde mi humilde posición y los límites de mis capacidades, mezclo y unifico estos elementos haciendo surgir un resultado que sea llamativo. Sin embargo, no busco que este sea el concepto de creación en mi obra, realmente prefiero que todo surja a través del propio hecho de querer explorar y experimentar.

KOREA41.jpg

Muchas veces cuando vemos obras tuyas tenemos la sensación de que has reiniciado toda la mitología existente de la humanidad, y como si de un puzzle se tratase, hubieses seleccionado y unido componentes creando un nuevo orden. Estas criaturas, seres y dioses, ¿existen ya o nacen de forma espontánea sobre el papel? ¿Quieren enviarnos un mensaje o simplemente entretenernos y que disfrutemos de su impresionante aspecto?

H.K.: Está claro que una de las principales cosas que me motivan a producir arte es que me divierto creando estos seres extraordinarios. Por supuesto también hay una influencia obvia de las pinturas religiosas, sobre todo de las más típicamente budistas, pero, a fin de cuentas el resultado es que los personajes son originales y muy míos.

La estética del manga y de los súper héroes japoneses también me ha acompañado desde pequeño y siempre he tomado elementos de ambas cosas. Estos estilos combinan elementos de un lado y de otro, los mezclan y resultan en personajes que a veces son épicos y muy chulos y otras veces muy monos y adorables.

Con mis personajes, por más detestables o nobles que sean, siempre intento que tengan un fuerte poder de atracción y cierto encanto mágico. También busco que puedan identificarse con un tipo de persona determinado, que te hagan preguntarte a qué tipo de persona se asemejarían en la realidad.

De todas formas, cada uno de ellos forma parte imprescindible de la composición, por muy pequeño o minoritario que sea, sin importar su raza o su cultura. Lo que intento es que todo tipo de personaje pueda coexistir en mis obras.

Sé que es un poco jodido de entender [risas]. Para explicar debidamente una idea como esta me haría falta hacer varios episodios, como en la saga de Star Wars.

2814738.jpg
Yoiyassaa

En tus composiciones los brazos se multiplican, los ojos brotan por todas partes y de los torsos surgen rostros y viceversa. El color es muy instintivo y protagonista y aporta mucho a ese ambiente psicodélico tan singular. Hablando de aspectos formales, ¿cuales son tus principales influencias artísticas? Sabemos que Picasso ha sido una de ellas.

H.K.: Es así como decís. Recuerdo que de pequeño algunas de las primeras cosas que me llamaron la atención y me impactaron de verdad fueron el ukiyo-e y el arte de Picasso. Es como si la base de toda mi expresión artística actual hubiese estado ahí desde la infancia.

También me encanta representar a mis personajes adoptando posturas y mudras tomados de la imaginería budista de la India. Me gusta mucho la elegancia, fuerza y elasticidad de todo este tipo de movimientos.

Acerca del tema de poner ojos por todas partes… Por lo general los ojos son entendidos como un camino de entrada de lo exterior al interior del cuerpo, pero en mi opinión también es una salida hacia afuera de algo que ya está dentro. Extraemos y recibimos información del objeto que miramos, pero también estamos emitiendo información con el simple hecho de mirar a ese objeto. Es por eso que me resultan tan interesantes.

Al extenderse y multiplicarse estos ojos a través de los brazos, aumenta el alcance, posicionando esa entrada y salida de información que acabo de comentar en un lugar más privilegiado. Esto se relaciona con lo que dije en la anterior respuesta de que cada personaje puede identificarse a una persona real a través de nuestra mirada a estas pinturas. Estos ojos se han convertido como en una especie de amuleto que siempre tengo que incluir en mis trabajos.

Como Picasso mencionó en una entrevista, él estaba altamente interesado en las figuras religiosas africanas. La razón de ser de estas figuras está en el hecho de su utilización como amuleto o pieza clave dentro de un ritual. Conocer e investigar estas figuras es algo que le fascinaba y creo que esta influencia se manifiesta de forma clara en sus obras. Humildemente creo que en este sentido me ocurre lo mismo que a Picasso.

larger.jpg

El sexo es otro aspecto que tratas mucho en tus obras. A veces parece tratarse de una parodia y otras un mensaje más trascendental y filosófico. ¿Se trata de una parodia o una reflexión sobre el género y la condición sexual?

H.K.: Dentro del tradicional ukiyo-e podemos encontrar el género shunga o pintura erótica. Lo erótico no es solo un tema de nuestros días y que sea propiedad del manga actual. El erotismo y el sexo forman parte intrínseca del arte y la cultura japonesa tradicional. Son temas verdaderamente importantes y representativos de nuestra cultura. Este tipo de arte suele reunir elementos muy sutiles e ingeniosamente humorísticos que han retratado muy bien la identidad japonesa.

Por ello, fuera de Japón se le tiene gran consideración a su arte erótico tradicional y actual, pero dentro del país existe un gran tabú y a menudo es un tema a evitar.

¿Por qué tiene que ser así? Esa es la gran pregunta que me hago.

El sexo es un gran tabú en Japón. Esto a veces se convierte en un problema y todo un desafío para los artistas interesados en representar este tipo de cosas. Es una pena pero, por el simple hecho de dibujar genitales o escenas de sexo, te encasillan dentro en un estilo absurdo o más desprestigiado. Los artistas interesados en estas manifestaciones deben desafiar este tabú que impregna a la sociedad japonesa.No se trata de reivindicar la relevancia de estos temas a lo largo de la historia de la humanidad, sino de poder expresar libremente mi interés por lo erótico y sexual.

EOPLE

Tu obra es un verdadero recorrido de referencias a la cultura japonesa. Nos topamos con samurais, geishas y luchadores de sumo, así con componentes propios de la caligrafía tradicional y versiones de ukiyo-e o shunga. Más allá de lo tradicional, a veces hemos visto que aprovechas para lanzar algún mensaje más social haciendo uso de la sátira política. ¿Tienes interés en continuar explorando/ahondando en aspectos y temáticas de ese tipo?

H.K.: Si hubiese la posibilidad de viajar hacia atrás en el tiempo, siempre he tenido curiosidad por experimentar y conocer cómo era la vida en el Japón del periodo Edo (1603-1868). Me hubiese encantado vivir en primera persona toda esa moda del ukiyo-e y conocer de cerca las que considero las raíces de mi forma de imaginar y crear. Durante el periodo Edo ya encontrábamos cierto relajo de lo dogmáticamente moral en el ukiyo-e, ya existía algo muy parecido al manga y se disfrutaba mucho de la sátira y el humor.

Personalmente no estoy muy satisfecho con las decisiones y forma de actuar del gobierno japonés actual, ni tampoco con las de la política global en el resto del mundo. Mires donde mires siempre hay un trato injusto a la Tierra y creo que siempre se debería actuar de forma que las políticas causen el menor impacto posible sobre esta.

Me gustaría continuar maldiciendo estos tiempos políticos a través del humor y la sátira en mis caricaturas… más que haciendo críticas políticas en el sentido más serio y estricto.

BITCH
BITCH

Entre muchos otros, ¡hiciste la portada de un álbum para Little Dragon! ¿Cómo surgió esta oportunidad? ¿Alguna música que te inspire o te ayude con tus creaciones?

H.K.: Poder hacer la portada del álbum Machine Dreams ha sido una de las experiencias más importantes de mi carrera. Conocí a Little Dragon a través de MySpace y en su visita a Japón quedamos para comer. Así es como surgió esta oportunidad.

En cuanto a música que me inspire para pintar no siento predilección por ningún género o artista. Me pongo un estilo y otro según mi estado de ánimo. Lo que sí hago muy a menudo es escuchar monólogos de rakugo.

Te hemos visto realizando obras en gran formato. Teniendo en cuenta la complejidad de tus piezas, ¿cuál fue la más difícil de plasmar en un muro? Esto…¿Para cuando una en Madrid?

He pintado algunas obras en interiores de buen tamaño, pero la verdad es que no tengo la experiencia de haber dibujado algo tan grande como la fachada de un edificio. He visto que eso se lleva mucho en Europa, pero por ahora no puedo hacerme una idea de la dificultad que realmente conlleva.

Sin duda me gustaría ir a España para realizar algún trabajo algún día. Además, me gusta mucho la marca de sprays Montana Colors que es española.

¿Por qué tus diseños de ropa molan tanto? ¿Algún sitio donde podamos conseguirlos ¿Qué es lo último que has hecho dentro del mundo de la moda?

H.K.: ¡Jajajaja! Muchisimas gracias. Desde hace bastante tiempo he venido haciendo también diseños para moda. Siendo adolescente me encantaba la estética que aparecía en el documental Punk: Attitude (Don Letts, 2005) pero sobre todo el mensaje que transmitían todas esas pintas.

Podéis encontrar estos diseños en SNS, si les escribís un mensaje, creo que tendrán stock y hacen envíos a todo el mundo. Seguro que si hacéis una búsqueda por mi nombre en google también podréis encontrar alguna cosa. ¡También podéis echarle un vistazo a mi tienda en Instagram!

Has viajado mucho por todo Asia. ¿Cómo te han inspirado a ti y tus pinturas estos viajes?

H.K.: Aunque diría que Europa también me ha influenciado mucho, es verdad que me gusta mucho poner juntas las diferentes culturas tradicionales de los distintos países de Asia. Por un lado me inspira y me influyen, pero también enorgullece pertenecer a este continente.

Por otro lado, en las grandes avenidas de las ciudades de todo el mundo, vayas a donde vayas, Asia o Europa, puedes encontrar las mismas tiendas de moda y cadenas de restaurantes. Me hastía que todo sea tan similar y aburrido.

En Tokyo ocurre lo mismo pero tengo que buscar la inspiración en las calles secundarias y callejones, así como en algunas zonas menos visibles del centro. Es allí se conservan las antiguas formas y las relaciones entre las personas son más íntimas y cercanas. Disfruto más de las peculiaridades de estas zonas y de su colorido. Considero que el uso de los colores en mi obra se inspira mucho en estas partes de las ciudades del mundo.

¿Estás trabajando en algo nuevo recientemente?

H.K.: Ahora estoy preparando unos pósteres para la campaña de navidad de la tienda irlandesa Hen Steeth Store. Por otro lado, he organizado para el 8 de diciembre en Koenji, Tokyo una exhibición de música, danza y pintura. También el año que viene, a primeros de febrero, está prevista una exhibición grupal en Bangkok en la que participaré. En realidad estoy a un montón de cosas a la vez. ¡Echad un vistazo a mi Instagram y Facebook por si queréis saber más detalles! ¡¡Muchas gracias!!

Web personal de Hideyuki Katsumata
Instagram
Facebook

Entrevista realizada por Elena Manrique y José Fernández.